1993 - Sepultura - Reseña / Review de "Chaos A.D."

Originarios de Belo Horizonte (Brasil), Sepultura fue una de las bandas de Thrash/Death metal más importantes a nivel sudamericano, de talla mundial. Y digo "fue" ya que, en mi criterio, Sepultura sin Max Cavalera no es Sepultura. Cómo decíamos, formada por los hermanos Max e Igor Cavalera en 1984, Sepultura llegó a niveles de popularidad y éxito únicos para una banda de estas latiudes.

"Primer logotipo de Sepultura". 1984-1987
De: Photobucket (http://bit.ly/1QwhHxF)

El caso de Sepultura es único. Ni siquiera bandas de la talla de Rata Blanca o Hermética de Argentina, aún formadas durante los mismos años que los brasileños, llegaron a tener ese nivel de aceptación mundial que tuviera Sepultura, quienes pudieron participar en eventos como el "Monster of Rock" en Donington, UK, en 1994 con Pantera, o el conocido "Live at Barcelona" de 1991, del que fueran cabeza de cartel y luego se hiciera un DVD.

El nombre de "Sepultura " es tomado del tema "Children of the Grave" de Black Sabbath, banda que fuera gran influencia de los hnos. Cavalera en los inicios. Luego de la muerte de su padre y de la salida de ambos del secundario, deciden formar Sepultura. Por 1984 Sepultura estaba formada por Max como guitarrista, Igor en batería, el bajista Paulo Jr. y Wagner Lamounier en la voz, integrante que se fuera luego para fundar la banda Sarcófago. Por esta razón Max cambió al rol de vocalista, integrando a Jairo Guedz en la guitarra.


Recuerdo una entrevista realizada a Max, en la que dijo que en los inicios de Sepultura, mientras sus amigos lo invitaban a salir y a vagabundear él les contestaba que no podía porque estaba escribiendo cartas a sellos y radios para dar a conocer la banda. Y vaya si habrá dado resultado.

"Andreas Kisser, Igor Cavalera, Max Cavalera, Paulo Jr." (Fotografía).
1993. De: metal-tracker.com (http://bit.ly/1SDPx8s)

Los dos primeros álbumes de Sepultura fueron el "Bestial Devastation" y el "Morbid Visions", de 1985 y 1986 respectivamente. De sonido crudo y áspero, más inclinado al death que al thrash, Sepultura comenzó a abrirse camino en la escena local brasileña, llegando a telonear a Venom, banda que fuera una importante influencia del grupo en sus inicios. Luego de la primer gira y de cara a la grabación del siguiente álbum, "Schizophrenia" de 1987, el guitarrista Jairo se va de Sepultura tras perder el interés en el death metal. Allí es cuando ingresa Andreas Kisser, siendo esta la formación clásica de Sepultura hasta 1996 inclusive, con "Roots".

El sonido de Sepultura es un thrash metal áspero, con cambios de ritmos machacantes, con una voz cercana  al growling, sin llegar a serlo. Más inclinados al death y al black en sus inicios y luego más hacia el thrash en "Schizophrenia" y "Beneath the Remains", Sepultura cubrió todo el abanico posible de sonido extremo. "Arise" y más especificamente "Chaos A.D." ya mostraban una inclinación hacia el hardcore y metal industrial. Sólo una inclinación, ya que la base seguía siendo el thrash metal asesino que siempre los definió.

En cuanto a las influencias de Sepultura, encontramos a Black Sabbath, Motörhead y Venom. Muy epecialmente Venom, algo que la siguiente frase de Igor Cavalera deja en evidencia: "Recuerdo el día que escuché a Venom por primera vez en una cinta que me había prestado un amigo. Era muy parecido a Motörhead, pero un poco más violento. Una vez que descubrimos los demás trabajos de Venom dejamos de escuchar a Iron Maiden y a otras bandas ligeras"

Líricamente, Sepultura siempre trató la temática de la realidad brasileña, la pobreza, aunque nunca dejó de tratar aspectos de ocultismo y satanismo, tan usual en este género. Políticamente,canciones como "Anticop" o "C.I.U: Criminals In Uniform" muestran un rechazo a la jerarquía establecida y un fuerte sentimiento contra las fuerzas del orden, algo también usual en bandas de thrash.

Con la llegada de Kisser a la banda, Sepultura se embarca en grabar "Schizophrenia" en 1987. Andreas Kisser trajo experiencia y virtuosismo al grupo, ayudando en gran medida a redefinir y pulir la crudeza de Sepultura. Temas como "The Wall", o "Escape to the Void" son muestra de ello. En el "Beneath the Remains" de 1989, Sepultura se define claramente como un peso pesado dentro del metal internacional siendo ésta su época de oro, que continuase en absoluto vigor para su siguiente trabajo "Arise" de 1990 y "Chaos A.D." de 1993

"Paulo Jr., Igor Cavalera, Andreas Kisser,
Max Cavalera" (Fotografía). 1993. De: Running Wolf's Rant
(http://bit.ly/24ec0hm)

Sepultura continúa como tal hasta 1996, con la formación clásica de los hermanos Cavalera, Kisser y Paulo Jr. hasta el momento en que se genera un conflicto entre su manager, Gloria Cavalera, esposa de Max y el resto del grupo, teniendo que partir éste de la banda que formase en 1984 y de la que fuera el principal compositor y alma matter. Tras su partida, Sepultura trajo a Derrick Green en la voz, quién sigue al frente de los nuevos Sepultura. Igor Cavalera se va en el 2006 para unirse poco tiempo después con su hermano y formar Cavalera's Conspiracy, banda que visitara nuestro país, Uruguay durante 2015. En esos diez años en los que Max se va de Sepultura, formó los proyectos solistas Nailbomb, con quiénes hiciera sólo un disco y por otra parte, Soulfly.

Mención aparte merece la palabra "ZYON" que tiene Max tatuada en las 4  falanges de una de sus manos, que significa nada más y nada menos que el nombre de su hijo.Así mismo Max le quitó las cuerdas 1era. y 2da. a la guitarra ya que no las necesitaba para las bases rítmicas de Sepultura. Fue uno de los primeros en utilizar pantalones camuflados durante los años 90, algo de lo que luego se hicieran eco muchas bandas, incluso en la actualidad es muy común ver camuflados y árticos como atuendo de agrupaciones de metal. Algunas de tantas particularidades de este músico brasileño.

1993 - "Chaos A.D"

Arte de tapa: Michael Whelan (Diseño/Concepto)
"Portada de Chaos A.D.". 1993

Lista de temas:

1. Refuse/Resist (*) Escuchar
2. Territory (*) Escuchar
3. Slave New World (*) Escuchar
4. Amen
5. Kaiowas
6. Propaganda (*) Escuchar
7. Biotech Is Godzilla
8. Nomad (*) Escuchar
9. We Who Are Not as Others
10. Manifest
11. The Hunt
12. Clenched Fist (*) Escuchar




Disco de oro tras haber vendido 500.000 unidades en la primer semana de haber sido publicado, "Chaos A.D." es uno de los trabajos más importantes de "Sepultura" junto a su anterior "Arise". Alcanzó el puesto nro. 32 en el Ranking Billboard 200 y estuvo en la lista de los 10 más vendidos de Japón, Alemania entre otros países. Con arte de Michael Whelan, reconocido artista que trabajó con bandas como Obituary, Chaos A.D. es un disco descomunal de metal. Es a partir de este disco que comienzan a verse influencias de otros subgéneros, como el Groove y el Industrial, algo que despega a Sepultura de su etapa anterior. A su vez, la incorporación de ritmos tribales en varios temas, algo que continuaron haciendo en su siguiente trabajo, "Roots", dandole un toque único y original para una banda de Metal.

El disco abre con uno de los cortes de difusión, la conocida "Refuse/Resist". En el inicio se escuchan los latidos del corazón de Zyon, el hijo de M. Cavelera y Gloria, extraído de alguna ecografía. Tanto la intro como el Riff principal son memorables, tanto como sucede en temas como "Arise" o "Dead Embryonic Cells" del disco anterior. Un tema que trata en apariencia sobre una revuelta civil inminente, un estado de frustración y descontento, provocados por estados totalitarios, de gobiernos coruptos que hambrean a la gente. Si sabremos de eso en Sudamérica. "Chaos A.D. Tanks on the streets. Confronting police. Bleeding the Plebs. Raging crowd. Burning cars. Bloodshed starts. Who'll be alive?!"

Seguimos con el pegadizo Riff de "Territory", otro conocidísimo tema del álbum. El cambio de ritmo hacia la mitad del tema, luego del solo de Kisser y previo a "Years of fighting. Teaching my son" es absolutamente bestial. Territory es un tema para el que se hizo un video de MTV, con los 4 miembros del grupo en el barro, simbolizando quizás valores de resistencia y amor a la tierra. Mi interpretación del tema es que refiere a la conquista de territorio para parte de los grandes poderes económicos de siempre y a la resisitencia de los nativos que pretenden ser quitados del medio como basura. 

Otro tema brutal: "Slave New World", con la batería tribal clásica de Sepultura. Chaos A.D. es un disco que no da respiro en su totalidad. Estamos hablando de una de las bandas más influyentes de Thrash metal a nivel mundial, de la banda pesada de sudamérica más importante y en su pico absoluto de creatividad. A puro thrash metal, "Slave New world" trata sobre la esclavitud, sobre el "nuevo mundo esclavo", quizás en alusión al poder opresor de las corporaciones y el Nuevo Orden Mundial.

En "Amen", encontramos un Sepultura más denso, con mas Groove. La temática del tema es ambigüa. Por un lado podría estar reflejando el fundamentalismo religioso, tan vigente en estos días. Muerte masiva e inmolación, en el nombre de dios. "Let us die. You don't realize. This is the time. God's sacrifice". Por otra parte puede estar relatando una conocida tragedia en la que murieron más de 70 personas, entre ellas 21 niños, vivida por David Koresh. Un muy buen tema, con un gran Riff.

"Kaiowas" es un tema instrumental, con sonidos tribales en su totalidad, hecho con instrumentos muy poco usuales para una banda de estas caracteristicas, como el Tamborín y la Cuica y posiblemente el Berimbau. Fue grabado en un castillo en UK, para darle el sonido adecuado. Paulo Jr. fue el encargado de toda la percusión, junto a Igor. El tema está inspirando en una tribu india brasileña llamada Kaiowas, que vivieron en la selva. Cometieron suicidio colectivo como protesta contra el gobierno, que estaba intentando quitarle sus tierras y creencias.

En "Propaganda", vemos un Sepultura denunciando una vez más las mentiras del sistema, la maquinaria propagandística que forma opinión y manipula. "Don't, don't believe what you see. Don't, don't believe what you read. No!!! ". Gran tema, buenos solos de Kisser como de costumbre. El cambio de ritmo hacia la mitad es brillante, luego de una base de bajo. Mención aparte merece Igor Cavalera, uno de los mejores bateristas del género, que hace gala de su maestría a lo largo de todo el álbum.

"Biotech is Godzilla" fue armado luego de una conversación entre Max y Jello Biafra, cantante y activista político, quien ya tenía la letra hecha. De la conversación surgieron los lineamientos para hacer la música de este tema. Un tema mucho más rápido, que marca un regreso al thrash sin respiro del "Beneath the Remains". Un tema que refiere a la biotecnología y las mutaciones genéticas, temas tan vigentes al día de hoy. "Cut-throat corporations. Don't give a damn. When lots of people die. From what they've made" No critica a la tecnología, sólo menciona que está en las manos equivocadas. Sepultura se alínea a la teoría de que el Sida fue un virus creado por laboratorio. Jello Biafra, en la conversación que tuviera con Max le dijo que "...el presidente George W. Bush había enviado un grupo de científicos a Brasil para probar gérmenes y bacterias en seres humanos, y utilizarlos como conejillos de Indias. ". De: Wikipedia (https://es.wikipedia.org/wiki/Chaos_A.D.)

 "Nomad", ya tiene una esencia más Groove. Es un tema más despegado del Thrash y el Death de siempre de Sepultura. Con un buen juego de cambios de ritmos, comienza el tema con un Riff asesino, durante la letra. El tema refiere a una suerte de paria, un nómade que abandona la tribu. Una vez más, la temática de las tribus y la importancia de la pertenencia al grupo y a la tierra, la crítica descarnada y salvaje hacia gobiernos y corporaciones. "Who are you to criticize. To judge and burn the tribes. The world will be extinct. And your flesh will rot with mine"

"We who are not as others" es un tema extraño en cuanto a su letra, ya que solo dice eso a lo largo de toda la canción. Más allá de eso, un buen tema en gral., a tono con la calidad del disco.

"Manifest" habla de la masacre de Carandirú, el mayor centro penitenciario de Sudamérica, el 2 de Octubre de 1992. Llegaron al "Pabellón 9", más de 200 efectivos policiales, con helicopteros y abrieron fuego, como modo de eliminar sobrante de población carcelaria. La ciudad de San Pablo no puede controlar la brutalidad de su policía. El tema comienza con este relato hablado, con un sonido sucio, intercalado con sonidos industriales y percusión. El Riff que acompaña, es monstruoso. Luego de la base de bajo de Jr., Sepultura se despacha en pleno vomitando su repudio por el hecho.

"The Hunt" es un cover de una banda llamada "New Model Army". Sepultura estaba entre tres covers, uno de ellas era el "Crucificados pelo Sistema" de Ratos de Porão y el conocido "Policia", de Titãs. Igor era fan de New Model Army por lo que convenció al resto de incluirlo. La letra de "The Hunt" parece referir a un traficante, que esta siendo "buscado" por la familia de una de las victimas de la droga, hasta que al final es "cazado", de acuerdo al título, haciendo justicia por mano propia "And We Could Spent Our Whole Lives Waiting. For Some Thunderbolt To Come. And We Could Spent Our Whole Lives Waiting. For Some Justice To Be Done. Unless We Make Our Own"

"Clenched Fist", suena a Hardcore/Industrial con el uso de las típicas disonancias y armónicos del Industrial, alternado con ritmos tribales. Un gran tema en gral. "Expressing my agression. Through confusion
Face reality. Nothing is like it used to be" Un tema de rebeldía e incomprensión, de hastío por la vida. Un final muy apropiado para el disco.

La diversidad fue la clave del éxito para "Chaos A.D.". En cada canción se ve algo diferente, lograron trascender las etiquetas y qué se debe hacer y qué no. Sepultura hizo arte en este disco. "The Hunt" por ej. es una típica canción de heavy metal, mientras que Manifest y Clenched Fist por ejemplo son claros exponentes de metal industrial. "Biotech is Godzilla" es más punk/hard-core. "Refuse/Resist" bien podría haber sido creada por una banda death metal. "Nomad", por ej. nace como respuesta al "Sad Bad True" de Metallica, según el propio Andreas Kisser. En suma, un disco esencial de Metal de todos los tiempos, de esos de un grupo selecto de 5 con los que podría irse a una isla desierta.

Autor: Diego Sendra

e-mail: diebythesword76@hotmail.com

*La referencia al audio de Youtube que se hace de los temas 1,2,3,5,6,8,12 es con fines meramente ilustrativos. La música y letra de los mismos es Copyright (C) 1993 de su(s) respectivo(s) autore(s).

Créditos:

Publicado: 19 de octubre de 1993
Sello: Roadrunner Records
Productor: Andy Wallace
Música y letras: Sepultura
Grabación: Estudios Rockfield, Gales, Reino Unido
Arte de tapa: Michael Whelan (Diseño/Concepto)

Todas las canciones y música compuesta por Max Cavalera, Igor Cavalera, Paulo Jr. y Andreas Kisser, a excepción de "The Hunt", New Model Army (música y letras). Toda las letras escritas por Max Cavalera, a excepción de "Territory" y "Nomad", Andres Kisser (letras), "Slave New World", Evan Seinfeld (Letras), "Biotech is Godzilla", Jello Biafra (letras) y "The Hunt", Justin Sullivan (letras)
Arte de tapa: Michael Whelan (Diseño/Concepto) / Sepultura. (C) 1993 Copyright Roadrunner Records/ Sepultura.
 (C) Copyright 1993 Roadrunner Records/ Sepultura. Todos los derechos reservados

1967 - Cream - Reseña/Review de ''Disraeli Gears''

Lo bueno dura poco dice el refrán.
Sin dudas que este proverbio se aplica para la corta pero brillante carrera de Cream.
Ejemplo perfecto de Power Trio solo igualados por The Jimi Hendrix Expirience.
Sus dos años de carrera dejaron un legado invaluable que ha servido de influencia e inspiración a muchas bandas de rock y músicos de todo el mundo.
Virtuosísmo y excelencia define claramente a estos tres genios.
Con el ego por las nubes,no fue casualidad el nombre que escogieron.
Se consideraban ''La creme de la creme'' entre los músicos de Jazz y blues de la escena británica.


Se formaron en 1966 en Londres.
Ya por aquel entonces Eric Clapton era un respetado y reconocido guitarrista con pasajes brillantes por ''The Yardbirds'', cuna de guitarristas exquisitos y por la banda de John Mayall and The Bluesbreakers.
En el bajo y la voz estaba Jack Bruce y el baterista sería Ginger Baker.
Entre estos dos últimos  habían viejas rispideces cuando compartieron escenario con ''The Graham Bond Organisation'',pero Clapton insistió en que debían tocar juntos.

Luego del más blusero ''Fresh Cream'',álbum debut de 1966,la banda agrega a su estilo un tinte más psicodélico para su segundo trabajo de 1967.
En ese año Cream realizó su primera visita a los Estados Unidos en el mes de marzo para hacerse más conocidos.
Unos meses más tarde,más precisamente en Mayo,en la ciudad de Nueva York graban el impresionante ''Disraeli Gears'' en los estudios Atlantic.

Publicado en Noviembre de 1967 logró colocarse entre los 5 discos más vendidos a ambos lados del Atlántico.
Para este segundo disco no hay tantas versiones de viejos blues,incluyendo más piezas originales compuestas por la banda.
Sobre la base de rythm and blues utilizada para ''Fresh Cream'' ahora tenemos también más aromas psicodélicas e incluso por momentos  un sonido más cercano al  hard rock.

Cream : de izq.a der. Eric Clapton,Ginger Baker,Jack Bruce. Fotografía de thetrickmusic.com (http://bit.ly/1oglo4U)

Se sueltan al aire los primeros acordes del disco con ''Strange Brew'',que abre de manera excepcional este trabajo.
Ya se percibe,ya se huele en su primer canción que el estilo cambió con respecto a su primer álbum de 1966.
Excelente pieza de rock clásico con una base rítmica simple pero efectiva,con un solo de guitarra de Clapton desde el minuto 1'23'' para no perderse.
El tema habla sobre un hechizo que te persigue....''Strange Brew..Kill what's inside of you''.

A continuación una obra maestra del rock psicodélico de los Sesenta,un extracto en estado puro del rock de fines de esa década.
''Sunshine of your Love'' y su memorable Riff de apertura son inconfundibles.
Este riff fue creado por el bajista Jack Bruce al final de una intensa noche alcohol,LSD y mujeres después de haber visto tocar a Jimi Hendrix en Londres.
De ahi el nombre de ''Sunshine of your Love''.
Un tema espeso de rock ácido con un estribillo pegadizo y un solo de guitarra excepcional de Eric Clapton tocando en este caso una Gibson SG de 1964.

De tintes mucho más melancólicos es ''World Of Pain'' que con su letra gris transmite desesperanza y soledad.
Estupendo ambiente sonoro creado por Cream para esta canción donde se alternan las voces,de Clapton primero usando sus efectos de wah-wah en las cuerdas y luego los coros de Jack Bruce creando ese magnífico contraste de voces.
''Dance The Night Away'' contiene también un paisaje sonoro muy particular que ilustra las letras de esta canción pergeniadas en un viaje de ácido.
Con los destellantes y luminosos acordes de guitarra y efectos de percusión de Ginger Baker.
Letras de estilo poético de la época a temática fantástica sobre visiones psicodélicas con frases que lo ejemplifican : ''Goner build myself a castle, High up in the clouds...'' o ''Sail into the blue,live with golden swordfish,Forget the time of you''.

''Blue Condition'' escrita y cantada por el baterista de la banda,Ginger Baker funciona con su ritmo cansino como una especie de pausa.
Con una interesante letra abierta a la interpretación,esta habla acerca de reflexionar sobre los caminos que se han de tomar en el transcurso de la vida.

Otro viaje lisérgico por excelencia es ''Tales Of Brave Ulysses''.
Con una letra estupenda basada en las aventuras de Ulises u Odiseo,héroe de la mitología griega y personaje de la Ilíada.
Existe un pasaje de esta aventura en la que Ulises se topa con las sirenas que te hechizan al oír su dulce canto.
Este pasaje esta descrito en esta canción.
Esta letra hipnótica fluye a través de los caminos que se van abriendo en aguas imaginarias por el magnífico sonido logrado por el wah-wah de Eric Clapton.

''SWLABR'' es en realidad una sigla...''She Walks Like A Bearded Rainbow''.
Uno de los mejores temas del disco,con una energía abrumadora.
Psicodelia en su máxima expresión,me hago eco de la letra al escucharla....''So many fantastic Colours,I Feel in Wonderland,...Many Fantastic Colours,Makes Me feel so Good...''.

''We're Going Wrong'' es otra pieza más lenta cargada de dramatismo con una excelente tarea en batería de Ginger Baker,mientras Clapton suelta al principio un acorde repetitivo.
Lo mejor queda para el final con un despliegue de guitarra memorable.
Ahora llega la versión del blues ''A lo Cream'' re-versionando la vieja ''Outside Woman Blues''.
Tema compuesto e interpretado originalmente por el cantante y compositor de Louisiana Blind Joe Reynolds,quien se había quedado ciego a causa de un disparo de escopeta.
Con los arreglos a cargo de Eric Clapton este es un tema de los que más me gusta de toda su carrera.

''Take It Back'' es otro homenaje a la vieja música americana,donde no falta ni la harmónica.
En la voz de Jack Bruce.
Cierra el albúm '''Mother's Lament'' casi a capella con solo un piano de fondo acompañando.
Un tema que habla acerca de un niño pobre desaparecido.
En suma,uno de los mejores discos de rock de los sesenta y una de las mejores expresiones de lo que significa con todas las letras un Power Trío.

Portada de ''Disraeli Gears'' (1967)

Lista de Temas :

1- Strange Brew (*)Escuchar

2- Sunshine of your Love (*)Escuchar

3- World Of Pain

4- Dance The Night Away

5- Blue Condition

6- Tales of Brave Ulysses (*)Escuchar

7- SWLABR (*)Escuchar

8- We're Going Wrong (*)Escuchar

9- Outside Woman Blues

10-Take It Back

11-Mother's Lament

Autor: Rodrigo Praderi

e-mail: roprado-8@hotmail.com

*La referencia al audio de Youtube que se hace de los temas 1,2,6,7 y 8 es con fines meramente ilustrativos. La música y letra de los mismos es Copyright (C) 1967 de su(s) respectivo(s) autore(s).

Créditos:

Publicado: 2 de Noviembre de 1967.
Sello: Reaction (Reino Unido),ATCO (EEUU)
Productor: Felix Pappalardi
Música y letras: Cream.

Grabación: Mayo de 1967 (Nueva York)



Todas las canciones escritas y compuestas por (Bruce,Brown),excepto track 1 (Clapton,F.Pappalardi,Gail Collins Pappalardi),track 2 (Clapton,Bruce,Brown),track 3 (Pappalardi,Gail Collins),track 5 (Ginger Baker),track 6 (Clapton,Martin Sharp),track 8 (Bruce),track 9 (Blind Joe Reynolds,arreglos;Clapton),track 11 (Tradicional,arreglos;Cream), (C) 1967. Copyright Reaction/Atco. Records / Cream

(C) Copyright 1967 Reaction,ATCO Records. Cream. Todos los derechos reservados.

1971 - Deep Purple - Reseña/Review de ''Fireball''

Siempre voy a tener una gran debilidad por esta legendaria banda británica.
Cuando uno se refiere a Deep Purple en realidad esta hablando de varias bandas a la vez,ya que los cambios que se han producido a lo largo de su historia no son datos menores.
Cambios en la agrupación por supuesto,pero cambios en el estilo también.
Desde sus primeros discos en los años sesenta,que sonaban a pop-rock y psicodelia hasta hoy en día que se los ve un tanto desgastados lo constante ha sido siempre el cambio.
Ahora bien,no se puede negar que lo primero que se le viene a la cabeza a uno cuando piensa en Purple es el maravilloso y tan corto período de tiempo del Mark II en los setenta.

Las distintas formaciones de la banda se reconocen por el número de mark,siendo el mark II la formación más legendaria que estaba conformada por Ian Gillan en la voz,John Lord en los teclados,Ritchie Blackmore en la guitarra,Roger Glover en el bajo e Ian Paice en la batería.
Con esta alineación grabaron el ''Concerto From Group and Orchestra'',obra de fusión entre el Heavy metal y hard rock con la música clásica que incluyó a la filarmónica de Londres y cuatro discos de estudio excepcionales que fueron lanzados entre 1970 y 1973.

Uno de estos cuatro Lp's es el estupendo ''Fireball'' de 1971.
Posterior al monstruoso ''In Rock'' y antecesor de la obra cumbre ''Machine head'' este disco no tiene esos reconocimientos pero no deja de ser otra obra maestra mis amigos.
Quizas ese sea su único pecado : haber quedado en medio de dos gigantes.
Yo no le quito méritos en lo absoluto,es más,está al mismo nivel que sus hermanos.
Un disco que nos permite apreciar el virtuosismo de cada artista por separado y del conjunto también que generan esas canciones completas,plagadas de excelencia en cada instrumento tocado y que se combinan de forma fantástica haciendo de cada pieza de este álbum un clásico de la banda.

El disco no tiene desperdicio alguno,al contrario nos deja la sensación de que es demasiado corto.
Demasiado corto como el período de apogeo del mark II,que duró tan pocos años pero que dejó estos verdaderos clásicos de los pioneros del Heavy Metal.
Ya la reunión en los ochenta de esta formación para la grabación del disco ''Perfect Strangers'' de 1984 no fue lo mismo.

El disco ''Fireball'' se empezó a componer y  grabar en Setiembre de 1970 y fue lanzado al mercado en Junio de 1971.
Logró llegar al puesto Número 1 en Gran Bretaña.
Producido por la propia banda y acompañados por Martin Birch,quien realizó la mezcla como ingeniero de sonido.

Deep Purple : de izq. a der. Roger Glover,Ritchie Blackmore,Ian Gillan,John Lord,Ian Paice

Para la promoción de este disco previamente se lanzó un single que fue un éxito total y que se transformara en Smash hit,hablamos de ''Strange Kind Of Woman''.
Una de las mejores canciones de la banda,muy rockera,que habla sobre una prostituta y que fue acompañada como single por su cara B ''I'm Alone''.
Fue incluída en la versión americana del disco.
Vamos a reseñar la versión europea de Fireball,que de hecho es la versión original del álbum.

Menos crudo,menos pesado que ''In Rock'',pero más versátil sin duda el disco arranca a todo vuelo con la incandescente ''Fireball'' y el efecto de sonido inicial que parece un elevador,añadido por el ingeniero de sonido Martin Birch.
La canción arranca con una batería sobervia a una altísima velocidad,inusual para le época incluso.
El riff de guitarra corto y repetido se suma junto al órgano,con un ritmo electrizante.
Impresionante exposición de Ian Gillan con sus memorables cambios de registro en el tono vocal.
Con letra oscura que habla de una mujer con un encanto mágico,de origen desconocido  y abrasador que te hechiza como si fuera una bola de fuego.

Seguimos con ''No No No'' de espiritú blusero con dos solos excelentes en una misma canción.
El primero de guitarra a cargo de Ritchie Blackmore donde se aprecian claramente las influencias de Jimi Hendrix en sus acordes.
Luego un magnífico solo de órgano por parte del habilísimo John Vernon Lord.
Un tema donde se percibe claramente el talento de estos artistas.
''Demon's Eye''tema clásico de Deep Purple con su riff demoníaco y repetitivo que se mete en tu cabeza al instante.
Tema sobre una chica astuta como el ojo del demonio : Sly sly Like a Demon's Eye....

''Anyone's Daughter'' evidentemente se sale de las coordenadas sonoras de la banda aportando un sonido diferente de estilo country americano.
Sus suaves acordes y el ritmo de la pandereta de Ian Paice sirven de escenario imaginario a esta historia que habla sobre una chica de campo.
Acompaña este ritmo granjero un piano muy elegante.

Otro clásico es ''The Mule'',más reconocida por su versión en vivo del demoledor ''Made In japan''.
El tema es famoso en esa versión por el tremendo solo de batería ejecutado por Ian Paice.
la verdad es que no se parece  mucho la versión de estudio incluída en Fireball,pero les debo confesar que me gusta más que la versión en vivo.
Los platillos iniciales crean un suspenso que se quiebra con el primer acorde de guitarra,se adosan el bajo y el órgano y luego la guitarra escupe como fuego ese riff infernal engendrado como si fuera una pócima mágica por el brujo vestido de negro.
La letra acerca de Lucifer y a la perdición que te lleva el escuchar a la mula que inserta el mal en tu mente.
La batería lleva el mando con una energía sobrenatural acompañada luego por los soberbios acordes distorsionados que le dan un clima muy particular a esta excelente pieza.

''Fools'' es otra gran canción con varios ambientes sonoros,una intro lenta con órgano,una parte más pesada al estilo del disco anterior y un pasaje de tipo orquestal,más parecido al rock sinfónico.
El tema es acerca de un hombre que muere y ve la estupidez del hombre al desnudo.
El disco se cierra con ''No One Came''.
Con Ian Gillan cantando con un estilo irónico le da cuerpo a la letra hilarante del tema ''No one came for miles around,and said man your music is really funky''.
Otro tema poosedor de otros dos geniales solos de guitarra y órgano.
Que más decir,simplemente otra obra maestra de Deep Purple,un clásico del Hard Rock y Heavy Metal de los setenta.

Lista de temas :

1-Fireball (*)Escuchar
2-No No No

3-Demon's Eye (*)Escuchar

4-Anyone's Daughter

5-The Mule (*)Escuchar

6-Fools

7-No One Came (*)Escuchar

Autor: Rodrigo Praderi

e-mail: roprado-8@hotmail.com

*La referencia al audio de Youtube que se hace de los temas 1,3,5 y 7 es con fines meramente ilustrativos. La música y letra de los mismos es Copyright (C) 1971 de su(s) respectivo(s) autore(s).

Créditos:

Publicado: Julio de 1971 (EEUU), Setiembre de 1971 (Reino Unido).
Sello: Harvest/Warner Bs.
Productor: Deep Purple
Música y letras: Deep Purple
Ingeniero de sonido : Martin Birch.
Grabación: Setiembre de 1970 a Junio de 1971.



Todas las canciones escritas y compuestas por Blackmore/Gillan/Glover/Lord/Paice (C) 1971 Copyright Harvest/Warner Bros. Records / Deep Purple.

(C) Copyright 1971 Harvest/Warner Bs / Deep Purple. Todos los derechos reservados.

1968 - Canned Heat - Reseña/Review de ''Boogie With Canned Heat''

Hoy dedicaremos esta columna a una banda que ha quedado olvidada en el tiempo.
Una banda fiel a su estilo,que mantuvo siempre sus características casi sin modificar,y que se basaban en la adoración y el continuo homenaje al blues y al boogie.
Detrás del aspecto desaliñeado de sus integrantes que parecían un grupo de granjeros por el que nadie daría ni un centavo,se escondían unos talentosos músicos por los que corría blues en estado puro por sus venas.

Mantuvieron siempre un respeto absoluto por el viejo blues y el boogie,rindiéndole culto a los artistas antiguos,llegando incluso a grabar un álbum junto al legendario John Lee Hooker.
El nombre del grupo fue inspirado por un viejo blues de Tommy Johnson llamado ''Canned Heat blues''.
Se formaron en 1965 en Los Angeles,California y fue luego de su presentación en el ''Festival Pop of Monterrey'' donde se hicieron conocidos,en el año 1967.

También tuvieron una gran presentación dos años más tarde el Festival de Woodstock,donde ejecutaron una memorable actuación que incluyeron temas como ''On The Road Again'' o ''A Change Is Gonna Come''.
Canned Heat son sin dudas una de las bandas estadounidenses que mejor fusionó el Rock con el blues y el folk sureño,a la altura de bandas como los Creedence Clearwater Revival y The Byrds.

La banda en 1968 para la grabación de este disco estaba formada por Alan Wilson,guitarrista y cantante.
Bob ''The Bear'' Hite como otro vocalista,Larry Taylor en el bajo,Henry Vestine en guitarra,que había tocado en la banda de Frank Zappa ''The Mothers of Invention'' y el mexicano Adolfo ''Fito'' De La Parra que suplantó en 1968 a Frank Cook.

Lamentablemente Alan ''Blind Owl'' Wilson murió en 1970 por una sobredosis en un contexto de suicidio,ya que era sabido que Alan sufría de depresión.muchas veces reactiva al poco éxito que tenía con las chicas.

Canned Heat de izq. a der. Adolfo De La Parra ,Bob Hite,Alan Wilson,Larry Taylor y Henry Hite
de teamrock.com (http://bit.ly/1mmsbbq)

''Boogie With Canned Heat'' fue el segundo disco de estudio de la banda,publicado en Enero de 1968.
Luego de su novedosa aparición en el Pop Festival Of Monterrey lograron lanzar su primer álbum en 1967,titulado simplemente ''Canned Heat''.
Un disco que prácticamente en su totalidad incluye versiones de viejos blues y boogies de legendarios artistas del género.
Para este segundo trabajo ya tenemos varias creaciones originales de la banda,nunca saliendo del estilo aguerrido y fiel que les marcaron genios como Muddy Waters o John Lee Hooker para nombrar un par de ejemplos.

Hablemos un poco de los temas más destacados de este trabajo.
El disco inicia con un gran blues clásico,escrito por el compositor americano oriundo de Nueva Jersey,Larry Weiss.
La canción se llama ''Evil Woman''.
En la voz del oso Bob Hite se revive este clásico con una harmónica marcando el ritmo y con la guitarra de Henry Vestine,que se luce al máximo.
''My Crime''está hecha sobre la base rítmica de uno de los temas de la leyenda del blues Muddy Waters.ese tema es ''Hoochie Coochie Man''.
Otro blues en estado puro cantado por Bob Hite,con una exposición excelente en la guitarra eléctrica a cargo de Henry ''Sunflower'' Vestine.

El tema más conocido y que mayor éxito tuvo fue ''One The Road Again''.
Tema que fusionó al sonido característico de Canned Heat un poco de psicodelia,tan de moda en ese año.
Ejemplo de esto es el sitar con que se abre la canción.
Un tema con un ritmo denso y más rápido adornado por excelentes acordes de guitarra y bajo,junto con la harmónica,la cual tiene un protagonismo sobresaliente.
Esta vez entona el tema con su falsete y tono más suave de voz Alan ''Blind Owl''Wilson.
La letra del tema es del blusero Floyd Jones,a la cual Alan Wilson agregó unas estrofas adicionales.
Sin lugar a dudas un tema simbólico del rock americano de la segunda parte de los sesenta,que según marca la historia sonaba por aquella época en todas las estaciones de radio de los Estados Unidos.

Otro destacado del álbum es ''Amphetamine Annie''
Como bien dice la letra esta es una canción con un mensaje.
Advierte sobre el uso abusivo de anfetaminas,pastillas que matan,mucha velocidad te puede matar.
La base rítmica de ''Amphetamine Annie'' es de un tema del viejo blusero Howlin Wolf.

El disco se cierra a todo boogie con un tema extra-largo de once minutos que la verdad no tiene desperdicio.
Hablamos de ''Fried Hockey Boogie''.
Se puede apreciar aquí toda la destreza y virtuosismo de los componentes de Canned Heat.
Bob Hite aparece como una especie de presentador,anunciando a cada uno de sus compañeros, quienes van desarrollando uno por uno sus solos.
Este tema es excelente ya que define el estado natural de la banda y su estilo propio.
Simplemente agregar que es una lástima que bandas de esta categoría vayan quedando olvidadas con el paso del tiempo,desde aquí nuestro homenaje....

Portada de Boogie With Canned Heat (1968)

Lista de Temas :

1- Evil Woman (*)Escuchar

2- My Crime (*)Escuchar

3- On The Road Again (*)Escuchar

4- World In A Jug

5- Turpentine Moan

6- Whiskey Headed Woman N*2

7- Amphetamine Annie (*)Escuchar

8- An Owl Song

9- Marie Laveau

10-Fried Hoockey Boogie (*)Escuchar

Autor: Rodrigo Praderi

e-mail: roprado-8@hotmail.com

*La referencia al audio de Youtube que se hace de los temas 1,2,3,7 y 10 es con fines meramente ilustrativos. La música y letra de los mismos es Copyright (C) 1968 de su(s) respectivo(s) autore(s).

Créditos:

Publicado: 21 de Enero de 1968.
Sello: Liberty Records.
Producción: Saltor Taylor y Dallas Smith.
Música y letras: Canned Heat.

Todas las canciones escritas por Canned Heat,excepto Track 1 escrito por Larry Weiss,Track 3 escrito por Floyd Jones y Alan Wilson,Track 6 escrito por Bob Hite,Track 8 escrito por Alan Wilson,Track 9 escrito por Henry Vestine y Track 10 escrito por Larry Taylor.
(C) Copyright 1968 Liberty Records. Todos los derechos reservados.

Los 20 Mejores Discos de Rock de los Sesenta

A modo de celebración por el primer año
de vida de La Columna del Rock,quise compartir con ustedes los que en mi opinion son los 20 mejores discos de Rock de la década de los Sesenta.
Obviamente que es imposible resumir en 20 discos a la más rica época del rock,pero quizas estos discos puedan simbolizar todo lo que representó esa maravillosa generación.
Aclaro también que es sólo mi opinion personal basada en mis gustos y que de ninguna manera intenta ser una verdad absoluta.


Dejemos las palabras de lado y vamos con el conteo,espero lo disfruten (Rodrigo Praderi) :

20 - 1965 The Byrds ''Mr Tambourine Man''

19 - 1969 Jethro Tull ''Stand Up''

18 - 1969  Santana ''Santana''

17 - 1969 Creedence Clearwater Revival ''Green River''

16 - 1967 The Doors ''Strange Days''

15 - 1967 Jefferson Airplane ''Surrealistic Pillow''

14 - 1967 The Velvet Underground and Nico ''The Velvet Underground and Nico''

13 -1968  The Rolling Stones ''Beggars Banquet''

12 - 1968 Led Zeppelin ''Led Zeppelin ''

11 - 1967 Cream ''Disraeli Gears''

10 - 1965 The Beatles ''Rubber Soul''

9 - 1969 - The Rolling Stones ''Let It Bleed''

8 - 1969 Led Zeppelin ''Led Zeppelin 2''

7 - 1967 The Jimi Hendrix Expirience ''Are You Experienced ? ''

6 - 1969 The Beatles ''Abbey Road''

5 - 1967 Pink Floyd ''The Piper At The Gates Of Dawn''

4 - 1969 The Jimi Hendrix Expirience ''Electric Ladyland''

3 - 1966 The Beatles ''Revolver''

2 - 1967 The Doors ''The Doors''

1 - 1967 The Beatles ''Sgt Peppers Lonely Hearts Club Band''

Autor: Rodrigo Praderi

e-mail: roprado-8@hotmail.com

1986 - Megadeth - Reseña/Review de "Peace Sells... But Who's Buying?"

Originaria de Los Angeles, California, Megadeth es formada en 1983 por Dave Mustaine luego de su expulsión de Metallica por problemas de drogadicción y permanentes disputas con James Hetfield. En palabras de Dave, el nombre nace de un panfleto que encontrara el propio Mustaine en una terminal de autobus del senador californiano Alan Cranston, que decía: "The arsenal of megadeath can't be rid no matter what the peace treaties come to".  Para más detalles sobre la historia, formación y primeros trabajos, ver link a continuación - 1990 - Megadeth - "Rust in Peace" 

Por aquellos años Megadeth estaba en permanente turbulencia, musical y emocionalmente hablando, lo que es notorio en la autobiografía de D. Mustaine, “Mustaine: A Heavy Metal Memoir”, de 2011. Problemas de todo tipo, económicos, locativos, de abuso de alcohol y de drogas, entre otros. La escena Thrash de La Bahía de San Francisco se estaba definiendo, y la pugna por quién iba a ocupar el lugar de privilegio dentro de los "Grandes 4", era feroz. También esa situación sirvió como caldo de cultivo para dar vida a los mejores discos de Thrash de esos años.

"Chris Poland, Dave Mustaine, Gar Samuelson
David Ellefson (Fotografía)". 1986. De: La Jukebox
(bit.ly/1QWqpKo)

Los cambios a nivel de formación iban a venirse luego de la grabación del segundo disco, "Peace Sells... But Who's Buying?", álbum del que nos vamos a ocupar en esta ocasión, esencialmente en cuanto a guitarristas y bateristas, algo que ha sido una constante en la agrupación, incluso hasta el día de hoy. Fue recién en 1990 que Megadeth encuentra su formación definitiva con M. Friedman y N. Menza, por lo menos durante los siguientes 11 años. Es así que por 1985, con Chris Poland y Gar Samuelson, en guitarras y baterías respectivamente, junto a D. Mustaine y D. Ellefson en voz y guitarras, graban el álbum debut. Pero Mustaine, conflictivo y ambicioso como es, no encontró en "Killing Is My Business... And Business Is Good!", el arma letal con la que derrocar a Metallica. Recordemos que era rencor lo que encendía a Dave durante esos años, y sed de venganza hacia sus anteriores compañeros de grupo, “Metallica” de donde fuese echado sin segundas oportunidades.
 
Es así que Megadeth vuelve a la carga en 1986, con un disco feroz y salvaje. Uno de los mejores discos de la banda junto a “Rust in Peace” y “Countdown to Extinction”. Un trabajo agresivo, intenso y oscuro. Esencial.

Este segundo trabajo vino a consolidar igualmente el logo de la banda, al igual que su mascota Vic Rattlehead, que tiene una apariencia mucho más politizada y “mundana” en esta portada que la que tuviese en el primer álbum. Así mismo, "Peace Sells... But Who's Buying?" vino a definir para siempre la temática de Megadeth, con ese tinte político y anárquico imponente, anti-sistémico, mostrando igualmente la visión de la banda por los temas nucleares y de contaminación ambiental.

Recuerdo a Lars Ulrich decir en una entrevista: “No recuerdo haberle prestado atención al primer disco, pero cuando "Peace Sells" se publicó en el “86, me dejó impresionado. Ese era el estilo que me gustaba. Literalmente, llegó a convertirse en mi disco favorito durante mucho tiempo". Pequeña gran batalla vencida para su líder, quién todo lo hacía como una afrenta hacia Metallica, más allá del amor por la música y el Thrash Metal, estilo del que fuese pionero absoluto. 

 1986 - Megadeth - "Peace Sells... But Who's Buying?"

Arte de tapa: Ed Repka (Diseño/Ilustración).
D. Mustaine, Andy Somers (Concepto).
"Portada de Peace Sells... But Who's Buying?". 1986.

El segundo trabajo de Megadeth, uno de lo más icónicos y representativos del grupo, alcanzando el puesto nro. 76 durante la primera semana de lanzado, en el ranking "Billboard 200"de 1986.

Disco que los embarcó, igualmente, en una importante gira promocional

Imposible olvidar aquél invierno de 1995 cuando compré este disco en una conocida disquería de Montevideo, ya inexistente. No conocía de la existencia de “Rust in Peace” aún, pero este disco fue uno que me marcó para siempre, como el “Reign in Blood” de Slayer, y otros. Un disco realmente intenso, imponente.

Comienza con “Wake Up Dead“, tema del que se hiciese un conocido video clip en el que se muestra a la banda en una suerte de jaula, tras un enrejado con cientos de fans afuera. Un tema que trata sobre la infidelidad. “I creep in my bedroom, I slip into bed, I know if I wake her, I'll wake up dead”. El tema refiere a una supuesta infidelidad del cantante hacia una pareja con la que vivía. En este tema antes del cambio de ritmo, se menciona a una tal “Diana”, por lo que se asume era con quién le fue infiel o quizás la pareja. El tema se compone de varios riffs y cambios de ritmo, y varios solos casi desde el primer momento que termina la parte vocal, la que es escasa, dando mayor énfasis al trabajo de guitarras y al virtuosismo en gral. de la banda. Excelente tema y excelente comienzo de disco.

Lista de temas:

1. «Wake Up Dead» (*) - Escuchar
2. «The Conjuring» (*) - Escuchar
3. «Peace Sells» (*) - Escuchar
4. «Devil´s Island»
5. «Good Mourning/Black Friday» (*) - Escuchar
6. «Bad Omen»
7. «I Ain't Superstitious»
8. «My Last Words» (*) - Escuchar


Seguimos con “The Conjuring”, un tema con un comienzo basado en armónicos naturales, que son parte inclusive del Riff principal. “Welcome to our sanguinary sect of worship, Feel at home in our black conventicle, As we anathematise, All of those who oppose us”, un tema que ya Megadeth no suele tocar en vivo desde la conversión al cristianismo de Mustaine hace unos años, ya que el mismo describe un ritual de brujería, de acuerdo a sus palabras. Excelente de principio a fín, muy violento. La batería de Samuelson, machacante. El cambio de ritmo del minuto 2.45 es descomunal.

“Peace Sells”, el track 3, deja claro por qué fue elegido como el tema que da nombre al disco. Un tema controversial,  anti-político, anti-sistémico por excelencia, en el que Dave refleja su rechazo por el sistema de gobierno de los Estados Unidos. Un tema consistentemente usado en vivo por la banda, de cara al cierre de cada show, previo a “Holy Wars”. Un tema coreado por miles de fans en todo el mundo, y uno de los más conocidos y celebrados. El bajo de D. Ellefson abre esta pista, para dar paso al Riff ASESINO de “Peace Sells” y su alternancia de solos y leads. 

“Peace Sells” da paso a la cabalgata de “Devil’s Island”. Un tema que cuenta la historia de un prisionero atrapado en la “Isla del Diablo”, en clara alusión al famoso centro de detención de la Guyana Francesa, en el que es sabida la brutalidad con la que se trataba a los presos. El breve puente de bajo de Ellefson, da paso a una ráfaga de thrash metal que no da respiro, como todo el disco en general.

Y si de no dar respiro hablamos, qué decir de la siguiente pista, “Good Mourning / Black Friday”. Con un tímido y engañoso comienzo acústico, uno piensa que Megadeth había incluído una balada para crear una suerte de pausa. Nada más lejos de la realidad, hacia el minuto 1.16, una cascada de solos dan el marco perfecto para el inicio de unas palabras casi susurradas... “Hey, I don't feel so good.  Something's not right, Something's coming over me What the fuck is this?” y el grito final de “No!”. Un tema que describe los crímenes de un asesino en serie, con líricas explícitas y de enorme violencia. Un tema esquisítamente enfermo. “Their bodies convulse, in agony, and, pain. I mangle their faces, till no features remain. A blade for the butchering, I cut them to shreds. First take out the organs, then cut off the head.”. Brutal, y el Riff debajo de esto es monstruoso.

“Bad Omen”, el tema siguiente, otro tema obsceno, de magia negra y rituales, que hace todo tipo de apología al mal. “Drinking, dancing, They worship, and toast. The devil, who's watching, With demon's remote. Fire, rising, Racing in your blood.”. El cambio de ritmo hacia el minuto 2.47, luego de gritar “Bloody Blasphemy”, es imponente. Se está toda la primera parte del tema esperando por este momento.

Cover de Willie Dixon, “I Ain’t Superstitious”, el siguiente tema, es el único momento disonante, flojo del disco a mi criterio. “Anarchy in the UK”, cover de los Sex Pistols que se incluye en su siguiente álbum, es infinitamente superior, versionado como thrash. 

Cierra este álbum, “My Last Words”, un tema que muestra a Megadeth en un pico de creatividad enorme, algo que supieron mantener a lo largo de toda su carrera, incluso hasta el día de hoy. Al grito de: "Place the piston down, Now give the gun a spin.  Soon as the spinning stops,  Oh no, the game starts in.", "My Last words" cuenta la historia del terror psicológico que vive este jugador de ruleta rusa descrito en la canción. El cambio de ritmo, una vez más y como tantos en este disco, es apoteósico. 

Un disco de enorme virtuosismo, ambicioso, que reflejó claramente lo fuerte que Megadeth quería pisar en la escena Thrash y cómo quería convertirse en la banda referente del género. Que más decir, un disco breve, de menos de 40 minutos y a la vez eterno.

Autor: Diego Sendra

e-mail: diebythesword76@hotmail.com

*La referencia al audio de Youtube que se hace de los temas 1,2,3,5 y 8 es con fines meramente ilustrativos. La música y letra de los mismos es Copyright (C) 1986 de su(s) respectivo(s) autore(s).

Créditos:

Publicado: 20 de julio de 1986
Sello: Capitol Records / Combat Records
Productor: Dave Mustaine y Randy Burns
Música y letras: Megadeth
Grabación: 15 de Febrero - 20 de Marzo, 1986
Arte de tapa: Ed Repka (Diseño/Ilustración), D. Mustaine, A. Somers (Concepto)

Todas las canciones, música y letras, escritas y compuestas por Dave Mustaine, a excepción de "I aint' superstitious", Willie Dixon (música y letras)
Arte de tapa: Ed Repka (Diseño/Ilustración) / Megadeth. (C) 1986 Copyright Capitol Records / Combat Records/ Megadeth.
 (C) Copyright 1986 Capitol Records / Combat Records/ Megadeth. Todos los derechos reservados

1991 - Pearl Jam - Reseña/Review de ''Ten''

Existen discos que marcan décadas y generaciones.
En mi opinion los inicios de los noventa nos dieron la última gran camada de discos de rock.
Sin duda que mucho que ver en esta revolución musical tuvo el movimiento Grunge.
Hasta esos momentos ignorados en el mundo y con su trinchera enmarcada en plena ciudad de Seattle,este movimiento se hizo conocer rugiendo rebeldía y frustración en sus canciones.

Nirvana fue el que logró masificar el Grunge con su obra cumbre de 1991 ''Nevermind''.
Muchas bandas se vieron beneficiadas por esta repentina popularidad como fue el caso de Mudhoney,Alice In Chains,Soundgarden y porsupuesto Pearl Jam.
Si tuviera que elegir los tres discos que mejor representan este estilo escogería ''Nevermind'' de Nirvana,''Dirt'' de Alice In Chains y ''Ten'' de Pearl Jam.

Quizás sin el sonido tan sucio de Nirvana o sin la fiereza casi animal de los Alice In Chains,Pearl Jam marcó su personalidad dentro del género alternativo.
Con un sonido más elegante,trazos más elaborados de guitarra y la potente y genial voz de Eddie Vedder Pearl Jam se re-inventó como banda ya que algunos de sus integrantes formaron viejas bandas de Grunge de la escena de Seattle.
Cuando Vedder escuchó los demos con la base instrumental,agregó a estas las letras que fueron todas escritas de su puño y letra.

Letras fuertes,directas de temáticas escabrosas como el incesto,el suicidio o la indigencia.
Letras que caracterizan al Grunge y que son generalmente transmitidas a través de voces fuertes pero de tono melancólico y rebelde.

El bajista Jeff Ament y el guitarrista Stone Gossard de largas trayectorias en bandas pioneras del Grunge de Seattle como ''Green River'' que existió hasta 1987 y luego la formación ''Mother Love Bone'' que debió separarse a raiz de la muerte de su vocalista,Andrew Woods por sobredosis.
Es entonces que se les une Eddie Vedder como vocalista,el guitarrista Mike Mc Cready y el baterista Dave Krusen para formar Pearl Jam en 1990.

El nombre Pearl Jam fu elegido en honor a un jugador de la NBA que la banda admiraba cuyo nombre era Mookie Blaylock.
El nombre del disco ''Ten'' hace alusión al número que llevaba en el dorso este jugador.

''Ten'' fue lanzado al mercado el 27 de Agosto de 1991 por el sello Epic.
Cargado de himnos este trabajo forma parte de ese grupo selecto de los mejores albumes de la década de los Noventa.

Pearl Jam (fotografía) de izq. a der. Stone Gossard,Mike Mc Cready,Jeff Ament,Eddie Vedder y Dave Krusen de skyethelimit.com   (http://bit.ly/21Kerut)

''Once'' abre este maravilloso trabajo.
Inicia con algunos efectos de sonido para disparar luego el riff central del tema que tiene un dejo arábico en sus acordes al que prosigue el estribillo ''Once upon a time...I could control myself ...Once upon a time ...I could lose myself...''.
La letra es acerca de un individuo que pierde el control y provoca una matanza con su rifle calibre 16..
''I got a 16 gauge buried under my clothes''

Llega un clásico de la banda y del rock alternativo de los Noventas.
Con sus guitarras rockeras ''Even Flow'' hace su entrada.
Eddie comienza a entonar las estrofas con su desgarrante y firme voz.
Un tema que habla acerca de la gente que vive en situación de calle...''Freezin' rests his head on a pillow made of concrete''.
A partir del minuto 2' 50'' se aprecia un pasaje sonoro más heavy a cargo de las guitarras.

Otro tema impresionante,inconfundible por su apertura de guitarras es ''Alive''.
Tema que a pesar de su increíble energía sonora,atrapa en su interior una historia oscura acerca del incesto y de no conocer al padre natural.
Si bien no es una canción autobiográfica esconde mucho del pasado de Eddie Vedder.
Quien supo que el hombre quien vivía con su madre no era su padre a la edad de 17.

''Why Go'' arranca de la mano de las guitarras y la batería.
Con un buen riff bien pesado,simple pero efectivo el tema fluye mientras Eddie susurra ''Why Go Home ? What you taught me...put me here ...Don't come visit mother''
Letra que cuenta la historia de una chica que se encuentra internada en un hospital psiquiatrico.
Me queda decir de esta canción que en muchos momentos las guitarras me hacen acordar mucho a Jane's Adiction.

De ritmo más calmo llega ahora la excelente ''Black''.
Hermoso tema de un amor pasado,donde al final de la canción la melodía se retira lentamente acompañada de un sutil piano.
Llega el tema más famoso del disco que cuenta otra trágica historia.

''Jeremy'' está basada en una historia verídica de un chico de hábitos solitarios llamado Jeremy Wade Delle quien se suicido pegándose un tiro en la cabeza frente a toda su clase.
El jóven tenía tan solo 16 años.
La letra describe muy bien los posibles motivos de su suicidio ''Daddy didn't give attention ...To the fact that mommy didn't care...King jeremy the wicked,oh,ruled his world...Jeremy spoke in class today ''.
Y se aquietan las aguas con ''Oceans''de espritú tranquilo pone una especie de pausa casi necesaria diría yo luego de la descarga arrolladora de energía de los primeros seis temas .

''Porch'' es un tema con el sonido típico de Pearl Jam y del album.
Un tema excelente,que me encanta es ''Garden'',una bellísima balada que genera un ambiente muy especial.
Con una letra oscura nuevamente a través ''de tu jardín de piedra''.

Vuelve nuevamente toda la energía con otro tema contundente ''Deep'' se va repitiendo con el grito de Vedder profundo como el mismísimo nombre de la pieza.
Cierra el disco con su ritmo pausado ''Release'' que provoca una especie de efecto somnífero que crea esa sensación de que el disco va terminando de a poco,lentamente,casi sin darnos cuenta....

Portada de Ten (Fotografía) 1991

Lista de Temas :

1-  Once (*)Escuchar
2-  Even Flow (*)Escuchar
3-  Alive (*)Escuchar
4-  Why Go
5-  Black (*)Escuchar
6-  Jeremy (*)Escuchar
7-  Oceans
8-  Porch
9-  Garden (*)Escuchar
10-Deep
11-Release

Autor: Rodrigo Praderi

e-mail: roprado-8@hotmail.com

*La referencia al audio de Youtube que se hace de los temas 1,2,3,5,6, y 9 es con fines meramente ilustrativos. La música y letra de los mismos es Copyright (C) 1991 de su(s) respectivo(s) autore(s).

Créditos:

Publicado:27 de Agosto de 1991.
Sello: EPIC Records.
Producción: Pearl Jam y Rick Parashar.
Letras : Todas las canciones escritas por Eddie Vedder.
Música : Tracks 1,2,3,5 Vedder,Gossard. Tracks 4,6 Vedder,Ament. Tracks 7,9,10 Vedder,Gossard,Ament. Track 8 Vedder Track 11 Vedder,Gossard,Ament,Mc Cready,Krusen.
Grabación:Estudio London Bridge,Seattle,de Marzo a Abril de 1991.
Arte adicional : Steve Pitstick.
Diseño : Lisa Sparagano y Risa Zaitsheck.

(C) Copyright 1991 EPIC Records. Todos los derechos reservados.