1976 - Rainbow - Reseña/Review de ''Rising''

Todos sabemos que Ritchie Blackmore se fue refunfuñando de Deep Purple en el 75 debido a su total discrepancia con el rumbo musical que estaba tomando la banda.
Obviamente que su personalidad extremadamente narcisista y su ego por las nubes lo llevó a decir simplemente,me voy de aquí,yo quiero seguir haciendo heavy metal.
Y de hecho no le fue nada mal con su nuevo proyecto.

Ritchie Blackmore es un guitarrista sumamente talentoso,líder por naturaleza y con las ideas bien claras.
Su nuevo proyecto a partir de 1975 se llamó ''Ritchie Blackmore's Rainbow''.
Para su primer trabajo discográfico el mago negro convocó a los miembros de la banda ''Elf '',a  quienes Ritchie ya conocía debido a que ellos solían ser los teloneros de las presentaciones en vivo de Deep Purple.
La banda ''Elf '' se caracterizaba por su sonido blusero,por lo que debieron adaptarse rápidamente a las exigencias de Blackmore en cuanto al sonido que este quería lograr.

''Elf'' sin dudas escondía una joya,un diamante en bruto llamado Ronnie James Dio,quién gracias a su inclusión en Rainbow logró desarrollar al máximo su excelente voz y convertirse en uno de los vocalistas más legendarios de la historia del Heavy Metal.
Sin dudas que la dupla Blackmore- Dio escribiría muchas de las páginas doradas del Rock pesado de los setenta,más teniendo en cuenta el debilitamiento creativo de grupos como Deep Purple y Black Sabbath.

Dio y Blackmore compartían gustos en varios aspectos,lo que los llevó a entenderse a las mil maravillas.
El amor por la música clásica,el interés por el esoterismo y el ocultismo.
Entre castillos,espadas y dragones quedaría la cosa,hasta el punto de convertirse casi sin darse cuenta en pioneros y grandes influencias para el posterior Power Metal.

El primer disco de la banda,lanzado en 1975 con el nombre de simplemente ''Ritchie Blackmore's Rainbow'' tuvo una aceptación relativa.
De allí se pueden extraer dos canciones extraordinarias como lo son ''Man On The Silver Mountain'' y ''Catch The Rainbow''.
Para el siguiente año y por desición de Blackmore de la primera alineación permaneció solo el cantante,Ronnie James Dio.

El líder de Rainbow convocó al talentoso baterista Cozy Powell,quién ya había tocado con músicos de la talla de Jeff Beck.
Sumaría también al bajista Jimmy Bain y al tecladista canadiense Tony Carey.

Rainbow en 1976.de izq.a der. C.Powell,J.Bain,Dio,T.Carey y R.Blackmore
de pinterest.com (http://bit.ly/2bsHddR)

Las canciones ya estaban casi prontas,por lo que la grabación de este segundo disco no llevaría mucho tiempo.
De hecho el álbum se grabó en apenas un mes,en la ciudad alemana de Munich.
La producción estuvo bajo el comando del prestigioso Martin Birch.



Martin Birch era muy famoso y había tenido el privilegio de trabajar con grupos como Deep Purple y Black Sabbath.
''Rising'',el segundo trabajo de Rainbow fue lanzado el 17 de mayo de 1976 para el sello Polydor.

La portada del álbum es extraordinaria,con esa imagen épica donde se ve una mano gigantesca que emerge de un mar embravecido agarrando fuertemente el arcoiris.

El disco comienza con un clásico,''Tarot Woman''.
La introducción de sintetizador a cargo de Tony Carey es maravillosa,lo que ya nos muestra unos teclados mucho más presentes que en el trabajo anterior.
Sirve de preámbulo a ese riff que se acerca poco a poco como cabalgando para terminar de explotar la pieza con la profunda batería de Cozy Powell.
Y por si les parece poco comienza a cantar con toda su elegancia el gran Ronnie James Dio.
Los acordes majestuosos de Ritchie Blackmore se lucen durante toda la canción,haciéndome recordar inevitablemente a sus grabaciones previas con Deep Purple con el Mark II.

A continuación ''Run With The Wolf''.
Quizás no tan intensa como la pieza anterior,de ritmo más lento,más blusero.
Con un solo clásico,breve del estilo del hombre de negro.
La letra habla sobre una señal en el cielo,que es una premonición de algo malo que sucederá.

Otra vez me ocurre lo mismo,el tema comienza y me viene Deep Purple a la cabeza,el Deep Purple de ''Fireball'',de ''Machine Head''.
Eso me ocurre con este tema excepcional,''Starstruck''.
Inicia con una fuerza arrolladora con los punteos majestuosos de Ritchie Blackmore,acompañado por los profundos golpes de la batería de Cozy Powell.
La performance vocal de Dio es sublime,sin dudas una pieza clásica del rock pesado de los setenta.
Con una letra metafórica acerca de una entidad que acecha al personaje,este donde este,una dama que solo tiene mala suerte....''The Lady Starstruck,She's nothing but bad luck,The lady Starstruck,Running after me''

''Do You Close Your Eyes ?'' tiene un riff bien rockero,siendo uno de los temas más estándar de este trabajo.
Cosa muy distinta ocurría en las presentaciones en vivo de la banda,donde esta pieza daba siempre el pie para un abanico interminable de improvisación,llegando a tener versiones de más de diez minutos.


Llega ahora la que es para mi la mejor canción del trabajo y probablemente de toda la carrera de Rainbow.
''Stargazer'' es una especie de monstruo épico que nos hace viajar en el tiempo,contando una historia que se sucita en el antiguo Egipto según explicó Dio cuando se le preguntó sobre la letra de la canción.
Este híbrido entre heavy metal y rock progresivo cuenta la historia de un mago que quería volar y llegar hasta el cielo.
Para ello utilizó la fuerza de miles de esclavos construyendo una torre de piedra.
Cuando intentó llegar al cielo cayó,manchando la arena de sangre según cuenta la letra.
En el aspecto musical lo tiene todo,un comienzo poderoso con los tambores de Cozy Powell como si fuesen truenos.
El riff apoteósico del enorme Ritchie Blackmore dan comienzo a esta epopeya sonora.
Una exposición vocal de Dio extraordinaria,visceral,emotiva que nos muestra al artista totalmente compenetrado con la temática de la composición.
Arreglos orquestales que le dan ese aire progresivo,gracias a la participación de la Orquesta Filarmónica de Munich.
A partir del minuto 3 y 20 segundos se aprecia un solo de Blackmore memorable con acordes de estilo arábigo para darle el climax perfecto a este tema despuntando acordes a un cielo incandescente.
El mago muere y enciende una luz de esperanza para la salvación...''I See a Rainbow Rising,Look there on the horizon and I'm Coming Home''.

Cierra el álbum ''A Light In The Black'',que es la continuación de la historia del tema anterior.
Una luz de esperanza luego de la muerte del mago.
Otra exquisitez instrumental por donde se la escuche.
La forma de cantar de Ronnie James Dio me hace erizar todo el cuerpo.
Los solos de sintetizador y guitarra son hipnóticos,sobresalientes.
Un ejemplo del Hard Rock neoclásico,que sirviése de plataforma para estilos posteriores como el Power Metal u otros sub géneros.
Con la forma tan brillante de tocar la guitarra de Blackmore,que hasta da esa extraña sensación de que se estuviése mofando de sus ex-compañeros de Deep Purple.
''I've got my way back home to the sky,There in the sky,I See your star''...

Lista de Temas :

1- Tarot Woman (*)Escuchar

2- Run With The Wolf

3- Starstruck (*)Escuchar

4- Do You Close Your Eyes

5- Stargazer (*)Escuchar

6- A Light In The Black (*)Escuchar

Autor: Rodrigo Praderi

e-mail: roprado-8@hotmail.com

*La referencia al audio de Youtube que se hace de los temas 1,3,5 y 6 es con fines meramente ilustrativos. La música y letra de los mismos es Copyright (C) 1976 de su(s) respectivo(s) autore(s).

Créditos:

Publicado: 17 de Mayo de 1976.
Sello:Atlantic Polydor Records.
Productor: Martin Birch.
Música y letras: Rainbow.
Grabación: Febrero de 1976,Musiclands Studios,Munich,Alemania.


Todas las canciones escritas por Ronnie James Dio.Música compuesta por Ronnie James Dio y Ritchie Blackmore. (C) 1976. 
(C) Copyright 1976, Polydor. Todos los derechos reservados.

1975 - Deep Purple - Reseña/Review de ''Come Taste The Band''

Este es uno de los discos de Deep Purple que uno termina apreciando con el correr de los años.
Recuerdo en mi adolesencia que luego de quedar impactado con los grandes clásicos de la banda como ''In Rock'' o ''Machine Head'' salía con una voracidad incontenible buscando más placas como estas.
La primera vez que escuché ''Come Taste The Band'' hace ya muchos años no me gustó para nada.
Es que cuando uno se inicia con grupos como este,con tanta trayectoria,no es fácil comprender desde el inicio la evolución y mutación musical que presentan.
Pero luego de conocer más a fondo todo lo relacionado a los cambios de formación de Deep Purple y a sus distintos estilos todos agrupados bajo el mismo nombre fue que empecé a comprender mucho mejor y a disfrutar mucho más cada uno de sus períodos y formaciones clásicas.

''Come Taste The Band'' es el único disco de estudio grabado por el Mark IV.
Compuesto por David Coverdale en voces,Glenn Hughes en el bajo y voces,Jon Lord en teclados,Ian Paice en batería y el malogrado guitarrista Tommy Bolin.
Ritchie Blackmore,el legendario guitarrista de Deep Purple abandonó la banda luego de grabar el anterior trabajo ''Stormbringer''.
No estaba de acuerdo con el rumbo musical que estaba tomando el sonido del grupo.

Se fue de  Deep Purple para formar Rainbow junto a uno de los más brillantes vocalistas de heavy metal de la historia,Ronnie James Dio.
De aromas mucho más funk y soul este disco dista mucho del sonido crudo y áspero del Mark II.
También tiene algunas grandes diferencias en relación a los dos trabajos anteriores.
Por un lado el alejamiento del ''Hombre de Negro'',Ritchie Blackmore quién abandonó la banda.
De hecho para muchos es muy difícil concebir a Deep Purple sin Blackmore.
Ese es el cambio más notorio entonces,la entrada al grupo del jóven y versátil guitarrista americano Tommy Bolin.

La llegada de Bolin a Deep Purple se vió facilitada por Glenn Hughes,quién ya lo conocía.
El propio Jon Lord reconoció que el guitarrista aportó mucha frescura y vitalidad a Purple.
El estilo de este guitarrista fue totalmente distinto con una forma de tocar más blusera y funky.
También participó activamente en la composición de muchas de las canciones del disco.
Estos cambios no fueron muy bien recibidos por muchos fans por lo que la popularidad de la banda cayó.

Otra diferencia no tan notoria es la menor interpretación de canciones a dúo entre Coverdale y Hughes.
En ''Come Taste The Band'' muchos temas son cantados por cada uno por separado.
El último disco de la legendaria banda británica en los Setenta.
Habría que esperar luego hasta el año 1984 con la reunión del Mark II para la grabación del disco ''Perfect Strangers''.

Deep Purple Mark IV (Fotografía) de izq.a der. Ian Paice,Glenn Hughes,David Coverdale,Tommy Bolin,Jon Lord
de musicalreview.wordpress.com (http://bit.ly/1RLSRkt )

Lamenteblemente luego de la grabación del disco,las cosas no fueron de la mejor manera.
El abuso de drogas y alcohol por parte de Bolin y en menor medida de Hughes llevó a la realización de una gira mediocre con muchas malas actuaciones que derivó en la separación del grupo.
Luego en 1976 Tommy Bolin murió de una sobredosis de heroína.

En mi opinión este disco no deja de ser un clásico muchas veces defenestrado,pero también es cierto que se encuentra un escalón por debajo que otras obras maestras de Deep Purple.
''Come Taste The Band '' fue publicado el 10 de Octubre de 1975 y fue producido por el prestigioso Martin Birch.

''Comin' Home'' abre con mucha fuerza este trabajo.
Con la majestuosa entrada de la batería a cargo de Ian Paice.
Es innegable el cambio en el sonido de Deep Purple que mirando hacia adelante se asemeja en canciones como esta a la primera etapa de Whitesnake.
De hecho tres de los miembros del Mark IV formaron parte de ese nuevo emprendimiento.
En este tema no interviene Glenn Hughes en el bajo ni en los coros,siendo sustituido en este instrumento por Tommy Bolin.
Aquí se destacan efectos de echoplex realizados con cintas generando reverberación.

''Lady Luck'' es un tema que personalmente me agrada mucho.
Esa mezcla de funk y rock'n'roll que le queda de maravilla.
Se luce Bolin en la guitarra con tonos muy buenos en su instrumento.
Coverdale canta intensamente esta canción acerca de una reina gitana de ojos azules
.
''Gettin' Tighter'' es un tema cantado exclusivamente por Glenn Hughes.
A todo funk un tema donde podemos apreciar la magnífica voz del bajista,con ese riff bien funky en un estilo perfecto para el tono de voz de este artista.
Uno de los mejores temas cantados por Glenn en su pasaje por los púrpuras.

Con su riff heavy se presenta ''Dealer'',tema más duro con una gran exposición de David Coverdale en la voz,entre la maraña de acordes de guitarra que propone Bolin.
Acerca del traficante que te persigue como un cazador,para robar tu alma.

Otro tema de mi gusto personal es ''I Need Love'',con ese estilo de sonido tan original.
Una especie de híbrido de rock y música disco.
Aquí nuevamente la voz de Coverdale se presenta intensa y pasional.
Marca el estilo personal en la forma de interpretar las canciones por parte de Coverdale.
Un tema con gran ritmo que transcurre entre las geniales pinceladas de guitarra y esos sintetizadores burbujeantes.

David Coverdale se pone el traje de vagabundo para interpretar ''Drifter''.
Con un buen sonido clásico y grandes cambios de ritmo.
Muy bien Ian Paice en esos cambios de tempo con la batería.

Llega con su riff clásico ''Love Child''.
Uno de los singles editados de este trabajo.
Con acordes similares a ''The Gipsy'' del disco anterior,pero con un sonido modernizado gracias a ese solo de sintetizador que le da una personalidad muy particular a esta pieza.

El track ocho se divide en dos partes,primero una gran oda al soul con la estupenda ''This Time Around''.
Cuentan los intérpretes que este tema nace a partir de una improvisación que estaba haciendo Jon Lord en el piano.
Glenn lo escuchó y le puso letra.
La performance en la voz de Glenn Hughes es perfecta en un tono de voz y un ritmo como el soul que le van a la perfección.
''Owed To G'' es la segunda parte instrumental.

Cierra el album el mejor tema del disco,''You Keep On Moving''.
Escrita inicialmente para el disco ''Burn'' de 1973,fue dejada fuera por Ritchie Blackmore de ese trabajo por creer que no iba demasiado bien con el estilo del álbum.
Un tema magnífico que surge lentamente en ese halo de misterio que genera el bajo acompañado por esos extraños efectos de guitarra.
Lentamente se disipa el humo púrpura de la intro para dar paso a las voces.
Tema cantado a duo entre Coverdale y Hughes combinando de manera excelsa sus voces.
La mejor exposición de Jon Lord en el disco con un solo de órgano memorable.
Acordes fantasmagóricos de Tommy Bolin y punteos celestiales.
Mejor manera de cerrar este trabajo,imposible.

Lista de temas :

1- Comin' Home (*)Escuchar

2- Lady Luck

3- Gettin' Tighter (*)Escuchar

4- Dealer

5- I Need Love

6- Drifter

7- Love Child (*)Escuchar

8- This Time Around/Owed to G (*)Escuchar

9- You Keep On Moving (*)Escuchar

Autor: Rodrigo Praderi

e-mail: roprado-8@hotmail.com

*La referencia al audio de Youtube que se hace de los temas 1,3,7,8 y 9 es con fines meramente ilustrativos. La música y letra de los mismos es Copyright (C) 1975 de su(s) respectivo(s) autore(s).

Créditos:

Publicado: 10 de Octubre de 1975.
Grabación : 3 de Agosto al 1 de Setiembre de 1975.
Sello: EMI/Purple (Reino Unido), Warner Bros. (Estados Unidos).
Productor:Martin Birch,Deep Purple.
Música y letras: Deep Purple.


Todas las canciones escritas y compuestas por Coverdale/Bolin,excepto track 1 (Coverdale,Bolin,Paice),track 2 (Coverdale,Cook),track 3 (Bolin,Hughes),track 8 (Bolin,Hughes,Lord),track 9 (Coverdale,Hughes).
 Deep Purple. (C) 1975 Copyright EMI/Purple,Warner Bros.
(C) Copyright 1975 EMI/Purple,Warner Bros. Todos los derechos reservados

1985 - Dire Straits - Reseña/Review de ''Brothers In Arms''

Pocos son los guitarristas que al escuchar su manera de tocar son identificados al instante por su estilo tan particular.
Uno de esos ejemplos es el de Mark Knopfler.
Virtuosismo,elegancia y sofisticación son algunos de los adjetivos que se me ocurren para definir su manera de tocar.
Esa manera,ese estilo,que lo definen y lo destacan entre tantos artistas.
Pasa lo mismo con Santana,David Gilmour,Brian May por dar algunos ejemplos.
Guitarristas que transmiten más que música cuando tocan,transmiten además pasión y generan sentimientos inexplicables en los que los escuchan.

Lo que me sucede con Dire Straits es justamente eso,estar siempre a la espera de los solos de Mark Knopfler o de alguna de sus piruetas,de sus trucos mágicos realizados con la guitarra.
Es que Dire Straits es Mark Knopfler,no se puede concebir a la banda si falta él.
El binomio perfecto,siempre acompañado de grandes artistas para escribir la mejor historia de esta banda.

Hoy vamos a hablar de su obra más célebre,que llevara a Dire Straits a encumbrarse como una de las mejores bandas de Rock de los Ochenta.
El éxito alcanzado con el disco ''Brothers In Arms'' de 1985 fue superlativo,escandaloso,consagrador.
Logró vender 30 millones de copias y fue el tercer disco más vendido de los años 80.
Dire Straits tomó vida en el año 1977,fundada por Mark Knopfler en el Reino Unido.
Su primer disco data de 1978 llamado simplemente '''Dire Straits'',que contiene su primer gran éxito,la oda a la guitarra eléctrica ''Sultans Of Swing''.

En su formación original estaba el hermano de Knopfler,David en segunda guitarra,además de John Illsley en el bajo y Pick Withers en batería.
Una constante en la historia del grupo  fueron los cambios de formación,pero siempre bajo la batuta de Mark Knopfler.
Para ''Brother In Arms'' la alineación estaba conformada con los dos sobrevivientes de 1978,obviamente su líder Mark Knopfler en guitarra principal y voces,y el bajista John Illsey.
Completaban la banda sus dos tecladistas,Alan Clark y Guy Fletcher,Terry Williams en batería y Jack Sonni en segunda guitarra.

Intervinieron también muchos artistas invitados,donde se destaca la participación de Sting en el tema ''Money For Nothing''.

Tenemos que referirnos también a la portada,que es super conocida,donde se ve una guitarra clásica Resonator National Style 0,de un hermoso color plateado brillante,suspendida en el cielo,con unas nubes de fondo.
Es que con la guitarra habían alcanzado la gloria,habían llegado al cielo.

Dire Straits con todo su plantel de 1985,con Mark Knopfler a la cabeza (Fotografía) de futuro.cl (http://bit.ly/2bd00Gv)

De acordes suaves y gentiles se compone ''So Far Away'',ideal para abrir el disco.
Suenan muy bien los teclados y el bajo dándole esa personalidad fresca pero a su vez consistente al tema.
Se escucha a un Mark Knopfler muy descontracturado al cantar.
Excelente comienzo.

''Money For Nothing'' es la vedette de este trabajo.
Impresionante.
Se abre con los coros del invitado de gala,Sting,acompañado por los teclados.
Luego la batería empieza a darle fuerza al tema hasta que expolota el brutal riff central de la canción en manos de Mark Knopfler.
Los latigazos de los teclados adornan más aún este clásico del rock de los ochenta.
Nuevamente los coros del líder de ''The Police'' coreando ''I want my,I want my MTV''.
El video-clip es uno de los más famosos de la historia,difundido por MTV,con imágenes de vanguardia para la época.
Knopfler contó que la letra de la canción se le ocurrió al encontrarse en una tienda de electrodomésticos.
Un operario que allí trabajaba al ver que en los televisores del negocio estaban pasando un video de MTV, hizo algunos comentarios que llamaron la atención del artista.
El trabajador se mofaba de los videos,refería que eso era hacer dinero por nada.


Hay muchas canciones que representan muy bien lo que fueron los ochenta y una de ellas es ''Walk Of Life''.
El teclado inconfundible es el sello de esta pieza de ambiente festivo bailada hasta el cansancio por aquellos años.
Con otro video recordado plagado de fe de erratas de varios deportes.
La canción es un homenaje de Knopfler al cantante estadounidense Johnny Mathis.
El tema hace referencia a un cantante callejero llamado Johnny que interpreta viejas canciones en los túneles ; ''Here comes Johnny singing oldies,goldies,Be Bop A Lula,Baby what I say,''.''Down in the tunnels,trying to make it pay,He got the action,he got the motion''.

Otra maravilla es ''Your Latest Trick''.
Aquí los vientos se llevan toda la atención
La intro de trompeta es el preámbulo perfecto para dar paso luego a ese increíble solo de saxo que invade de sensualidad la canción.
Los acordes de teclado simples y descontracturados añaden más condimentos a esta pieza que trata de una chica con negocios nocturnos a que el personaje le informa que este ha sido su último engaño.

''Why Worry'' es una hermosa balada de espiritú reflexivo y melancólico.
Hermosos y dulces acordes en los dedos mágicos de Mark Knopfler para darle música a la letra.
Un teclado en escalera de sueños abraza esta hermosa melodía,arropando cálidamente a la chica de la letra.
''Baby I see this word has made you sad,some people can be bad,the things they do,they things they say,but baby I'll wipe away those bitter tears''.


El disco a partir de ahora cambia radicalmente su temática,entrando en terrenos álgidos como lo son las guerras.
''Ride Across The River''.
Con una buena percusión y teclados de intro,estas sirven de antesala para la entrada de la guitarra y voz de Mark Knopfler.
La letra habla sobre los soldados que dejan sus vidas en los campos de batalla a causa de lo mismo:las guerras,y como al final de cuentas eso a los gobiernos poco les importa
''It's the same old story with a different name,Death or Glory,It's the killing game''

''The Man's Too Strong'' mantiene la temática de las atrocidades de la guerra y sus ''códigos''.
Se destaca la guitarra acústica y el estilo country de la pieza.
Dice la letra en una estrofa ''Striven for peace,Which I have never known''.

''One World'' es una crítica ácida a los gobiernos.
Se luce mucho el bajo de John Illsey.
La misma vieja noticia,que no es más que una excusa,una mentira : ''No podemos encontrar una manera para ser un mundo en armonía''.

Cierra el álbum una obra maestra de Dire Straits.
''Brother In Arms'' posee una letra poética acerca del sufrimiento en las guerras.
Un clima tenso y oscuro es generado para esta canción,a medida que despuntan los primeros acordes tristes de la guitarra de Mark.
Esos acordes que poco a poco se van transformando en un solo de guitarra que llega hasta los huesos.
Mark Knopfler se inspiró para escribir las letras en las atrocidades vividas en Nicaragua y El Salvador,además de la Guerra de Mavinas.
Dice la letra ''There's so many different worlds,so many different Suns,and we have just one world,but we live in different ones''.

Lista de Temas :

1- So Far Away (*)Escuchar

2- Money For Nothing (*)Escuchar

3- Walk Of Life (*)Escuchar

4- Your Latest Trick (*)Escuchar

5- Why Worry

6- Ride Across The River

7- The Man's Too Strong''

8- One World

9- Brothers In Arms (*)Escuchar

Autor: Rodrigo Praderi

e-mail: roprado-8@hotmail.com

*La referencia al audio de Youtube que se hace de los temas 1,2,3,4 y 9 es con fines meramente ilustrativos. La música y letra de los mismos es Copyright (C) 1985 de su(s) respectivo(s) autore(s).

Créditos:

Publicado: 1 de Mayo de 1985.
Sello: Vertigo/Warner Bros.(EEUU)
Productores : Mark Knopfler,Neil Dorfsman.
Música y letras: Dire Sraits.
Grabación: Noviembre de 1984 a Marzo de 1985.


Todas las canciones escritas y compuestas por Mark  Knopfler,excepto track 2 escrita por Mark Knopfler y Sting. (C) 1985.
(C) Copyright 1985 Vertigo/Warner Bros.(EEUU). Todos los derechos reservados

1967 - Pink Floyd - Reseña/Review de ''The Piper at the Gates of Dawn''

La locura lo acechaba sigilosamente escondida entre sus canciones.
Un halo de misterio desconcertante yacía detrás de las letras de sus composiciones, que parecían cuentos para niños, adornados de música rara,extraña y única.
Quizás ese gato siamés o ese gnomo con un nombre extravagante, eran los primeros personajes que se escapaban de su mundo delirante y formaban parte de ese disco maravilloso que Syd Barrett y Pink Floyd compartieron con el mundo.

Ese es el legado que Syd Barrett nos dejó, antes que la locura se apoderara completamente de él y lo volviera prisionero de sí mismo.
''The Piper at the Gates of Dawn'' es el tesoro sonoro que quedó de la mejor época de Syd, del Syd líder de Pink Floyd,del Syd compositor,creativo y carismático.
El fue el que mejor adaptó el estilo del movimiento psicodélico de la Costa Oeste de Estados Unidos y  que incluso lo moldeó y lo re-inventó para crear un sonido único e interestelar.

La música experimental que empezó a tocar Pink Floyd fue incluso de suma importancia para el cambio de sonido de otras bandas británicas, como los mismísimos Beatles.
John Lennon nunca escondió su admiración por la música de Pink Floyd y fue fuertemente influenciado por la presentación en vivo que hizo la banda en 1966 y a la cual él asistió.

                                                                                                                                                              Hasta el día de hoy me sigue pasando lo mismo.
Al escuchar el final del disco ''Wish you Were Here'',donde suena ese teclado acompañado del viento que se alejan lentamente al final de ''Shine On You Crazy Diamond'',inevitablemente me viene a la mente la imagen de Syd Barrett.
El líder fundador de Pink Floyd,que dejó el inmortal recuerdo de un solo disco de estudio grabado con él.
Nos dejaría como consuelo apenas un solo tema de su autoria en el disco siguiente,el discordante y apagado ''Jugband Blues''.

Pink Floyd en 1967 estaba formado por su líder,vocalista y guitarrista,Syd Barrett,Roger Waters como bajista,Rick Wright en el órgano y Nick Mason en batería.
La llegada de David Gilmour no se produciría hasta 1968 cuando suplantó a Syd Barrett quién ya se había enfermado mentalmente de gravedad y ya no podía seguir presentándse en vivo ni grabando nuevas canciones.

Pink Floyd logró una aceptación muy importante al presentar su sonido tan particular con sus dos primeros singles : ''Arnold Layne'' y ''See Emily Play'' canciones de vanguardia dentro de la escena psicodélica británica.
Su repentino éxito los llevó a grabar su primer disco en los estudios Abbey Road en Londres y bajo la producción de Norman Smith.
El nombre del álbum está inspirado en un capítulo de un libro de cuentos que Syd Barrett leía cuando era apenas un niño.
El libro se llamaba ''The Wind in the Willows'' del autor Kenneth Grahame.
El disco se publicó el 5 de Agosto de 1967 para los sellos Columbia/EMI en el Reino Unido.

Pink Floyd en 1967. de izq. a der. Nick Mason,Rick Wright,Roger Waters y Syd Barrett.
(Fotografía) de polarmusicprize.org (http://bit.ly/2aDXv4T)

Desmenucemos canción a canción esta obra maestra de la psicodelia británica.
El disco se abre con una de las primeras piezas de rock espacial,me refiero a ''Astonomy Domine''.
La canción inicia con las voces de astronautas que nos ponen en órbita dándole el ambiente adecuado.
Aparece el bajo generando esa atmósfera misteriosa y así como de la nada,como si fuése una estrella fugaz suena la poderosa batería de Nick Mason.
Los primeros acordes del sonido tan particular logrado por Syd Barrett nos hacen viajar entre planetas y estrellas,entre aguas heladas subterráneas,entre las lunas de Urano: ''Oberon,Miranda and Titania''.
El órgano suena como casi escondido resaltando un poco más al final de la pieza cerrando este primer viaje.

Como si fuése un cuento de miedo para niños,así se presenta ''Lucifer Sam''.
Con sus excelentes efectos de sonido relampagueante logrado con el bajo de Roger Waters acompañado de los destellos del órgano Farfisa de Rick Wright.
La composición habla de un gato que siempre se lo encuentra sentado al lado de la bruja como un servidor del mal.... ''That Cat's something I Can't explain''.

''Matilda Mother'' se abre en otro clima de misterio y suspenso logrado con los instrumentos.
La letra habla acerca de un Rey de ojos de plata.
Syd Barrett es acompañado por Rick Wright en las voces.
Sobresale a mitad del tema un sobervio pasaje psicodélico con solos de bajo y órgano que definen a la perfección el sonido experimental de finales de los sesenta.
Algunas estrofas de la letra : ''Wandering and Dreaming,The words have different meaning,Yes they did... Oh Mother Tell me more...''.

''Flaming'' es uno de los mejores ejemplos de las composiciones de Syd Barrett.
Tras unos sonidos extraños creados por las voces de los artistas comienza la música.
Posee una hermosa letra de historias de la infancia con una temática fantástica y metafórica que habla sobre un amigo invisible ''Tú no puedes verme ! Pero yo a tí sí !!''.

Hablando de sonidos extraños y hasta grotescos si se quiere tenemos otro ejemplo claro con ''Pow R. Toc H.''.
Efectos vocales inusuales hacen de esta una pieza extravagante basada en una base instrumental bastante bizarra,donde el piano sobresale claramente.

''Take Up thy stethoscope and Walk'' tiene como particularidad que es la primer canción de Pink Floyd escrita por Roger Waters.
El nombre sarcástico de la canción está basado en un evangelio de la biblia que dice ''Jesus saith unto him,Raise,take up thy bed and Walk ''.
Una vigorosa batería abre el tema.,aquí se puede apreciar claramente el estilo de tocar de Syd Barrett,acordes en secuencias desordenadas y caóticas que son el sello del sonido psicodélico de este disco.
Destaco también el sonido y la velocidad rítmica del órgano que van a tiempo con la canción.

LLega ahora el momento cumbre de la obra.
La suite psicodélica ''Interstellar Overdrive''.
Un geniuno testimonio del concepto musical que quería transmitir Syd Barrett.
Se abre con su riff característico que sirve de abanico para dejar libre la mente a la experimentación.
Todo tipo de sonidos extraños,creados con la guitarra,sonidos caprichosos,de vanguardia,por momentos desconcertantes.
En el final,el efecto stereo con el cambio de sonido de derecha a izquierda es genial.
Este tema siempre era usado por la banda en las presentaciones en vivo para dar lugar a la improvisación,dando versiones de todo tipo de la misma canción.
Yo en particular les recomiendo la versión del disco en vivo ''London 66-67'',donde se puede apreciar una versión extensa de más de 17 minutos que realmente vale la pena escuchar.

Syd Barrett (Fotografía)

Syd Barrett se viste de trovador psicodélico para interpretar ''The Gnome''.
Un tema con su sello,genialidad y simpleza.
Otro cuento hecho canción acerca de este personaje engendrado por la imaginación del artista llamado ''Grimble Gromble'',que mora los bosques vistiendo su túnica escarlata y su sombrero.
Un tema de base acústica en este caso.
Dice la letra ''Hooray,another way for gnomes to say Ooh my.....''.



''Chapter 24'' tiene una letra abstracta por excelencia,casi impenetrable que parece haber sido escrita en un código secreto,personal.
La letra dice : ''El siete es el número de la luz jóven,se forma cuando uno mismo incrementa la oscuridad''.
El ritmo es llevado por el órgano Farfisa bien omnipresente,destacándose junto al bajo Rickenbacker de Waters.


Entre las pinceladas resonantes del órgano Farfisa de Rick Wright se dibuja este ''Scarecrow'',que sigue el estilo del track anterior.
Muy buenos efectos de percusión logra Nick Mason.
La temática del tema es acerca de un espantapájaros resignado a su vida vacía porque a él ya nada le importa.
''The black and green scarecrow is sadder than me,but now he's resigned to his fate cause life not unkind,he doesn't mind''.

Cierra esta obra maestra una de las mejores canciones de Pink Floyd con Barrett.
''Bike'' es otra reminisencia de la infancia de Syd con personajes un tanto peculiares,como el ratón Gerald y los hombres de jengibre.
''You're the kind of girl that fits in with my world,I'll give you anything,everything if you want things''.
La pieza se cierra con todo tipo de sonidos raros que parecen representar la fantasía de Syd Barrett montando su bicicleta psicodélica haciendo sonar esa bocina lunática emprendiendo el viaje sin retorno hacia la locura.....

Lista de temas :

1- Astronomy Domine (*)Escuchar

2- Lucifer Sam (*)Escuchar

3- Matilda Mother

4- Flaming

5- Pow R. Toc H.

6- Take Up Thy Stethoscope and Walk

7- Interstellar Overdrive (*)Escuchar

8- The Gnome (*)Escuchar

9- Chapter 24

10-Scarecrow

11-Bike (*)Escuchar

Autor: Rodrigo Praderi

e-mail: roprado-8@hotmail.com

*La referencia al audio de Youtube que se hace de los temas 1, 2,7,8 y 11 es con fines meramente ilustrativos. La música y letra de los mismos es Copyright (C) 1967 de su(s) respectivo(s) autore(s).

Créditos:

Publicado:5 de Agosto de 1967
Sello: Columbia/EMI Records
Producción: Norman Smith.
Ingeniero: Peter Bown.
Arte de Tapa : Vic Singh.
Grabación: Abbey Road Estudios,Londres,del 21 de Febrero al 21 de Mayo de 1967.

Todos los temas escritos por Syd Barrett,excepto track 5 y 7,escritos por Barrett,Waters,Wright,Mason,track 6 escrito por R.Waters.
(C) Copyright 1967,Columbia/EMI.Todos los derechos reservados.

(C) Copyright 1967,Columbia/EMI. Todos los derechos reservados.

1979 - AC/DC - Reseña/Review de ''Highway To Hell''

Si en La Columna del Rock la especialidad de la casa son las reseñas de discos clásicos,he aquí un ejemplo de ello.
Hoy nos vamos a referir a un disco clásico por excelencia de AC/DC.
El último trabajo de la banda con Bon Scott como cantante.
Durante los primeros años AC/DC fue una banda de Rock'n'Roll por sobre todas las cosas,con un estilo muy particular que los fue volviendo poco a poco una banda de culto.

Liderados por Angus Young,ese hombrecito vestido de escolar,con aspecto de energumeno por el que nadie daría ni un peso,pero que cuando toma la guitarra entre sus manos y se pone a tocar nos vuelve locos a todos.
El cantante era otro chico malo,otro chico problema,el gran Bon Scott.
Algo especial había que tener para cautivar a Angus y a su hermano Macolm y tener el privilegio de ser el cantante de esta banda.
Bueno pués,que el escocés lo tenía todo.
Actitud,impronta de chico peligroso,hambre de gloria y una voz infernal ideal para el estilo del grupo.

Oficialmente Bon Scott fue el segundo vocalista de la banda,a partir de 1974.luego de la partida del primer cantante Dave Evans que apenas grabara un par de sencillos.
Creo que sería más realista decir simplemente que Bon fue el primer cantante de AC/DC y punto.
Bon Scott conoció a la banda en la ciudad de Adelaida,Australia.
Era el conductor de la camioneta que transportaba a la banda por aquellos alocados años.
La admiración mutua, del cantante a la banda,así como de los hermanos Young por el cantante llevó a que al final el escocés fuera seleccionado como vocalista.

Desde su primer disco ''High Voltage'' del año 1975, AC/DC fue lanzando una serie de muy buenos trabajos,que fueron cautivando poco a poco,primero al público de Australia y Nueva Zelanda para luego apoderarse del mundo entero.
La banda estaba liderada por los hermanos Angus y Malcolm Young.
Bon Scott era porsupuesto su cantante.
Completaban la agrupación Cliff Williams en el bajo y Phil Rudd en la batería.

''Highway To Hell'' fue entonces el sexto disco de estudio de AC/DC.
Publicado el 27 de Julio de 1979,fue lamentablemente el último álbum de la banda con Bon Scott.
Scott falleció con apenas 33 años de edad luego de aspirarse con su propio vómito al quedar inconsciente una noche de Febrero de 1980 luego de haber bebido alcohol hasta quedar totalmente borracho.
El legado de Bon Scott quedó plasmado en el infinito del recuerdo de todos sus fans y en los discos de AC/DC que pasarán de generación en generación de aquellos que amamos el buen Rock'n'Roll.

AC/DC (Fotografía) de izq.a der.: Malcolm Young,Bon Scott,Angus Young,Phil Rudd y Cliff Williams
de madafackismounderground.com (http://bit.ly/2b7XHHz)

El riff de ''Highway To Hell'' es de los mejores de la historia del rock.
Ese riff elucubrado por Angus Young con la mismísima ayuda de Lucifer.
Imposible no conocerlo,sea uno fanático del rock o no.
Habría que ser extraterrestre o una especie de zombie para no haber escuchado nunca esta canción.
Tema emblemático de la banda y del hard rock mundial.
Habla de las peripecias del personaje que va directo al infierno por propia decisión,a pasarla bien,allí estarán todos sus amigos.
En la voz de Bon Scott que nos tienta a todos a seguirlo por esta autopista al infierno al grito de ''I'm On The Highway to Hell !''.
''Hey Satan,payed my dues,Playing in a rock band,Hey momma,just look at me,I'm on my way to the promised land''.

Y seguimos con ''Girls Got Rhythm''.
Otra de las temáticas centrales de las canciones de AC/DC,las chicas ardientes.
La chica ideal de curvas pronunciadas y vestidos ajustados.
Tiene aspecto de dinamita y me hace explotar,dice Bon...

''Walk All Over You''
Otro tema de alto contenido sexual.
A ritmo de guitarra cansino,pero no por esto profundo y eficaz,se introduce la canción.
Luego con toda la energía de la batería la canción empieza a adquirir velocidad.
Bon Scott es un fuego en las voces,cantando con su estilo único,desafiante y desacomplejado.
Al grito de los coros y al sonar de las guitarras este tema es una caldera de ritmo hirviente.

El próximo tema empieza a toda velocidad,frenético,con las cuerdas sonando de forma impresionante comandando a esta ''Touch Too Much''.
Otro tema caliente de alto contenido adrenalínico en cuanto a la cama se refiere.
Con su estribillo pegadizo : ''Seems like a Touch,a Touch Too Much''.
Cerveza fría y mujeres calientes.
La obsesión por el sexo y la bebida nunca fue algo que a Bon,Angus y los suyos les importara ocultar.

''Beating Around The Bush'' posee un riff endiablado.
Acerca de una chica mentirosa,de cara sonriente y mirada tierna,una historia contada en la voz de niño engendro de Bon Scott,de sonrisa peligrosa,perversa y maléfica.

Llega otro clásico de AC/DC,''Shot Down In Flames''.
Aprecien amigos como ya estamos pasando la mitad del disco y el nivel de la grabación se mantiene en un nivel altísimo.
No por nada ''Highway To Hell'' se covirtió en una leyenda.
Y con otro excelente riff de guitarra en las manos de Angus Young prosigue ''Get It Hot'',manteniedo a alta temperatura el disco.

Otro tema legendario de la banda es ''If You Want Blood (You've Got It)''.
Con su coro característico y todo el ritmo en la sangre hirviente de los hermanos Young y compañia.
Quieren AC/DC ? You Got It !!

Para variar los chicos están hambrientos de amor.
''Love Hungry Man'' se abre con otro riff esplendoroso,tema en donde el bajo de Cliff Williams se destaca sobremanera.
Después se apodera un riff simple de la melodía,simple pero super efectivo.
AC/DC es el más claro ejemplo de como con simplicidad y pocas notas se puede hacer un rock'n'roll excelso.
Y como dice la letra : ''A Man's Got to Eat''.

Cierra el disco un tema con espiritú más blusero.
''Night Prowler''.
El merodeador nocturno sale a medianoche con la luna llena en busca de alguna damicela descuidada.
Se luce el genio de Angus Young con unos excelentes punteos de guitarra para cerrar este trabajo,uno de los discos más legendarios de la historia del rock.

Lista de temas :

1- Highway To Hell (*)Escuchar

2- Girls Got Rhythm (*)Escuchar

3- Walk All Over You (*)Escuchar

4- Touch Too Much (*)Escuchar

5- Beating Around The Bush

6- Shot Down In Flames

7- Get It Hot

8- If You Want Blood (You've Got It) (*)Escuchar

9- Love Hungry Man

10-Night Prowler (*)Escuchar

Autor: Rodrigo Praderi

e-mail: roprado-8@hotmail.com

*La referencia al audio de Youtube que se hace de los temas 1,2,3,4,8 y10 es con fines meramente ilustrativos. La música y letra de los mismos es Copyright (C) 1979 de su(s) respectivo(s) autore(s).

Créditos:

Publicado: 27 de julio de 1979.
Sello:Atlantic Records/Warner Music Group.
Productor: Robert Lange
Música y letras: AC/DC
Grabación: Febrero a Abril de 1979.


Todas las canciones escritas y compuestas por Bon Scott, Angus Young y Malcolm Young. AC/DC. (C) 1979. 
(C) Copyright 1979 Atlantic/Warner Music Group. / AC/DC. Todos los derechos reservados

1988 - Iron Maiden - Reseña/Review de ''Seventh Son of a Seventh Son''

Siempre es un inmenso placer para mí escribir sobre Iron Maiden.
Hoy elegí este disco en particular por que creo que es el que cierra de forma maravillosa el mejor período de la banda,comprendido entre los años 1982 y 1988.
Desde la llegada de Bruce Dickinson en 1981 y con el lanzamiento impactante de ''The Number of the Beast'' un año después,la banda fue lanzando una serie de discos magníficos que los catapultó a ser la banda más grande de Heavy Metal a finales de los ochenta.

Sería necio negar que el nivel de Iron Maiden bajó considerablemente con su próximo trabajo ''No Prayer For The Dying'' de 1990.
Pero esos siete años comprendidos entre 1982 y 1988 fueron los mejores.
Siete años y siete discos en total en 1988.
Como la banda no tenía muy claro que nombre ponerle al nuevo trabajo,Steve Harris,bajista y miembro fundador propuso el nombre de ''Seventh Son of a Seventh Son''.
Harris se inspiró para el nombre en la novela del escritor norteamericano Orson Scott Card,''Séptimo Hijo''.
Fué una saga de libros que contaban las aventuras del personaje Alvin Maker,un individuo que poseía poderes sobrenaturales.

Con la idea básica centrada en dicha temática,la banda comenzó a darle forma a las composiciones en base a esta idea conceptual de la historia de un clarividente.
Dickinson se salió con la suya y participó mucho más activamente en la creación de las letras de las canciones.

Este disco es quizas, el más refinado
de esa época,terminándole de dar las últimas pinceladas
a los cambios de sonido que ya se percibian en
''Somewhere In Time'' de 1986.
El agregado de teclados,acordes más suaves,
cambios de ritmo,pero siempre con la esencia del Heavy Metal en las venas.

El disco fue lanzado al mercado el 11 de Abril de 1988 y fué el último disco en el que participó el virtuoso guitarrista Adrian Smith,quién retornara a la banda en 1999.
Producido por el prestigioso Martin Birch,quién trabajó anteriormente con bandas del porte de Black Sabbath y Deep Purple.
El lanzamiento de este álbum tuvo su punto más alto durante la celebración del impresionante ''Monsters of Rock'' de 1988 en Inglaterra.

El arte de tapa de este trabajo es muy particular.
Una imágen surrealista de un mundo cogelado donde se ve a Eddie,sólo en su mitad superior seccionado a nivel de la columna vertebral,teniendo en su mano izquierda una criatura con figura humana que parece estar a punto de nacer.
La cabeza de Eddie arde en llamas como queriendo representar la aparición de una idea,de una visión.
Una portada que deja abierta la puerta de la interpretación.

Antes de pasar a las canciones,repasemos la formación de la Doncella de Hierro en 1988.
Steve Harris en el bajo y teclados,Bruce Dickinson como cantante,Dave Murray en guitarra,Adrian Smith en guitarra y teclados y Nico Mc Brain en la batería.

''Moonchild''abre el disco con el recitado de Dickinson :
''Seven deadly sins,Seven ways to win,Seven holy paths to hell,And your trip begins''.
''Seven downward slopes,Seven bloodied hopes,Seven are your burning fires,Seven your desires...''.
Luego comienza la música con ese híbrido entre riff de guitarra y teclados que le dan un aire más futurista al sonido de Maiden.
A continuación se suma la imponente batería de Nico Mc Brain y el bajo endemoniado de Harris.
La letra habla del niño que no debía nacer,que estaba maldecido y que su alma era codiciada por el bien y por el mal.
El sonido del tema es compacto con unas guitarras sobresalientes y con un Dickinson cantando con el alma.

''Infinite Dreams'' es simplemente magnífica.
Junto a ''The Evil That Men do'' mis preferidas de este disco.
Suaves acordes de guitarra inician la pieza acompañados por los platillos de la batería.
El ritmo de la canción paulatinamente va tomando fuerza con una energía que pareciera sobrenatural.
La letra habla acerca del personaje que empieza a ser atormentado por sueños y pesadillas.
Comienza a darse cuenta que posee poderes sobrenaturales,pero no sabe como manejarlos,está confuso.
Con el correr de la canción el riff se vuelve más cansino sobre el que descansa la brillante voz de Dickinson.
Guitarras contundentes trazando todo tipo de acordes entre cambios de ritmo infernales,hasta donde se puede incluso percibir el dejo sonoro del teclado en un segundo plano,un tema perfecto.

''Can I Play With Madness'' es la canción más conocida, aunque no la mejor.
La más conocida por haber sido lanzada como single para promocionar el disco.
El personaje descubre sus poderes sobrenaturales,se da cuenta que puede jugar con la locura y desafía al viejo profeta ya convencido de sus facultades.
Como todo single,tiene un sonido un poco más comercial,de estructura menos compleja de la que se destaca un buen riff central potente.

Retomando el sonido más característico del trabajo,llega otra de las mejores piezas de ''Seventh Son of a Seventh Son''.
Me refiero a ''The Evil That Men Do''.
El mal que hacen los hombres vive después de ellos,El bien es con frecuencia enterrado con sus huesos.
Con sus hipnóticos acordes iniciales,luego la canción explota en una llamarada de sonido.
La canción habla del mal que el hombre hace...''Living on a razor's edge,Balancing on a ledge''
''The Evil That Men Do,Lives on and on''.

Lista de temas :

1- Moonchild

2- Infinite Dreams (*)Escuchar

3- Can I Play With Madness

4- The Evil That Men Do (*)Escuchar

5- Seventh Son of a Seventh Son (*)Escuchar

6- The Prophecy

7- The Clairvoyant (*)Escuchar

8- Only The Good Die Young

Llega ahora la homónima ''Seventh Son of a Seventh Son''.
Con su letra resume gran parte del contenido de las canciones anteriores.
El séptimo hijo nace,está dotado de poderes mágicos y debe tomar la decisión de utilizarlos para el Bien o para el Mal......
Con una impronta mística y apocalíptica que logra muy bien el sonido del teclado se genera la atmósfera perfecta para la historia que se cuenta.
Otro tema de una riqueza musical superlativa con cambios de ritmo y punteos de guitarra que parecen haberse hecho con pócimas mágicas.
''Then they watch the progress he makes,The Good and the Evil which path will he take,Both of them trying to manipulate''.

''The Prophecy'' se abre con acordes de resignación y como dice la letra el séptimo hijo hizo una predicción con su profecía la cuál nadie escuchó.
''I Had their lives in my hand,Their fates,Their fortunes in my visions,No One Believed in my true prophecy,And Now It's too Late''.
Sonidos de guitarra acústica de aires medievales cierran la pieza cuál si fuese el libro escrito por el Clarividente.

Llega ahora otra estupenda canción, ''The Clairvoyant''.
Escrita individualmente por Steve Harris,el bajista y líder fundador se sacó el gusto de abrir una canción con su instrumento.
La intro de bajo es excepcional dando pie al penetrante riff de guitarra.
Otro de los temas destacados del disco con sus acordes resplandecientes que simbolizan en la letra la total noción del clarividente de sus poderes.
''Is this dream or is it now,Is this a vision or normality I see,before my eyes''

Cierra esta historia,cierra este maravilloso trabajo conceptual la pieza ''Only The Good Die Young''.
Con un sonido más similar a las canciones del antecesor ''Somewhere In Time'' de 1986 y con su estribillo super pegadizo es un buen corolario para semejante disco.
Solo los buenos mueren jóvenes dice la canción,queriendo transmitir el mensaje de que el mal en cambio sí vive para siempre.... Cuánto de cierto ? Cuánto de fantasía ?....Eso me lo pregunto yo mísmo.

Autor: Rodrigo Praderi

e-mail: roprado-8@hotmail.com

*La referencia al audio de Youtube que se hace de los temas 2,4,5 y 7 es con fines meramente ilustrativos. La música y letra de los mismos es Copyright (C) 1988 de su(s) respectivo(s) autore(s).

Créditos:

Publicado:11 de Abril de 1988.
Sello: EMI (Reino Unido)
Productor: Martin Birch
Música y letras: Iron Maiden
Grabación: Musicland Studios,Munich (Alemania) de 1987 a Marzo de 1988.
Arte de tapa: Derek Riggs (Ilustración)
Todas las canciones escritas y compuestas por Steve Harris, a excepción de: track 1 escrita por Dickinson,Smith., tracks 3 y 4 escritos por Dickinson,Smith y Harris.track 6 escrito por Murray y Harris y track 8 escrito por Harris y Dickinson.Arte de tapa: Derek Riggs (Ilustración) / Iron Maiden. (C) 1988 Copyright,EMI
(C) Copyright 1988 EMI. Todos los derechos reservados

1968 - The Doors - Reseña/Review de ''Waiting For The Sun''

La banda The Doors ya había cautivado con sus dos primeros discos de 1967 a todos los jóvenes norteamericanos y de todo el mundo.
Ya para 1968 The Doors era sin ningún lugar a dudas la banda de rock más famosa de los Estados Unidos.
La particular y exuberante personalidad de Jim Morrison se dejaba ver cada vez más al desnudo.
Los conciertos empezaron a ser ya una especie de espectáculo con varios aditivos extra,más allá de la propia música.

De hecho algunos de estos terminaban en escándalos y se producían todo tipo de disturbios cuando Jim Morrison jugaba más de la cuenta con el público y los incitaba al desorden.
La conducta de Morrison se había vuelto más errática,el exceso en el consumo de alcohol y drogas empezaba a repercutir en las grabaciones.
Algunas veces llegando tarde al estudio,otras directamente no se presentaba u otras llegaba tan borracho y drogado que era imposible grabar.

Esto motivó que su tercer disco demorara más en su finalización.
Un tercer álbum que no deja de ser por todos estos contratiempos descritos un trabajo excepcional casi a la altura de sus antecesores,''The Doors'' y ''Strange Days''.
Jim quería incluir en este disco su particular recitado poético acompañado con música de varios minutos de duración,me refiero a ''The Celebration of the Lizard'',que finalmente fue descartado y que aparece como Bonus Track en las re-ediciones remasterizadas del disco.
Solo se incluyó finalmente la canción ''Not To Touch The Earth''.

Que decir de ''Waiting For The Sun'',primero que nada que es otra obra maestra de los californianos, pero con un sonido un poco más liviano,con algunos pasajes de pop-rock y pop-psicodélico.
Pero manteniendo en otros pasajes el estirpe más original de The Doors como por ejemplo en la lisérgica ''Not To Touch The Earth'' o la combativa ''Five To One''.
Incluso Ray Manzarek cambió su clásico órgano Vox Continental por un Gibson G-101 aportando un sonido diferente en lo que a teclados se refiere

Muchos de los temas ya estaban escritos con anterioridad para las sesiones del segundo disco de 1967, ''Strange Days''.
Grabado en Los Angeles,California,entre Febrero y Mayo de 1968 para Elektra Records,fue finalmente lanzado en el mes de Julio.
Logró un gran éxito que los llevó a embarcarse posteriormente en su primer gira por Europa.
Producido nuevamente por Paul.A.Rotchild.

The Doors,de izq. a der. Jim Morrison,Ray Manzarek,Robby Krieger y John Densmore (Fotografía) de ebay.com (http://ebay.to/29B6IWz)

El disco se abre con un mega-hit,que fuese un éxito absoluto.
Pieza de pop psicodélico de época por excelencia,que gracias a su ritmo y letra pegajosa la llevara a trepar hasta el puesto  Número 1 del Ranking de Billboard,hecho solo logrado anteriormente por ''Light My Fire''.
No es el mejor ejemplo de lo que representan los Doors,pero gracias a su ritmo liviano y contagioso logró masificarse como single.
De hecho la melodía del tema es tan similar a la canción de The Kinks ''All Day and All The Night'',que llevó a Ray Davies a demandarlos por plagio.

''Love Street'' es un poema escrito por Jim para su musa inspiradora,Pamela Courson.
Bellísima balada,elegante,que describe de manera poética la calle donde Jim vivía con Pam,cuando eran novios en la ciudad de Los Angeles.
El gentil piano sirve de base musical para la letra de esta canción.
Uno se imagina a Jim sentado sobre el muro de su casa tarareando la melodía de la calle del amor.
''I see you live on love street,There's this store where the creatures meet,I wonder what they doing there ?,Summer sunday and a year,I guess I like it fine,so far''.


''Not To Touch The Earth'' es sí una canción típica de The Doors.
Es un viaje psicodélico que muestra la faceta más oscura de Jim Morrison en lo que a letras se refiere.
La letra abstracta,lisérgica,abierta a la imaginación abre un horizonte sin límites de interpretación.
Acompañada de manera perfecta en lo musical,creando ese ambiente tenso y de dramatismo que sugiere lo letrístico.
La melodía acelerada por momentos pareciese que corriera locamente para llegar al corolario de cada estrofa : ''Run with Me !''.
El final de la canción acuna una de las frases más célebres de Jim Morrison....''I'M The Lizard King,I Can Do Anything''.

''Summer's Almost Gone'' es uno de los temas más viejos de la banda,que había sido descartado para los dos primeros álbumes.
Una canción que The Doors ya tocaba en los tiempos de ''The Matrix'' o el ''Whisky A Go-Go''.
Por aquellos años era tocada con órgano.
En la versión de este disco Ray Manzarek toca el piano.
Una muy buena balada de estilo Jazz,dado por la batería de John Densmore.
La letra va anunciando el final del verano y la llegada del invierno,dándole pie a la temática de la siguiente pieza.
Dice la letra ''We had some good times,but they're gone,The winter's comin'on,Summer's Almost Gone''.

''Wintertime Love''es una balada liviana,perfumada de romanticismo,donde se escucha a un Jim Morrison muy relajado.

Un clásico de The Doors es indudablemente "The Unknown Soldier''.
Un tema antibélico,de protesta contra la guerra de Vietnam,que muestra el deseo ferviente de que la guerra termine de una vez.
El soldado desconocido,como se llama la canción,intenta simbolizar a todas esas almas que se encontraban combatiendo en las selvas vietnamitas.
Luego de las partes recitadas a capella por Jim,prosiguen otras cantadas acompañadas por los instrumentos donde se destaca ese órgano serpenteante.
A mitad de la canción se simula un fusilamiento,que fue plasmado en imágenes en el recordado video del tema.
''The Unknown Soldier'' se cierra con un ambiente de celebración imaginario y de ilusión de que la guerra al fin terminó.

Una pieza excelsa de este trabajo es ''Spanish Caravan''.
Con unos arreglos iniciales de guitarra española increíbles,de estilo flamenco,con ritmo a dos tiempos,tomados de clásicos de la música española.
Genera la atmósfera perfecta para la temática de la letra,acerca de viajes de galeones perdidos en la mar y tesoros escondidos.
Este tema tiene una segunda parte mucho más experimental y psicodélica,que se encuentra también en un nivel sonoro,que si bien es diferente no deja de ser superlativo.
En mi opinión otro clásico de la banda.

''My Wild Love'' es un tema inspirado en algún viaje de peyote en la frontera con México de Jim Morrison.
Es una especie de ritual,invocando a los espíritus indios que siempre lo persiguieron en sus pensamientos.
Emula un trance mental chamánico.

''We Could Be So Good Together'' es otra vieja canción que no fuera incluída en los discos de 1967.
Grabada originalmente en las sesiones de ''Strange Days''.
De ritmo más liviano,es una pieza de pop-psicodélico adornada con un simpático teclado y un estribillo super pegadizo.

La melodía serena fluye como el río,bajo la batuta del descontracturado piano que musicaliza a ''Yes,The River Knows''.
Poniéndole música a esta fábula del río que habla con un hombre.

El disco se cierra con su mejor canción.
''Five To One'' es de impronta mucho más lisérgica y con el sello de The Doors grabado a fuego.
El tema comienza con los instrumentos sonando cuál pasos firmes,con la energía de la juventud que parece que se acercaran paulatinamente para gritar a viva voz en la garganta de Jim sus ideas.
Canción de protesta y rebeldía por excelencia.
El tono de voz de Morrison es de furia,de reclamo,de sublimasión.
La letra lo dice todo : ''The old get old and the young get stronger,may take a week and it make take longer''.
''They got the guns,but we got the number,Gonna Win ! Yeah !,We're takin' over C'mon !''
La canción se va cerrando al grito de ''Get Together one more time,Get Together one more time''.
La expresión máxima de los sueños de una generación que luchaba por lo que creía podía ser lo mejor para lograr un mundo mejor....

Lista de temas :

1- Hello,I Love You (*)Escuchar

2- Love Street (*)Escuchar

3- Not to Touch the Earth (*)Escuchar

4- Summer's Almost Gone

5- Wintertime Love

6- The Unknown Soldier (*)Escuchar

7- Spanish Caravan (*)Escuchar

8- My Wild Love

9- We Could be so Good Together

10-Yes,The River Knows

11-Five To One (*)Escuchar

Autor: Rodrigo Praderi

e-mail: roprado-8@hotmail.com

*La referencia al audio de Youtube que se hace de los temas 1,2,3,6,7 y 11 es con fines meramente ilustrativos. La música y letra de los mismos es Copyright (C) 1968 de su(s) respectivo(s) autore(s).

Créditos:

Publicado: Julio de 1968
Sello: ELEKTRA Records.
Producción: Paul.A.Rotchild
Ingeniero:Bruce Botnick.
Grabación: Febrero a Mayo de 1968.TTG Studios,Los Angeles,California.

Todos los temas escritos por The Doors.
(C) Copyright 1968,Elektra Records.Todos los derechos reservados.

(C) Copyright 1968,Elektra Records. Todos los derechos reservados.