Top Ten - ''Mis diez Guitarristas de Rock preferidos''

Como último artículo de este 2016 quiero compartir con todos ustedes los diez guitarristas de rock que a mí más me gustan en particular.

Antes de pasar al Top Ten quiero saludar y desearles Felices Fiestas a todos los lectores de esta columna que están dispersos por todo el mundo y que con muchos de ellos estamos en contacto por mi Facebook personal....sí alguien lo desea puede mandarme una solicitud de amistad,y así poder conocerlos por lo menos de forma virtual,los saluda Rodrigo Praderi.

Ahora si continuemos....
Con esto mi intención no está ni cerca de querer demostrar que sean los mejores ni nada de eso,simplemente son los que a mí más me gustan.

Mis criterios para incluir a estos diez héroes de la guitarra en mi lista son fundamentalmente sus atributos técnicos porsupuesto,pero sobre todas las cosas todo lo que logran transmitir por medio de su instrumento,fundamentalmente pasión y sentimientos,que son capaces de lograr en el que los escucha,una experiencia mágica y que todos nosotros podamos formar parte de ella con nuestras propias interpretaciones mentales y emocionales.

Aclaro esto y agrego que para mí las técnicas sofisticadas y la velocidad para tocar no son atributos tan importantes como los que aclaro un poco más arriba.
Dicho todo esto pasemos al Top Ten de los artistas que he elegido para comformar esta lista ;

Puesto 10 :

MARK KNOPFLER   (*)Escuchar

Puesto 9 :

ANGUS YOUNG  (*)Escuchar

Puesto 8 :

BRIAN MAY  (*)Escuchar

Puesto 7 :

CARLOS SANTANA  (*)Escuchar

Puesto 6 : 

JIMMY PAGE  (*)Escuchar

Puesto 5 : 

TONY IOMMI  (*)Escuchar

Puesto 4 :

RITCHIE BLACKMORE  (*)Escuchar

Puesto 3 :

ERIC CLAPTON  (*)Escuchar

Puesto 2 :

DAVID GILMOUR  (*)Escuchar

Puesto 1 :

JIMMY HENDRIX  (*)Escuchar

Autor: Rodrigo Praderi

e-mail: roprado-8@hotmail.com

*La referencia al audio de Youtube que se hace de los temas es con fines meramente ilustrativos. La música y letra de los mismos es Copyright (C)  de su(s) respectivo(s) autore(s).

1982 - Judas Priest - Reseña/Review de ''Screaming For Vengeance''

Hoy transitaremos por uno de los momentos más sobresalientes de la historia del heavy metal.
Y este disco justamente se encuentra enclavado en esa época dorada.
Fué durante los años ochenta que los Judas Priest se convirtieron definitivamente en los dioses del metal.
Como sabemos la carrera profesional de la banda se había iniciado en los años setenta,ejecutando un rock'n'roll más clásico y muy distantes del sonido que los convirtiera en leyendas un tiempo más tarde.

Su prestigio como héroes del metal y abanderados de este movimiento tuvo su punto máximo de excelencia a partir de 1980 con el lanzamiento de su sexto álbum ''British Steel''.
Esta etapa de apogeo,nos dejó un legado de grandes discos donde destacamos además obras cumbres como ''Defenders of the Faith'' o ''Painkiller''.
Allí se apoderaron definitivamente de la escena metalera mundial y brillaron como nunca antes.
Estos guerreros del metal para su trabajo de 1982,''Screaming For Vengeance'' estaban conformados por su gran alineación con Rob Halford a la cabeza y como vocalista.
Glenn Tripton y K.K. Dowing en guitarras,Ian Hill en bajo y Dave Holland en la batería.

''Screaming For Vengance'' se grabó entre Setiembre y Octubre del año 1981 en Ibiza.España.
Tiempo más tarde,en abril del siguiente año,el material se terminó de mezclar y grabar en los Estados Unidos,
El album se publicó el 17 de Julio de 1982 para el sello Columbia.
La producción estuvo a cargo de Tom Allom,productor e ingeniero de sonido británico que trabajó también con bandas del porte de Black Sabbath o Def Leppard.

Este trabajo fué entonces el octavo disco de estudio de la banda y el más vendido a nivel mundial.
Capitalizó a nivel de popularidad y ventas todo lo que se había iniciado unos años antes con discos  anteriores,principalmente con ''British Steel''.

La venganza es un plato que se come frío,y que desde luego sabe muy bien...

Judas Priest : (de izq.ader. Glenn Tripton,Ian Hill,Rob Halford,Dave Holland y
K.K.Dowing de elcadillacnegro.com (http://bit.ly/2h3EYBI)

El disco se introduce con ''The Hellion'',que es el nombre del águila metálica que aparece en la portada del album.
Es la majestuosa y triunfal entrada de los dioses del metal.
Musicalmente se trata de una breva introducción de guitarras lanzando acordes majestuosos en todas direcciones.
The Hellion,esa águila de metal,que se ve lanzándose a toda velocidad en busca de su presa con sed de venganza...
El arte del dibujo estuvo a cargo de Doug Johnson.

Enganchada a continuación comienza la primer canción,''Electric Eye''.
Tema que se convirtiera en clásico de la banda.
Su letra habla de un espía cibernético que controla nuestro mundo y nos observa atentamente.
''Up here on space,I'm looking down on you,my lasers trace,everything you do''.
El tema luego de la intro explota en un riff descomunal con el sello inconfundible de Judas Priest.
Rob Halford ya nos comienza a deleitar con sus cambios de registro vocal.
Una canción con aires futuristas sin ningún lugar a dudas.

Otro gran riff de apertura y sonido metalero clásico para ''Riding On The World''
Un tema genial con una serie de cambios de tiempo extraordinarios,batería con resonancia infernal,punteos sublimes de guitarras y porsupuesto todas las habilidades de Halford en la voz.
Otro tema con efectos de tipo más futuristas,que se vieran también más adelante pero quizas demasiado edulcorados como es el caso del disco ''Turbo''.

Continuamos con ''Bloodstone'',una pieza que inicia con unas guitarras afiladas que rápidamente cortan el ambiente sonoro y se transforman en un riff excelente,que particularmente a mí me encanta por su sonido clásico.
Este es un tema donde Rob Halford se luce sobremanera,demuestra su pericia vocal y llega a unos agudos estremecedores.
Aprecien a partir del minuto 2 y 30 segundos el solo de guitarra con una escala imponente.
Un tema completo.

Que gran tema ''(Take These) Chains''.
Comienza con una introducción sigilosa de guitarras para que luego las llamas acústicas vayan cobrando vida propia.
Rock clásico,guitarras clásicas y un excelente estribillo,la receta perfecta para hacer buena música.
''Take these chains off,Take'em off of my heart''.

Judas Priest en el US Festival de 1983.

''Pain and Pleasure'' es un tema
 con un sonido menos rápido,
que corre a través de guitarras más
cansinas y una batería más lenta.
Como siempre solos de guitarra grandiosos.
''You give me pain,but you bring me
pleasure,get out of my life''.
La dicotomía entre el amor y el dolor.



Llega ahora el tema que da nombre a este trabajo.
Un tema cantado por Rob Halford con furia,con sed de venganza,''Screaming For Vengeance''.
La letra es una crítica muy acertada al sistema,al sistema del miedo y del sometimiento.
La ceguera mental a la que nos quieren llevar,un mundo regido por el miedo y lo material.
La canción incita a rebelarse,a escapar del sufrimiento y tomarse revancha.

''You've got Another thing Comin' '' es una estupenda canción,de las mejores de este disco.
Excelente ritmo sostenido por el bajo de Ian Hill y la batería de Dave Holland para abrir el tema.
Adornan geniales acordes de guitarra.
Otra notable exposición en lo vocal de Rob Halford,con ese estribillo largo y un grito infernal a mitad del tema,buscando sus mejores agudos.
Con otra letra de rebelión e incomformismo a las reglas de vida impuestas.
Siempre buscando la libertad o acercarse a ella lo más posible...de eso se trata en gran parte el rock.
Me quedo con esta frase ; ''In this world we're livin' in,We have our share of sorrow,Answer now is don't give in,Aim for a new tomorrow''.

''Fever'' se abre con una hermosa intro de serenas y emotivas guitarras,para dar paso a la voz de Rob Halford.
Luego sube la temperatura y nuestro metabolismo se acelera al ritmo de esta genial canción.
Aprecien amigos a partir de los 2 minutos y 40 segundos la atmósfera generada por el impresionante duelo de guitarras a cargo de K.K. Dowing y Glenn Tripton.

Para cerrar este legendario Screaming For Vengance llega ''Devil's Child''.
Como si fuera poco otro riff asesino,de sonido bien clásico.
Halford rasga su voz para el estribillo ''I Believe you're the devil,I Believe you're the devil's child''.
Un disco imprescindible para comprender no solo la evolución de Judas Priest,sino también del heavy metal en general.
Un cálido abrazo,Rodrigo Praderi.

Lista de temas :

1- The Hellion

2- Electric Eye (*)Escuchar

3- Riding On The World

4- Bloodstone (*)Escuchar

5- (Take These) Chains (*)Escuchar

6- Pain and Pleasure

7- Screaming For Vengance (*)Escuchar

8- You've got Another Thing Comin'

9- Fever

10-Devil's Child (*)Escuchar

Autor: Rodrigo Praderi

e-mail: roprado-8@hotmail.com

*La referencia al audio de Youtube que se hace de los temas 2,4,5,7 y 10 es con fines meramente ilustrativos. La música y letra de los mismos es Copyright (C) 1982 de su(s) respectivo(s) autore(s).

Créditos:

Publicado: 17 de Julio de 1982..
Sello: Columbia Records.
Productor: Tom Allom.
Música y letras: Judas Priest.
Grabación: Setiembre a Octubre de 1981.

Todas las canciones escritas y compuestas por G.Tripton,R.Halford y K.K.Dowing,excepto track 5,escrito por R.Halligan JR. (C) 1982 Copyright,Columbia Records.

(C) Copyright 1982.Columbia Records. Todos los derechos reservados.

1967 - Jefferson Airplane - Reseña/Review de ''Surrealistic Pillow''

Una píldora te hace grande,otra te hace pequeño.
Una de las frases más recordadas de la letra de ''White Rabbit'' de connotaciones claramente relacionadas con el consumo de sustancias psicodélicas y las alteraciones de conciencia que estas producen,capaces de elucubrar viajes fantásticos a lugares inimaginados.
Los Jefferson Airplane fueron abanderados del movimiento hippie y del ''Flower Power'' en la Bahía de San Fransisco.

Capaces de producir un estilo musical que fundía el Blues,el Folk y el Rock en un molde de aromas lisérgicas,de rebeldía y de pasión que daban forma a la música de Jefferson Airplane.
Junto a The Grateful Dead,The Byrds y The Big Brother and the Holding Company fueron quiénes llevaron el liderazgo de este movimiento.

La meca de la música y el arte en los Estados Unidos era sin lugar a dudas San Fransisco.
Un paraíso creativo donde se respiraba buena vibra por todos lados.
Atmósfera perfecta para la inspiración de músicos,artistas,poetas y todo tipo de actividad creativa.
Las bandas locales entre 1965 y 1966 solían tocar juntas en tres centros de referencia por excelencia,el Filmore Auditorium,el Avalon y el Carousel.
Se tocaba música,se bailaba y se consumía LSD hasta el hartazgo.


La efervesencia del Verano del Amor en la Costa Oeste llevaba a la absoluta libertad de expresión por aquellos días.
El uso de sustancias psicoactivas no estaba prohibido en 1967,lo que llevó  aún más a la catalización y retroalimentación de una nueva cultura tanto a nivel musical como también a nivel socio-cultural.
Una ideología a favor del amor y la libertad y en contra de la guerra,que no fué capaz de sostener sus propios principios ya que fue muy mal guiado por el descontrol y el abuso de LSD y drogas similares.
Toda la contradicción entre el amor y la guerra.

En San Fransisco existían solo dos cantantes femeninas destacadas,una era por supuesto la diosa blanca del blues,Janis Joplin,quién ya estaba tocando con Big Brother and the Holding Company.
La otra era Grace Slick,que formaba parte de The Great Society.
Luego de la grabación del primer disco de Jefferson Airplane en 1966,la primera cantante femenina de la banda,Signe Toly Anderson se alejó de la música para criar a su hijo recién nacido.

Jefferson Airplane (Fotografía) de izq. a der. Marty Balin,Paul Kantner,Spencer Dryden,Jack Casady,Jorma Kaukonen
y Grace Slick. de rollingstone.com (http://rol.st/2dzqXGC)

Jack Casady fué quién habló con Grace Slick para que se uniera a la banda.
Grace aceptó la proposición y aportó una imagen con mayor personalidad en el escenario.
Modelo y cantante,Grace Slick fue determinante para dar el último salto hasta la cumbre del éxito.aportando además de su poderosa e hipnótica voz,belleza y profesionalismo.
Aportó también nuevas canciones que fueran himnos del disco grabado en 1967.

Ese disco fue ícono de una generación,considerado como ''El disco del Verano del Amor''.
''Surrealistic Pillow'' se grabó en apenas 19 días y fué lanzado en Febrero de 1967 para el sello RCA Victor.
Ya en Marzo,logró trepar hasta el puesto Número 3 del Ranking de Billboard en los Estados Unidos.
Producido formalmente por Rick Jarrard,aunque todos sabemos que quién intervino y aportó mucho a la producción de este trabajo como amigo de la banda,fué Jerry García de los Grateful Dead.

La formación quedó conformada por Grace Slick y Marty Balin en voces,Paul Kantner y Jorma Kaukonen  en guitarras y coros,Jack Casady en el bajo y Spencer Dryden en batería y percusión.

''She Has Funny Cars'' abre el álbum.
Un claro ejemplo de la estupenda combinación que lograban con sus voces,Marty Balin y Grace Slick.
Escucharlos a los dos juntos es maravilloso.
Ellos siempre se refirieron a la química que existía entre ambos,y que evidentemente se plasmaba tanto en las grabaciones,así como en las presentaciones en vivo.

''Somebody to Love'' es el himno del Flower Power por antonomasia.
Define con simpleza y autoridad la ideología hippie.
Es un canto al amor,a querer amar y a querer ser amado,pués era el Verano del Amor !.
''Don't you want somebody to Love,Don't you need somebody to Love,Wouldn't you...love somebody to love,You better...find somebody to love''.
Cantada exclusivamente por Grace Slick quién luce su hermosa y potente voz.
Este era un viejo tema que Grace solía cantar con ''The Graet Society'' antes de llegar a Jefferson Airplane.

''My Best Friend'' es una canción  dedicada al ex- baterista de la banda,Skip Spencer.
Un tema con una letra emotiva cargada de sentimientos para su amigo.
Otra vez cantada a dúo.
Esa fué siempre una de las cualidades mayores de la banda en esa época,la unión,la amistad.                                                                          

''Today'' es una hermosa balada que fue compuesta por Marty Balin y Paul Kartner.
De suave atmósfera pintada con hermosos y delicados acordes de guitarra.
La letra es acerca del amor,una canción muy bien escrita,poesía hecha música sin dudas.
Dice la letra : ''With you standing there,I Could tell the world,What it means to love,To go on from here,I Can't use words,They don't say enough''.

Otra gran canción con alto tenor poético es ''Comin' Back to Me''.
Amables flautas nos hacen flotar para descansar suavemente en esta bella melodía,apoyando la cabeza el la almohada surrealista.
Un sueño transparente,debajo de un suspiro ocasional....Te ví,volviendo a mí.

Un viaje psicodélico tenemos ahora con ''3/5 of a Mile in 10 Seconds''.
Corriendo ahora por otras sendas sonoras,más rápidas guiados por las guitarras de sabor ácido y visión technicolor.
De eso se trata este disco : LSD,Sexo,Amor y Libertad.

''D.C.B.A.-25'' compuesta por Paul Kartner,quién refirió que el significado del nombre de la canción se basa en relación a los acordes utilizados en el tema,así como el número que surgió de un tipo de LSD.
Inicia con una hermosa escalera de percusión y bajo,que introducen una bella melodía para que los intérpretes,en este caso Paul y Grace nos la canten con sus hermosas voces.

En la misma vibra que la pieza anterior suena ''How Do You Feel''.
Guitarras acústicas y panderetas introducen la atmósfera especial de este tema y del disco en general.
El bajo de John Casady suena muy presente.
Armoniosos coros.
Un ambiente tranquilo y complaciente ayudado por el sonido de las flautas.
Una canción en la que se respira amor y paz.

''Embryonic Journey'' es una simple y exquisita pieza instrumental con un maravilloso sonido natural creado por las cuerdas de las guitarras acústicas.
Perfecta previa para semejante tema que viene a continuación.....

Llega uno de los himnos psicodélicos más representativos de esta generación.
''White Rabbit'' lleva en su letra y en su atmósfera toda la impronta psicodélica.
El bajo y la batería del inicio comienzan poco a poco a generar ese ambiente mágico y extraño que sugiere la letra cargada de mensajes simbólicos insertos en un cuento para niños como lo es Alicia en el país de las Maravillas.
''Go ask Alice''
Cantada por la hermosa Grace con las pupilas dilatadas en sus grandes y bellos ojos azules,recita la letra con su sonrisa confidente.
Alusiones constantes a las drogas en este ambiente confuso entre la infancia y la alucinación.
''When logic and proportion,Have fallen sloppy dead,And the white knight is talking walkwards,And the red queen's ''Off with her head'',Remember what the dormouse said....Feed your head....Feed your head''.

Cierra este magnífico trabajo ''Plastic fantastic Lover''.
Una especie de pieza Country-Folk psicodélica,de graciosa melodía con alguno que otro efecto de sonido al mejor estilo del rock ácido.
Un disco que representa a toda una generación,el disco del ''Verano del Amor''.
Love is the word.....

Lista de temas :

1- She Has Funny Cars

2- Somebody To Love (*)Escuchar

3- My Best Friend

4- Today (*)Escuchar

5- Comin' Back To Me

6- 3/5 of a Mile in 10 Seconds (*)Escuchar

7- D.C.B.A.-25

8- How Do You Feel (*)Escuchar

9- Embryonic Journey

10-White Rabbit (*)Escuchar

11-Plastic Fantastic Lover

Autor: Rodrigo Praderi

e-mail: roprado-8@hotmail.com

*La referencia al audio de Youtube que se hace de los temas  2,4,6,8 y 10 es con fines meramente ilustrativos. La música y letra de los mismos es Copyright (C) 1967 de su(s) respectivo(s) autore(s).

Créditos:

Publicado: Febrero de 1967.
Sello: RCA Victor Records
Producción: Rick Jarrard.
Grabación: RCA Victor,Hollywood,California,14 de Noviembre al 10 de Diciembre de 1966.

Todos los temas escritos por Marty Balin,excepto track 1 escrito por Jorma Kaukonen y Marty Balin,track 2 ,Darby Slick,track 3,Skip Spence,track 4 Paul Kantner y Marty Balin, track 7 Paul Kantner,track 8,Tom Mastin,track 9 Jorma Kaukonen y track 10 escrito por Grace Slick.
(C) Copyright 1967,RCA Victor Records.Todos los derechos reservados.

1969 - Led Zeppelin - Reseña/Review de ''Led Zeppelin II''

Luego de su gran debut con su primer disco,Led Zeppelin logró un nivel de aceptación y popularidad mundial casi inmediato.
Este éxito vertiginoso los llevó a embarcarse en giras por Europa y Estados Unidos,y por lo tanto verse obligados a componer y a producir su siguiente disco de estudio de forma practicaménte nómade.

El álbum debut nos mostraba a la banda ejecutando sus virtudes artísticas rindiéndole una especie de homenaje a la música negra americana.
Blues-Rock tocado a lo Zeppelin.
Influencias más que evidentes de bluseros como Muddy Waters,Howlin'Wolf o Robert Johnson.

Ya en su segundo trabajo se aprecia a un Led Zeppelin con más personalidad y buscando su estilo propio que los hiciése brillar hasta horizontes inimaginados.
Como definir a Zeppelin ? Podríamos decir brevemente que se trata de una banda de Rock'n'Roll con uno de los mejores guitarristas de rock de la historia,Jimmy Page,capaz de hacer magia con sus manos tocando la guitarra.
Un cantante con toda la sensualidad en su voz,un estilo personal inconfundible,Robert Plant.
Un bajista talentoso y versátil,multifacético como John Paul Jones,bajista y también tecladista, y una bestia armada con dos palos en la batería,el gran John Bonham.

Led Zeppelin se convirtió al poco tiempo en una de las bandas más famosas e influyentes de Inglaterra entre finales de los sesenta y principios de los setenta.
Lo increíble que tiene este disco es la naturalidad,la espontaneidad que posee,esto en gran parte debido a la manera en que fué concebido.
Digo esto porque todas las canciones se grabaron por separado y en medio de giras,grabando en varios estudios diferentes,en Gran Bretaña,en Norteamérica,incluso en algunos estudios con escasos recursos técnicos.

Se componía parte después de los recitales,cuando aparecía una idea nueva surgida en el escenario al improvisar y luego le daban forma para plasmarla en el nuevo material.
Otras veces escribían en hoteles,durante viajes,todo en medio de una vorágine dónde había que hacer las cosas rápido y sobretodo bien.
Es de destacar también el mayor protagonismo por parte de Robert Plant en la composición de las letras de las canciones.

La realidad es que el producto final fué una maravilla.
Grabado entre tanto ajetreo desde Enero a Agosto del 69,fué lanzado al mercado en Octubre de ese año para el sello Atlantic.
La producción estuvo bajo la supervisión de Jimmy Page.
Este disco tiene el mérito de haber desbancado del puesto Número 1 al maravilloso ''Abbey Road'' de los Beatles.

El diseño para la portada del disco usó como base una vieja fotografía de una división de la Fuerza Aérea Alemana de la Primera Guerra Mundial,comandada por Manfred Von Richthofen,más conocido como el varón rojo.
El arte de tapa estuvo a cargo de David Juniper.
Se les añadió las imágenes de los cuatro miembros de Led Zeppelin,además de las de sus dos managers y la madre de Mary Poppins,llamada Glynis Johnson,agregada por el juego de palabras por la similitud en este sentido con el nombre del ingeniero de sonido,Glyn Johns.

Led Zeppelin (Fotografía) de izq. a der. John Bonham,John Paul Jones,
Robert Plant y Jimmy Page de indie.com (http://bit.ly/2cZnL9v)

''Whole Lotta Love'' abre el disco.
Un tema clásico por excelencia.
Con su riff impresionante,uno de los más memorables de la historia del rock.
Rasposo y agresivo.
Robert Plant comienza a entonar las primeras estrofas con su voz intensa y sensual.
''You need coolin',Baby,I'm not foolin',I'm gonna send you back to schoolin',Way down inside honey,you need it...I'm gonna give you my love''.
La letra sugiere connotaciones sexuales muy claras.
Te voy a dar cada pulgada de mi amor.
La canción lo tiene todo,hasta efectos de sonido al estilo psicodélico,logrando un sonido similar a puertas crujientes que parece se abriesen hasta los más recónditos escondrijos de la conciencia,creando una sensación inefable en aquel que la escucha,encima y por si fuera poco un solo de guitarra,donde Jimmy Page hace llorar de placer a su guitarra.
Un tema legendario.

''What Is and What Should Never Be'' fué,al igual que la pieza anterior, grabada también en Londres.
Un tema que comienza con un ritmo pausado,muy al estilo Jazz que propone la batería de John Bonham.
Sobre ese ritmo relajado Robert Plant le sube por momentos la temperatura a la canción con su estilo visceral y directo,acompañado por todo un repertorio de artilugios de guitarra creados por Jimmy Page,que van desde riffs cortos más heavy por momentos y punteos bluseros,soñadores y relajados por otro.
''And if I say to you tomorrow,take my hand child,come with me,It's to a castle I will take you,where's what to be,they say will be...''

Ahora tenemos ''The Lemon Song'' que se abre con ese riff sucio y herrumbroso que sirve de introducción a una excelente canción de Blues-Rock.
Robert Plant canta ''Debería haberte dejado hace mucho tiempo nena''
Típica temática de los viejos blues del Missisipi.
El bajo de John Paul Jones sobresale aportando mucho ritmo al tema.
Acordes agudos de puntas filosas en los dedos de Jimmy Page.
Exprime el limón hasta que el jugo corra por mi pierna....

Llegan suaves vientos refrescantes con la dulce y hemosa melodía de ''Thank You''.
Bellísima letra de amor acompañada magistralmente en lo instrumental.
Cálidos acordes de guitarra acústica,reminisencias del folk británico.
Risas luminosas de órgano adornan más aún este gran tema.
'''Sí el sol dejara de brillar,te seguiría amando,iremos juntos hasta la muerte.''

Llegan ahora dos temas enganchados que suben la temperatura de este trabajo.
Aquí con ''Heartbreaker'' primero y con ''Living Loving Maid'' después,tenemos una descarga furiosa de rock'n'roll y de hard rock apoteósica.
El riff de ''Heartbreaker'' es un clásico engendrado por la mente de Jimmy Page llevado a la práctica en su guitarra Gibson Les Paul del 59.
Inspiración para guitarristas de todo el mundo,como reconocieron artistas de la talla de Eddie Van Halen o Slash de los Guns´N´Roses.
Los tironeos del bajo de John Paul Jones condimentan más aún este tema.
Ni que hablar del solo de guitarra de Jimmy Page que hace hablar a la guitarra en los idiomas de la música,esos que todos interpretamos muy bien.
''Living Loving Maid'' mantiene el climáx roquero marcando el estilo personal de Led Zeppelin.
Viviendo,amando...es sólo una mujer.

''Ramble On'' tranquiliza el ambiente del álbum con su intro acústica.
La letra habla de un hombre que toma la desición de por fin salir a buscar a su amor.
Dice el estribillo :
''Ramble On,and now's the time,the time is now,to sing my song''
''I'm Going 'round the world,I got to find my girl,on my way''.
Se destaca a partir del minuto 1'47'' un hermoso solo de guitarra de estirpe mansa y relajada,cual tranquilo atardecer de verano.

''Moby Dick'' es el momento del disco para que se luzca al máximo su baterista,el gran John ''Bonzo'' Bonham.
La base rítmica de bajo y guitarra sirve de escenario para la fenomenal exposición del baterista quién se viste de gala para demostrar todo su talento.
Grabado en plena gira.Bonham desarrolla todas sus habilidades con el instrumento.
Un tema histórico.

El disco se cierra con ''Bring It On Home''.
Con aromas sureñas de los Estados Unidos...Bajo y harmónica.
En la primera parte la voz de Robert Plant fue grabada con efectos de distorsión.
Luego en su segundo segmento eclosiona el riff de guitarra de Jimmy Page,con esa base de rock'n'roll clásico.que ejemplifica una vez más el estilo y las bases fundadas por estos genios de la música británica.

Lista de temas :

1- Whole Lotta Love (*)Escuchar

2- What Is and What Should Never Be

3- The Lemon Song

4- Thank You (*)Escuchar

5- Heartbreaker (*)Escuchar

6- Living Loving Maid (She's Just a Woman) (*)Escuchar

7- Ramble On 

8- Moby Dick (*)Escuchar

9- Bring It On Home

Autor: Rodrigo Praderi

e-mail: roprado-8@hotmail.com

*La referencia al audio de Youtube que se hace de los temas 1,4,5,6 y 8 es con fines meramente ilustrativos. La música y letra de los mismos es Copyright (C) 1969 de su(s) respectivo(s) autore(s).

Créditos:

Publicado: 22 de Octubre de 1969
Grabación : Enero a Agosto de 1969.
Sello: Atlantic Records.
Productor:Jimmy Page.
Música y letras: Led Zeppelin.


Todas las canciones escritas y compuestas por J.Page,R.Plant,J.P.Jones y J.Bonham,excepto tracks 2,4,6,7 y 9 escritas por J.Page y R.Plant y track 8 escrita por J.Bonham,J.P.Jones y J.Page.
 Led Zeppelin. (C) 1969 Copyright,Atlantic Records.
(C) Copyright 1969,Atlantic Records. Todos los derechos reservados

1983 - Quiet Riot - Reseña/Review de ''Metal Health''

Estos chicos lograron por aquellos inicios de los años ochenta comenzar una especie de rápida y alocada moda que revolucionó toda la movida metalera en los Estados Unidos.
Contagiaron a toda la comunidad rockera del país con su ''Salud Metal''.
Esta epidemia rápidamente se dispersó por todo el mundo logrando la banda un éxito inusitado exagerado y por sobre todas las cosas inesperado.

Una banda que logró re-inventarse gracias al mérito y la pujanza de su vocalista Kevin DuBrow,quién nunca se rindió a pesar de los grandes contratiempos sufridos por Quiet Riot.
Ahora,creo que ni el mismo jamás imaginó que el regreso de la banda con su disco de 1983 lograra lo que logró.
Estamos hablando amigos del primer disco de Heavy Metal que llegó a encumbrarse hasta el puesto Número 1 del Ranking de albumes de Billboard.
Vendiendo millones de copias no solo en los Estados Unidos,sino en todo el mundo.

Los orígenes de la banda datan de 1973 cuando el excelentísimo y tristemente malogrado guitarrista Randy Rhoads fundó la banda junto al bajista Kelly Grani,en ese momento bajo el nombre de Mach 1.
No fué recién hasta 1975 que se llamaron finalmente Quiet Riot,ya con la llegada de su cantante Kevin DuBrow.
Grabaron sus dos primeros discos entre los años 1978 y 1979 con los nombres de Quiet Riot I y II.
Tuvieron muy poco éxito hasta el punto que ni siquiera fueran editados en los Estados Unidos.
Fueron grabados y lanzados en Japón.

Todos estos acontecimientos desalentaron mucho a la banda,Randy Rhoads decidió dejar la banda para tocar con Ozzy Osbourne en 1980.
Como todos sabemos Rhoads falleció en un trágico accidente en 1982.
Al final y luego de este fracaso todos los miembros de la banda renunciaron.

En 1982 Kevin DuBrow soñaba con que Quiet Riot tomara vida nuevamente.
Ninguno de los miembros originales lo acompañaron con esta iniciativa,por lo que DuBrow no bajó los brazos y reclutó al guitarrista Carlos Cavazo,hermano de Tony Cavazo,quién había tenido un efímero pasaje como bajista tocando junto a DuBrow.
Se uniría como bajista Rudy Sarzo,quién grabara con la banda el disco de 1979.Quiet Riot II.
Completó la renovada agrupación un amigo de Sarzo,Frankie Banali como baterista.

Con esta nueva formación,Quiet Riot tomaba vida nuevamente.
En Setiembre de 1982 y en parte gracias a la influencia positiva del productor Spencer Proffer,la banda cosiguió firmar un contrato con CBS Records y así finalmente poder lanzar su primer disco en los Estados Unidos.
Su disco ''Metal Health'' salió a la venta el 11 de Marzo de 1983.
Creo que era totalmente inpensado por los miembros de la banda que el disco llegará a tener el impacto y el éxito que finalmente tuvo cuando fué lanzado.
Vendió 6 millones de copias en los Estados Unidos y logró trepar hasta el Número 1 del Ranking de Billboard,algo que ningún disco de Heavy Metal había logrado hasta esa fecha.

Quiet Riot en 1983,Carlos Cavazo,Kevin DuBrow,Rudy Sarzo y Frankie
Banali,de sixstringrocks.com (http://bit.ly/2f4kyGT)

Entonces bien,cuando fueron liberados sus dos singles más exitosos,me refiero a ''Metal Health'' y ''Cum On Feel The Noize'' se produjo casi instantaneamente,como si se hubiése producido una reacción química explosiva,un nivel de aceptación entre el público extraordinario.
Estas dos canciones sonaban en las estaciones radiales todo el día a pedido de la gente.
Sus canciones se escuchaban en todos lados y por todas partes.
Parabas en una gasolinera y sonaba Quiet Riot,entrabas a un supermercado por unas cervezas y sonaba Quiet Riot.

Probablemente lo que impactó sobre el público americano fué ese sonido renovado que era una mezcla de texturas entre un sondido heavy clásico y el glam rock que empezaba a ponerse de moda en los Estados Unidos.
Con el aditivo extra de que se sabía que esta banda había sido la que cobijó al talentoso Randy Rhoads en sus primeros años,el ya había fallecido y aparecía de la nada su viejo grupo como un fantasma que volvía de la muerte a rendirle homenaje.

El ambiente festivo que lograba con su sonido Quiet Riot queda de manifiesto con su canción ''Metal Health'' que abre el disco homónimo.
El riff heavy y penetrante logrado con la guitarra de Carlos Cavazo marca el ritmo poderoso y arrollador de un tema que se convirtió muy rapidámente en un himno.
DuBrow canta el tema como un enagenado psiquiátrico que parece poseído por el Metal.
Con su cara cubierta con esa máscara de hierro,símbolo de Quiet Riot.
''Bang your head !,Metal Health'll drive you mad !....Metal Health'll cure your crazy !,Metal Health cure your mad !...Metal Health is what we all need''
Un bajo exuberante a mitad de la canción en manos de Rudy Sarzo.
Una canción que es sinónimo de chicas,cerveza y diversión.

''Cum On Feel The Noize'' es la versión recargada y metalera del clásico de la banda británica Slade.
Slade fué una banda muy influyente para bandas posteriores de Glam Rock y Heavy Metal como porsupuesto Quiet Riot,Twisted Sister o Kiss.
Solían en sus canciones escribir voluntariamente con flagrantes faltas de ortografía.
El término ''Cum'' claramente tiene un doble sentido con connotaciones explícitas de carácter sexual.
La versión de Quiet Riot es increíble,gozó de un éxito inmediato invadiendo todas las radios y trepando hasta las zonas más altas de los conteos.
Para el recuerdo inmortal de todos el solo de Carlos Cavazo,colocándose a la misma altura que su antecesor Randy Rhoads,despuntando unos acordes mágicos flotando en la memoria colectiva de un tema que hizo historia.
Un tema que hasta hoy día se sigue escuchando en las radios.
El video-clip de este tema para MTV es también muy bueno,donde se ve a un chico en su cuarto,que es invadido por una fuerza sobrenatural que le sube el volumen a su stereo hasta que todo explota a puro metal.

El disco baja un poco sus revoluciones con ''Don't Wanna Let you Go''.
Esta canción se sale un poco del molde del disco,y entre tantos riffs asesinos y sonido intenso,le baja un poco el tenor enrgético a este Metal Health con una melodía muy bien lograda al ritmo de sus acordes filosos con una performance muy esforzada en lo vocal a cargo de Kevin DeBrow.

''Slick Black Cadillac'' nos trae nuevamente al ambiente rockero de este trabajo.
Tema ochentoso por excelencia,con esta versión renovada de un viejo tema de la banda de las pasadas épocas con Randy Rhoads.
Con la vieja receta.,un estribillo muy pegadizo acompañado de un riff perforante e intenso.
''Love's a Bitch'' es una queja para ese amor que termina siendo un dolor de cabeza.
Comienza con una intro acústica,mientras Kevin DeBrow grita como lamentándose.
Un tema con el estilo glam que ya se esbozaba con ese estribillo típico
''Love's a bitch,baby !,Love's a bitch,yes it's crazy !''.

Seguimos a toda velocidad con ''Breathless''.
La batería corre a todo vapor,con este sonido agresivo que nos deja sin aliento.
Esta pieza tiene un muy buen solo de guitarra a cargo de Carlos Cavazo,el sonido de la guitarra se apoya sobre ese ritmo acelerado que proponen el bajo y la batería.
Aprecien amigos la semejanza en el estilo de este tema con la banda americana W.A.S.P.
''Run For Cover'' nos muestra otro ejemplo del sonido que se empezaba a fusionar entre el metal más clásico y el estilo glam que se acercaba para quedarse.
Estilo que influenciara a bandas como Motley Crue,Whitesnake o Poison.
Excelente corolario con la batería de Frankie Banali para redondear el tema de forma perfecta.

''Battle Axe'' es un puente instrumental de corta duración de guitarra con sonido metalero salvaje a pura distorsión que sirve de preámbulo para dar paso a ''Let's Get Crazy''.
Siguiendo la fiesta y lo que propone el disco,rockear hasta volverse loco y perder el control.

El disco se cierra con una despedida.
''Thunderbird'' es una emotiva balada en honor a su amigo y ex-compañero de carretera Randy Rhoads.
''Fly off Thunderbird fly,Fly off,spared your wings through the sky''

Lista de temas :

1- Metal Health (*)Escuchar

2- Cum On Feel the Noize (*)Escuchar

3- Don't Wanna Let you Go (*)Escuchar

4- Slick Black Cadillac

5- Love's a Bitch

6- Breathless (*)Escuchar

7- Run For Cover

8- Battle Axe

9- Let's Get Crazy

10-Thunderbird 

Autor: Rodrigo Praderi

e-mail: roprado-8@hotmail.com

*La referencia al audio de Youtube que se hace de los temas 1,2,3 y 6 es con fines meramente ilustrativos. La música y letra de los mismos es Copyright (C) 1983 de su(s) respectivo(s) autore(s).

Créditos:

Publicado: 11 de Marzo de 1983.
Sello: Pasha,Sony,Columbia Records.
Productor: Spencer Proffer
Música y letras: Quiet Riot.
Grabación: 1982

Todas las canciones escritas y compuestas por K. DuBrow y C.Cavazo,excepto tracks 4,5,9 y 10 escritos por K.DuBrow,track 8 C.Cavazo,track 1,C.Cavazo,K.DuBrow,F.Banali,T.Cavazo y track 2 escrito por N.Holder,J.Lea. (C) 1983 Copyright Pasha,Sony,Columbia Records.

(C) Copyright 1983.Pasha,Sony,Columbia Records. Todos los derechos reservados.

1973 - Queen - Reseña/Review de ''Queen I ''

Principio quieren las cosas amigos.
Por eso hoy vamos a hablar de los comienzos de Queen,una de las más grandes bandas británicas de la historia del Rock.
Todos sabemos lo que fué el gigantesco y arrollador éxito de la banda entre finales de los setenta y principios de los ochenta.
Un éxito masivo que los llevó a ser la banda de Rock más grande del planeta en los años ochenta.

Ahora bien,no son tan conocidos sus inicios,y lo que es peor no son tan conocidos sus primeros discos,que son verdaderas joyas del Rock y Hard Rock inglés de los setenta.
Si amigos,Hard Rock he dicho.
Esas fueron las primeras características en el sonido de los primeros registros discográficos de Queen,con el agregado por supuesto de un toque clásico y artístico al sonido,que les diera esa elegancia y sofisticación,que son sin dudas uno de los atributos más destacados del grupo.

No la tuvieron fácil en sus comienzos.
Fué muy cuesta arriba la posibilidad de grabar y lanzar su primer trabajo.
Hecho que no acontecería hasta recién el año 1973.
Queen se formó como tal en el año 1970,en la ciudad de Londres.
Ya con su vocalista definitivo,Freddie Mercury,el excelentísimo cantante de origen hindú y parsi,nacido en la Isla de Zanzíbar,por aquel entonces protectorado británico en 1946.
Hoy territorio de Tanzania.
Su nombre original era Farrokh Bulsara,el eligió su apellido artístico en honor al dios Mercurio.

Tuvieron al principio varios bajistas diferentes y no fué hasta 1971 que seleccionaron definitivamente a John Deacon.
La banda la completaban el excelentísimo guitarrista Brian May y el baterista Roger Taylor.
En sus inicios realizaban sus presentaciones en pequeños teatros y colegios.
En 1971 comenzaron a grabar material en los estudios de un amigo de Brian May,llamado Terry Yeadon quién había adquirido recientemente unos estudios nuevos de grabación.
Allí empezaron a tocar sus primeras canciones como lo eran ''Liar'',''Keep Yourself Alive'' o ''Jesus''.

Luego en 1972,la banda firma su primer contrato con el sello Trident,en condiciones muy poco favorables para la banda,que los llevó a recibir muy poco dinero por las ganancias de sus primeros discos y que los llevó al fin,en 1974 a independizarse definitivamente de su primer manager,quién los había estafado y al que la banda le dedicara la canción de 1975 ''Death On Two Legs''.incluída en el majestuoso ''A Night At The Opera''.

Queen,de der a izq. Freddie Mercury,Roger Taylor,Brian May y John Deacon
de realgonerocks.com (http://bit.ly/2dZnggd)

Al final y después de tantas peripecias en Mayo de 1973 el sello EMI decide editar el disco,que no fuera lanzado sino hasta mediados del mes de Julio.
Este su primer disco,la primer gran obra de Queen,donde se aprecian las influencias de bandas de Hard Rock británicas como Deep Purple o Led Zeppelin,influencias también del genio Jimi Hendrix, y donde ya se comienzan a apreciar los arreglos vocales tan característicos de la banda y su armonía con toques clásicos que fueran puliendo en sus siguientes trabajos hasta la realización de su obra maestra de 1975,''A Night At The Opera''.

Y la primera canción del disco,que fuése también el primer sencillo lanzado por Queen es ''Keep Yourself Alive''.
Escrita por Brian May,habla sobre la idea de seguir vivo.
Comienza con ese riff distorsionado acompañado de geniales y suaves acordes que se desbocan de la guitarra de Brian May.
Con un estribillo super pegadizo.
''Keep Yourself Alive,It'll take all your time and a money,Honey you'll survive''
En el corazón mismo de la canción ya se ve el estilo tan propio del guitarrista.
Curiosamente esta canción tuvo un éxito superlativo en el Japón.

En el piano en este caso tocado por Brian May nace ''Doing All Right''.
Se aprecia la pericia para el canto de Mercury con sus falsetes tan conocidos por todos.
Mezclas de bossa nova con Heavy Metal clásico con un riff imponente que aparece de la nada sobre el final del tema.
Arreglos vocales típicos de la banda con sus coros inconfundibles.

A pura distorsión emerge ''Great King Rat''.
Escrita por Freddie Mercury.
Sonido bien heavy,cabalgatas de batería,acordes desalineados en la guitarra con efectos varios.
Dice la letra ''Don't believe all your read in the Bible,You sinners get in line,Saints you leave for behind''.
Aprecien al minuto 4 y 11 segundos el sonido de la guitarra,que perfectamente podría corresponder al de una canción de Black Sabbath.presten atención y verán que no exagero.
Un tema plagado de paisajes sonoros y cambios de tiempo.

''My Fairy King'' posee una letra de fantasía escrita por Freddie Mercury que trata de un reino de caballos alados,hadas y dragones.
Inspirada en parte por el cuento ''El Flautista de Hamelin'' de Robert Browning.
Ahora si tenemos a Freddie en el piano.
Arreglos vocales excepcionales en capas,coros superpuestos que nos demuestran retrospectivamente las ideas que ya estaban ahí para temas épicos posteriores como ''Bohemian Rhapsody''.

Llega ahora uno de los mejores temas de Queen en su historia.''Liar''
Inicia con efectos de percusión para dar luego paso a ese majestuoso riff de guitarra.
Guitarra con sonido muy heavy,juegos de voces,cambios de ritmo y destellos sonoros por todas partes.Un tema que lo tiene todo.
Señoras y Señores con ustedes,Queen.
La letra hace referencia a un pecador que no logra el perdón y es tratado de mentiroso....''I Have sinned Father,Father I have sinned,Try and help me father ...Won't you let me In ?....Liar ! Nobody beleves me...Liar ! ''
Liar ! le contestan los coros en esta mini obra dramática

''The Night Comes Down'' comienza con un juego de cuerdas que generan una impactante tensión.
Nos ponen alerta,una exquisitez en la guitarra acústica de May y en el bajo de Deacon.
Acompaña una batería rechoncha en las manos de Roger Taylor.
Luego prosigue una suave melodía interpretada por la hermosa voz de Freddie.
Esta pieza se engancha inmediatamente con el desenfrenado frenesi de ''Modern Times Rock'n'Roll''.
Un tema a toda velocidad,tema rockero por excelencia cantado por Roger Taylor.

''Son and Daughter'' es uno de esos temas que mejor representa la primera etapa de Queen.
Bien heavy con su riff mastodóntico y arrasador,imposible resistirse.
Acompañan los coros,otro plato de la casa.
El bajo de John Deacon abriga los luminosos acordes de la guitarra de Brian May.
Un tema genial.

''Jesus'' es la ofrenda religiosa que Freddie Mercury hace en este disco.
El dios Mercurio le dedica con toda seriedad y compromiso estas estrofas al gran personaje biblíco.
''It all began with the three wise men,Followed a star took them to Bethlehem,And made it heard throghout the land,Born was a leader of man''.
Con toda la impronta teatral y el toque artístico que le suelen dar a sus composiciones.
Un tema muy bien realizado en lo instrumental,donde destaco el impresionante trabajo en guitarra de Brian May regalándonos todo tipo de acordes y un solo sublime,siempre con los coros infaltables

''Seven Seas of Rhye...'' es solo la parte instrumental,donde se destaca ese magnífico piano que hiciése tan famosa a esta canción incluída en su totalidad y con las letras en su próximo disco,Queen II.....

Lista de temas :

1- Keep Yourself Alive (*)Escuchar

2- Doing All Right

3- Great King Rat (*)Escuchar

4- My Fairy King

5- Liar (*)Escuchar

6- The Night Comes Down

7- Modern Times Rock'n'Roll

8- Son and Daughter (*)Escuchar

9- Jesus (*)Escuchar

10-Seven Seas of Rhye

Autor: Rodrigo Praderi

e-mail: roprado-8@hotmail.com

*La referencia al audio de Youtube que se hace de los temas 1,3,5,8 y 9 es con fines meramente ilustrativos. La música y letra de los mismos es Copyright (C) 1973 de su(s) respectivo(s) autore(s).

Créditos:

Publicado: 13 de Julio de 1973.(Gran Bretaña),4 de Setiembre de 1973.(Estados Unidos).
Grabación : Diciembre de 1971 a Junio-Noviembre de 1972.(Trident Studios y De Lane Lea Studios)
Sello:EMI,Parlophone (Europa),Elektra,Hollywood Records (Estados Unidos).
Productor:John Anthony,Roy Thomas Baker,Queen.
Música y letras: Queen.


Todas las canciones escritas y compuestas por Freddie Mercury,excepto tracks 2,4,6,7 y 9 escritas por 
 Queen. (C) 1973 Copyright,EMI,Parlophone,Elektra,Hollywood Records.
(C) Copyright 1973,EMI,Parlophone,Elektra,Hollywood Records. Todos los derechos reservados

''Joyas perdidas de los Sesenta'' - 1968 - Afterglow - ''Afterglow''

Esta es ya la séptima entrega de esta sección que he dado por llamar ''Joyas perdidas de los Sesenta''.
Una sección dedicada a aquellos discos de Rock Psicodélico de los sesenta que han sido casi ya olvidados.

Y el disco de hoy es un ejemplo pefecto de ello.
Con una historia muy particular de fondo,que culminó con la reunión de sus integrantes 40 años después de su separación cuando el sello SUNDAZED re-editó su disco por creer que era históricamente significativo.

Afterglow fué una banda formada en los sesenta en la zona rural del estado de Oregon,al norte de California.
Era un grupo de amigos que disfrutaban de tocar juntos rock'n'roll.
Desde el año 1964 en adelante tocaban en forma no profesional en pequeños sitios,hasta que en 1967 les ofrecieron grabar un disco en la ciudad de San Fransisco.
El disco fue producido por el dueño del estudio de grabación Golden State,Leo Kulka.
Se grabó para el sello MTA.

El disco fue grabado en 1967 y lanzado al otro año,siendo un éxito menor con poca aceptación popular lo que desilusionó totalmente a la banda hasta el punto de decidir separarse.
Algunas de sus canciones sonaron en las estaciones locales de la Costa Oeste con un suceso menor y por algunas semanas.
Les fue imposible competir con el éxito de las bandas locales de esa época como The Doors,Love,The Grateful Dead o Jefferson Airplane.

Con el pasar de los años y sobre todo por el interés demostrado por los coleccionistas de vinilos,este trabajo fue valorado como corresponde muchos años después.
El disco se editó en CD en 1995 por el sello SUNDAZED,que reflotara muchos discos olvidados de la década dorada del Rock,volviéndolos ahora discos de culto para los aficionados.

Afterglow (fotografía) de discogs.com (http://bit.ly/2bZx87f)

En la fotografía vemos comenzando desde la izquierda a Ron George en bajo y voces,Roger Swanson en el órgano Farfisa ,Tony Tecumseh,guitarrista,compositor y cantante,Gene Resler en voces y guitarra y Larry Alexander en batería.

Un disco ideal para aquellos fanáticos de los órganos eléctricos de los sesenta,que tienen ese sonido inconfundible.
En este caso un órgano Farfisa,confeccionados en Ancona,Italia,que se volvieron muy populares por ser accesibles en cuanto a su precio y muy fáciles de transportar.

Un disco con un estilo psicodélico particular con aromas lisérgicas es cierto,pero también con muchos pasajes melódicos que lo hacen muy especial.
Perfumes gentiles con sabor a pasado de un disco que al escucharlo varias veces se va apreciando cada vez más.

''Morning'' es uno de los temas destacados de este trabajo.
Se abre con esa intro de cuerdas de guitarra y bajo para dar paso al sonido envolvente del órgano que domina el ritmo con su atmósfera hipnótica.
El grupo canta a coro la letra ''Well, I woke up this morning,and the sun didn't raise,Well,I looked up at the translucent days''.

La resplandeciente ''Dream Away''es otra hermosa canción de este álbum.
Con sus acordes de guitarra desordenados al principio,luego el tema toma su ritmo melódico con muy bellos acordes de guitarra y órgano.

''Susie's Gone'' es la pieza más ácida del trabajo,más experimental,puramente psicodélica.
Ritmo lisérgico traído en su forma original desde las montañas de Oregon.
Plagada de sonidos caprichosos y efectos que ilustran sin dudas un viaje de LSD.
De sonido más caótico y más agresivo que se percibe en las cuerdas saltarinas de los instrumentos y en ese órgano casi descontrolado.

''Mend This Heart of Mine'' muestra otro ejemplo de sonido armonioso y melódico,se aprecian aquí las influencias de The Byrds.
Tanto en las guitarras como en los coros de las voces.
Folk,Rock y algo más en esta composición.

''Afternoon'' tiene un sonido de tensión que es logrado con los teclados del farfisa;por otro lado ''Chasing Rainbows'' tiene un sonido muy colorido gracias al órgano que suena con efectos que vistos retrospectivamente nos trae a la mente su familiaridad con sonidos más modernos como el tecno.
Lo mismo pasa con la explosión de sonido multicolor de ''It's A Wonder'' y ''Love''.

Otra joya más se encuentra escondida en este trabajo y me refiero a ''Riding Home Again''.
De ritmo armonioso,con un dejo melancólico y  cantado con dulzura.
Bellos acordes de guitarras adornan esta composición.
Un tema que logró estar hasta dos semanas seguidas en el primer lugar de las radios locales de la Costa Oeste.
Escrita por Tony Tecumseh,principal compositor de Afterglow y uno de los primeros artistas de rock'n'roll norteamericano de orígenes nativos de las razas indias de los Estados Unidos.
Quién falleciera lamentablemente en el año 2012.

Lista de temas :

1- Morning (*)Escuchar

2- Dream Away (*)Escuchar

3- Susie's Gone (*)Escuchar

4- Mend This Heart of Mine (*)Escuchar

5- Afternoon

6- Chasing Rainbows

7- By My Side

8- It's A Wonder

9- Love

10-Riding Home Again (*)Escuchar

11-Meadowland of Love

Autor: Rodrigo Praderi

e-mail: roprado-8@hotmail.com

*La referencia al audio de Youtube que se hace de los temas 1,2,3,4 y 10 es con fines meramente ilustrativos. La música y letra de los mismos es Copyright (C) 1968 de su(s) respectivo(s) autore(s).

Créditos:

Publicado: 1968.
Sello: MTA Records.
Producción:Leo Kulka
Grabación : Golden State Studios,San Fransisco.


Música y Letras : Afterglow.
Todas las canciones escritas por Tony Tecumseh,excepto track 3,B.Boots,track 4,Gene Resler.

(C) Copyright 1968 MTA Records. Todos los derechos reservados.

El Garage Rock

El Rock de Garage fué un movimiento surgido en los Estados Unidos a principios de los años Sesenta.
Llevado adelante por cientos de bandas no profesionales que querían expresar su pasión por el Rock and Roll a todo lo ancho y largo de Notreamérica.
Tocaban en los garages de sus casas,de ahí el nombre del movimiento.

Si bien las influencias del viejo Rythm and Blues americano y la música surf eran evidentes,lo que produjo la eclosión total del Garage Rock fué la inspiración y admiración que los chicos tenían por las bandas inglesas que conformaron la ''Invasión Británica'' a finales de 1963 y principios de 1964.
Esa enorme ola sonora liderada por The Beatles y The Rolling Stones cruzó el Atlántico y se insertó en suelo americano.
Otras bandas inglesas de dicha invasión eran The Who,The Kinks.The Zombies,Them.

El Rock de Garage era ejecutado por chicos muy jóvenes con escasa formación musical,pero con muchas ganas de tocar.
El sonido se caracterizaba por guitarras ásperas y crudas de acordes simples pero potentes.
Batería,bajo y muchas veces órgano completaban las bandas.
Este movimiento fué sin dudas el que configuró la etapa pre-psicodélica o ''Psicodelia Incipiens'' como me gusta decir a mí.
De hecho algunos siguieron adelante con el movimiento psicodélico siendo importantes protagonistas,como el caso de los 13th Floor Elevators o los Blues Magoos.

La mayoría de las bandas desaparecieron al poco tiempo,muchas sin nisiquiera editar ningún disco.a lo sumo grabaron algún simple.
A continuación les daré algunos ejemplos de bandas de Garage y alguna canción para ilustrar esta reseña....

Vamos con una de las bandas más reconocidas en este estilo.
Count Five,originarios de la ciudad de San josé,lograron publicar un disco en 1966 llamado ''Psychotic Reaction''.
Liderados por Sean Byrne.
He aquí su tema más conocido,el homónimo :

- Psychotic Reaction (*) Escuchar






The Litter,la banda que tenemos en la imágen a la derecha,
originaria de la ciudad de Minneapolis (Minesota) tenía
como característica fundamental su sonido distirsionado y
crudo.
Lograron sacar dos discos.
De su primer álbum,el tema a continuación.

- Action Woman (*) Escuchar

The Kingsmen es otra de las bandas insignia en el Garage.
Originarios de Portland (Oregon).
Su mayor éxito fue su versión de ''Louie Louie''.
El clásico de Richard Berry versionado por los Kingsmen logró ubicarse en el puesto Número 2 del Ranking de Billboard por 6 semanas.

- Louie Louie (*) Escuchar


                                                                                                   

                                                                                                                       

The Music Machine,provenientes de Los Angeles,California,son otros de los pioneros del
Garage.
Formada en 1966 por el cantante y compositor,
Sean Bomniwell.
No tuvieron el reconocimiento esperado.

- Talk Talk (*) Escuchar




The Standells eran originarios también de
Los Angeles.                                                              
Con un estilo muy similar a The Seeds,que
ya reseñaramos en la Columna del Rock.
Su mayor éxito fue el tema a continuación.              

- Dirty Water (*) Escuchar



                                                 

Vamos con el último grupo por esta noche.
Question Mark and The Mysterians.
Grupo de texanos con ascendencia mexicana.
Crearon un éxito llamado 96 Tears.


- 96 Tears (*) Escuchar

Autor: Rodrigo Praderi

e-mail: roprado-8@hotmail.com

*La referencia al audio de Youtube que se hace para los temas  es con fines meramente ilustrativos. La música y letra de los mismos es Copyright (C)  de su(s) respectivo(s) autore(s)

1970 - Santana - Reseña/Review de ''Abraxas''

Santana fué la maravillosa combinación entre el Rock y los ritmos latinos.
Lograron combinar de forma excelsa la energía y el poder que transmite el Rock con la sangre latina,caliente y sabrosa.
Cada ritmo potenciando al otro y sonando entrelazados,sintiendo la música con el alma y el mismo corazón latiendo al unísono.
La idea fue sin dudas extraordinaria.

La banda siempre fue liderada por el extraordinario guitarrista mexicano Carlos Santana.
Formados en el epicentro del Rock de los Sesenta en los Estados Unidos,me refiero a la ciudad de San Fransisco,California.
Estaban en actividad desde 1966 al principio con el nombre de ''Santana Blues Band''.
Solían en sus inicios realizar sesiones de Jam y dar lugar a la inspiración espontánea basándose en la improvisación y siempre con la idea de fusionar estilos que iban desde el Rock y el Blues,pasando por el Jazz y la Salsa.

El trampolín a la fama fué sin dudas la invitación a participar en el gran Festival de Woodstock en el año 1969.
Fue tal la aceptación del público en esa actuación que los llevó luego ese mismo año a grabar su primer disco titulado simplemente ''Santana''.
Como no nombrar de esa presentación en vivo de Woodstock la impecable,la magnífica versión de ''Soul Sacrifice''.
Con todo el plantel de músicos totalmente compenetrados,tocando con el corazón,dejando la vida en el escenario al ritmo de la hipnótica guitarra líder de Carlos Santana,acompañado por ese arsenal de percusión que daban ese sonido potente y directo en vivo que dejó perplejo a más de un hippie.


Después de su éxito inicial llegó el momento de grabar su segundo disco de estudio,del que nos vamos a referir hoy.
''Abraxas'' es en mi opinión el mejor disco de Santana y el más famoso también.
Un disco que pulió las raíces sólidas de los estilos de la banda y que incluso las mejoró,llevándolos a un nivel más profesional.
Liegó a vender más de un millón de copias.

Ya había ocurrido con el primer álbum de la banda,y por sugerencia de su manager Bill Graham que la idea conceptual para los discos fuese grabar temas de forma más convencional y sin tanta improvisación como forma de conseguir que el material fuese más accesible para todo el público.
La banda tuvo en sus primeros años muchos cambios en su formación.
Para la grabación de ''Abraxas'' la banda estaba conformada por su líder Carlos Santana en la guitarra,Tom Fraizer en guitarra rítmica,Gregg Rolie en teclados y voz,Mike Carabello en percusión comandando los congos, el talentosísimo percusionista,maestro de los timbales José ''Chepito'' Areas,Michael Shrieve en la batería y David Brown en el bajo.

La excelente portada del disco es una reproducción del cuadro del artista surrealista de orígen alemán Mati Klarwein ''La Anunciación''.
Que representa al estilo del pintor uno de los pasajes de la Biblia.
El disco fue lanzado en 1970 para el sello discográfico Columbia.

Santana durante su presentación en el Festival de Woodstock de 1969.
(Fotografía) de pinterest.com (http://bit.ly/2cRGjcu)

 ''Singing Winds,Crying Beasts'' abre esta obra con su sonido místico por excelencia.
Pieza instrumental que comienza con efectos de sonido,dónde aparece el piano como primer protagonista.
Luego aparecen los primeros acordes de Carlos Santana con el sonido inconfundible de su guitarra.
La canción es como una especie de ritual de iniciación para este ''Abraxas'',ambiente logrado más que nada con el sonido de las congas,que le da ese toque afrolatino al sonido.
Esta suite instrumental funciona como introducción para ''Black Magic Woman'' que marca su presencia con el órgano.
Aquí se aprecia todo el virtuosismo y la genialidad para sacar de la guitarra los más geniales sonidos con el sello personal de Carlos Santana,emanando acordes como si su guitarra estuviese poseída por las fuerzas del vudú.
''That's she's a black magic woman ,She's trying to make a devil out of me''
La segunda parte del tema que está enganchado corresponde a ''Gypsy Queen'' que es la parte final a todo ritmo con las congas,los bongos y los timbales,acompañados de un poco de distorsión más rockera.

Llega ahora otro clásico,la versión del tema del legendario percusionista Tito Puente ''Oye Como Va''.
Um mambo versionado al estilo Santana.
Interviene en esta canción tanto en la voz,como en la percusión Rico Reyes.
Una canción con todo el sabor latino al ritmo de la guitarra y los timbales.
Con buenas pinceladas de órgano para resaltar más aún el sonido.
El ritmo lo disfruta la mulata y todos nosotros.

''Incident at Neshabur'' es otro puente instrumental de ritmo bamboleante e intenso.
Donde se puede apreciar todo el arsenal de instrumentos con los que contaba la banda,generando ese sonido tan compacto y característico.

En ''Se A Cabo'' la percusión es exuberante.
Entre los acordes de guitarra de Santana cargados de elegancia y magnetismo se pueden escuchar los solos de Timbales a cargo de José ''Chepito'' Areas,este percusionista de orígen nicaraguense que se luce al máximo.
Puro ritmo y energía.

Seguimos con ''Mother's Daughter''.
Con la guitarra de Carlos afinada en este caso para darle un sonido más distorsionado al instrumento.
Acompañan las congas y los bongos a la perfección,en este tema más cercano al rock convencional.

Y llega ahora la bellísima composición de Carlos Santana,''Samba Pa Ti''.
Suave y elegante,de acordes delicados,esta genialidad es un verdadero agasajo para los oídos.
Romanticismo y pasión latina en las cuerdas de su guitarra,que con su suave melodía nos acaricia el corazón.
Un regalo supernatural que nos hace Santana a todos nosotros.
Desde Jalisco con amor !.

En ''Hope You're Feeling Better'' se luce ya de entrada con el arrasador órgano Hammond,Gregg Rolie.
Sonido intenso en guitarra y batería,dándole un toque más hard.
Rolie también porsupuesto canta la letra,siendo la voz principal de la agrupación.
Un festival sonoro de este,otro clásico del disco y de la banda.

Cierra el disco ''El Nicoya''.
De sonido tribal a puro ritmo afro-cubano donde la percusión arde en llamas,con una impresionante performance en congas,bongos y timbales,siendo esta la última ofrenda que la banda le ofrece a la diosa inspiradora de la música.

Lista de temas :

1- ''Singing Winds,Cryin' Beasts''

2- ''Black Magic Woman/Gypsy Queen'' (*)Escuchar

3- ''Oye Como Va'' (*)Escuchar

4- ''Incident at Neshabur''

5- ''Se A Cabo'' (*)Escuchar

6- ''Mother's Daughter''

7- ''Samba Pa Ti'' (*)Escuchar

8- ''Hope You're Feeling Better'' (*)Escuchar

9- ''El Nicoya''

Autor: Rodrigo Praderi

e-mail: roprado-8@hotmail.com

*La referencia al audio de Youtube que se hace de los temas 2,3,5,7 y 8  es con fines meramente ilustrativos. La música y letra de los mismos es Copyright (C) 1970 de su(s) respectivo(s) autore(s).

Créditos:

Publicado: Setiembre de 1970.
Sello: Columbia Records.
Productor:Fred Catero.
Música y letras: Santana.



Todas las canciones escritas y compuestas por Carlos Santana,excepto tracks 5 y 9,Areas,track 1,Carabello,tracks 6 y 8,Rolie,track 3,Tito Puente,track 2,Peter Green,Gabor Szabo,track 4,Gianquinto,Santana. (C) 1970. 
(C) Copyright 1970 Columbia Records. Todos los derechos reservados.