''Joyas perdidas de los Sesenta'' - 1967 - Country Joe and The Fish - ''Electric Music for the Mind and Body''

Hoy en esta sección especial del blog que he dado por llamar ''Joyas perdidas de los Sesenta'',les voy a entregar este quinto capítulo,referido a un disco icónico del rock psicodélico.

Enmarcado en pleno epicentro del rock experimental de finales de los sesenta,San Francisco y sus inmediaciones fueron sin dudas el lugar preferencial para la creación de muchos discos legendarios de la Psicodelia americana.
El trabajo de 1967 de Country Joe and the Fish es uno de ellos.

Este disco en especial es uno de los mejores ejemplos de este estilo en estado natural.
Un trabajo genuino,sin limitaciones comerciales,caracterizado por su sonido lisérgico por excelencia que rebalsa psicodelia por donde se mire,creando un ambiente muy particular con su sonido en technicolor que nos propone toda una experiencia teñida de acordes eléctricos experimentales que van de la mano con sus caracteristicos trazos intensos  de órgano que son uno de los puntos más fuertes del álbum.

Joseph Allen Mc Donald,mejor conocido como Country Joe Mc Donald era un conocido activista de la escena de San Francisco con un discurso y un mensaje cargado de alto contenido político y una actitud radical en contra de la guerra de Vietnam.
Fue él quien junto a Barry ''The Fish'' Melton co-fundaron a la banda ''Country Joe and the Fish''.
Pioneros del rock psicodélico hicieron historia con sus presentaciones en el Monterey Pop Festival y luego en el masivo Festival de Woodstock.

Fue en 1967 que realizaron su primer disco llamado ''Electric Music for the Mind and Body''.
Grabado en Febrero de ese año en Berkeley,California,el trabajo fue lanzado al mercado el 11 de Mayo,editado por el sello Vanguard.
Country Joe Mc Donald,guitarrista y cantante escribió practicamente la totalidad del álbum.
Lo acompañaban el otro fundador Barry Melton,quien estaba en guitarra y voces,David Cohen en guitarra y órgano,Bruce Barthol en bajo y harmónica y Gary ''Chicken'' Hirch en batería.

Country Joe and the Fish (Fotografía) de izq. a der Barry Melton,David Cohen,Bruce Barthol,
Country Joe Mc Donald y Gary Hirch.

Embarquemonos en esta experiencia alucinógena.
Ya de entrada volando alto con un tema acerca de una experiencia psicodélica.
''Flying High'' cuenta una fantasía contada por Country Joe acerca de un suceso ficticio que logicamente esta emparentado con un viaje de LSD por las autopistas de Los Angeles donde el personaje es salvado del frío y de la lluvia por dos gatos ensombrerados que aparecen en un cadillac.
Musicalmente se destacan las guitarras bluseras en esta primera canción.

Una pieza maestra del rock psicodélico es ''Not So Sweet Martha Lorraine''.
Aqui se aprecia de manera categorica la presencia del órgano.
Se trata de un órgano Farfisa,que eran fabricados en Ancona,Italia y que se volvieron muy populares en los sesenta para los grupos de rock que ejecutaban este tipo de música.
Eran pequeños,fáciles de transportar y poseían un sonido increíble.
Contrasta a las mil maravillas con las guitarras fuzzy de esta canción que se refiere en tono irónico al amor.

Ahora tenemos un excelente blues en estado puro.
''Death Sound'' se abre con sus sublimes guitarras donde se escucha el rechinar de la pandereta de fondo.
Un sonido más parecido dentro del género a sus contemporáneos y coterráneos de Jefferson Airplane y Grateful Dead.
''Porpoise Mouth'' genera un clima muy especial,extraño,oscuro con letras surrealistas que al menos en mi percepción me hace recordar mucho pasajes del disco ''Strange Days'' de The Doors y mas particularmente la canción ''Unhappy Girl''.

Country Joe en el Festival de Woodstock,1969

''Section 43'' es una pieza experimental por excelencia.
Otro ejemplo perfecto del rock ácido y psicodélico de la década de los sesenta.
Tema instrumental que en sus más de siete minutos nos sumerge en su densa bruma de aire tenso y cargado de misterio con los descollantes destellos del órgano Farfisa que va acompañado muy a tono por la percusión,el bajo y las guitarras.
Este tema tiene hasta un pasaje de harmónica.



"Superbird'' es un tema con un mensaje político de fondo que hace alusión al presidente de los Estados Unidos por aquel entonces LBJ.
Lyndon B. Johnson fue el presidente de Norteamérica durante la Guerra de Vietnam,hecho que le jugara en contra e hiciera bajar muchísimo su popularidad.
Fue remplazado por Richard Nixon en 1969.

Contrastando un poco llega ''Sad and Lonely Times'' de espiritú country que nos muestra la faceta folk y más convencional de la banda.
''Love'' es la única  composición hecha por todos los integrantes del grupo.
De corta duración con su estirpe bluesy sirve de puente para otro pasaje lisérgico del disco.

''Bass Strings'' nos adentra en otro páramo sonoro que sin dudas sale de lo convencional.
De aparente calma contiene el aliento de otra visión psicodélica.

''The Masked Marauder'' es otra genuina estampa del sonido trippy de la costa oeste.
Otra pieza de pura experimentación con esas impecables bocanadas de órgano que inevitablemente me llevan a pensar en el sonido de los californianos de The Doors.

El albúm se cierra con ''Grace'' que es`una alegoría a la cantante de Jefferson Airplane,Grace Slick.
Otro paisaje lisérgico plagado de efectos de sonido para culminar con un disco fundamental del sonido experimental de la costa oeste.

Lista de temas :

1- Flying High (*)Escuchar

2- Not so sweet Martha Lorraine (*)Escuchar

3- Death Sound

4- Porpoise Mouth

5- Section 43'' (*)Escuchar

6- Superbird

7- Sad and Lonely Times

8- Love

9- Bass Strings

10-The Masked Marauder (*)Escuchar

11-Grace

Autor: Rodrigo Praderi

e-mail: roprado-8@hotmail.com

*La referencia al audio de Youtube que se hace de los temas 1,2,5 y 10 es con fines meramente ilustrativos. La música y letra de los mismos es Copyright (C) 1967 de su(s) respectivo(s) autore(s).

Créditos:

Publicado:11 de Mayo de 1967.
Sello: Vanguard Records.
Producción: Samuel Charters.
Música y letras: Country Joe and The Fish.
Grabación:febrero de 1967,Sierra Sound Laboratories,Berkeley,California .

Todas las canciones escritas por Country Joe Mc Donald,excepto track 8 escrito por Mc Donald,Melton,Cohen,Barthol,Gunning,Hirsh.
(C) Copyright 1967 Vanguard Records. Todos los derechos reservados.

1969 - Creedence Clearwater Revival - Reseña/Review de ''Green River''

Cartas de presentación pueden haber muchas para esta legendaria banda.
Esto lo digo fundamentalmente por la capacidad que tiene la música de los Creedence de cautivar a todo tipo de personas,sin importar su procedencia ni su edad.
Como pasa con los Beatles para dar el ejemplo más ilustrativo.
Es que sus canciones son pegadizas,gustan al instante y permanecen en los recuerdos de todos.

Por eso es que  desde la columna del rock les rendiremos un pequeño homenaje hoy día a uno de los mejores grupos de rock americano de la historia.

A pesar de encontrarse enclavados muy cerca de la meca del Rock Psicodélico y el Flower Power como lo era a finales de los sesenta la Bahía de San Fransisco,los Creedence Clearwater Revival tenían su propio estilo musical.
Un estilo que se inclinaba mucho más al sonido Country y Folk estadounidense con claras alegorías a la música y estilo de vida sureño.

Las referencias al ''Bayou'' o los campos de algodón nos hacen imaginar escenas adentradas en Louisiana más que en california.
Es como verlos tocar en las zonas aquietadas del río, en aguas pantanosas plagadas de mosquitos,escuchando el canto de la rana toro de fondo,preparando unos cangrejos de agua dulce para comer acompañados de una buena botella de Bourbon.

Marcaban su estilo ya en su forma de vestir,luciendo botas tejanas con camisas vaqueras,diferenciandose claramente de los atuendos hippies de la costa oeste.
Y no les fue tan sencillo poder tocar la música que les gustaba,ya que al principio fueron presionados por la compañia disquera para que tocarán un estilo más ''beat'' como lo hacían en sus inicios.
Provenientes de un pequeño pueblo californiano llamado ''El Cerrito'' firmaron inicialmente contrato con el sello independiente Fantasy Records en 1964 bajo el nombre de los ''Blue Velvets''.
Luego por sugerencia de la disquera se cambiaron el nombre a ''The Golliwogs'' para tener un nombre más adecuado al estilo de las bandas brítanicas de aquel entonces.

Luego de que en 1966 John Fogerty y Doug Clifford tuvieron que unirse al servicio militar,ya para el 67 y con su nombre definitivo la banda encontró su rumbo definitivo.

Creedence Clearwater Revival (Fotografía) de izq. a der. John Fogerty,Doug Clifford,Tom Fogerty y Stu Cook
de ident.li (http://bit.ly/1nACNUO)

Inspirados por la música de Little Richard,Bo Diddley y las raíces más profundas del Country americano,Creedence Clearwater Revival se convirtió en una de las bandas más famosas de los Estados unidos a finales de los sesenta.
Su formación clásica estaba conformada por John Fogerty en guitarra y voz,Tom Fogerty en guitarra rítmica y coros,Stu Cook com bajista y Doug Clifford en la batería.

''Green River'' fue el tercer disco de estudio de la banda,grabado en San Fransisco y publicado el 3 de Agosto de 1969.
Bajo la producción del mismísimo John Fogerty junto a Saul Zaentz.
Disco plagado de clásicos de los Creedence de una duración muy corta para un L.P. tan genial.

Arrancamos con la canción que da nombre al disco.
Con el mejor riff de los Creedence en la guitarra de John Fogerty inicia ''Green River''.
Con ese excelente ritmo de guitarra nos metemos en pleno Bayou.
Un tema que nos propone un viaje por el Río,escrita por John trata de una ensoñación sureña embarcado por el río verde en una noche de luna mientras la rana toro lo llama con su croar.

''Commotion'' no tan popular como la anterior pero con el mismo ritmo arrollador.
El punteo agudo de la guitarra abre la pieza .
La batería es impresionante.
Con un buen riff central esta canción nos invita a movernos con una copa de Daniel's en la mano.

Llega la supersticiosa ''Tombstone Shadow'',que cuenta una historia de una sombra que se cruza en tu camino trayendo mala suerte,pero por cinco dólares el gitano te ayudará con un amuleto.
Tema típico de prostíbulo que sirve de cortina para las bailarinas desnudistas gracias a su ritmo sensual y atrapante.

Que hermosa balada es ''Wrote A Song For Everyone''.
Matiza muy bien con su gentíl melodía con los temas anteriores.

Luego de la balada anterior llega otro tema gigantesco,otro clásico.
''Bad Moon Rising'' con su riff simple y bien country y su letra de advertencia que pronto vendrá la tempestad que se presagia en la luna mala.
''Lodi'' posee otra hermosa melodía,inspirada en el nombre de una ciudad de California.

''Cross Tie Walker'' con su letra acerca de trenes es un tema que a pesar de no ser muy conocido tiene el estilo del grupo marcado a fuego.
''Sinister Purpose'' tiene una intro de cuerdas bien rockera.
Es un tema con mucha energía con un muy buen solo de guitarra,donde además se luce como de costumbre la maravillosa voz de John Fogerty.

Cierra el álbum ''Night Time Is The Right Time''.
Tema festivo,de espiritú positivo,con un solo de guitarra muy bluesero al estilo de los Canned Heat.
Y así llegamos al final de esta reseña de una de las obras cumbres de Creedence Clearwater Revival.

Portada de ''Green River'' - 1969 (arte de tapa ; Basul Parik)

Lista de temas :

1- Green River (*)Escuchar

2- Commotion

3- Tombstone Shadow (*)Escuchar

4- Wrote A Song For Everyone

5- Bad Moon Rising (*)Escuchar

6- Lodi (*)Escuchar

7- Cross Tie Walker

8- Sinister Purpose (*)Escuchar

9- Night Time is the Right Time

Autor: Rodrigo Praderi

e-mail: roprado-8@hotmail.com

*La referencia al audio de Youtube que se hace de los temas 1,3,5,6, y 8 es con fines meramente ilustrativos. La música y letra de los mismos es Copyright (C) 1969 de su(s) respectivo(s) autore(s).

Créditos:

Publicado:3 de Agosto de 1969..
Sello: Fantasy Records.
Producción: John Fogerty,Saul Zaentz.
Música y letras: Creedence Clearwater Revival
Grabación: Wally Heider's Studio,San Fransisco,California,1969.
Arte de tapa: Basul Parik
Todas las canciones escritas por John Fogerty,excepto Track 9 escrito por Napoleon Brown,Ozzie Cadena y Lew Herman.
(C) Copyright 1969 Fantasy Records. Todos los derechos reservados.

1991 - Metallica - Reseña/Review de "Black Album"

Banda estadounidense de Los Ángeles, que hiciera su base en la Bahía de San Francisco, CA, la cuna del Thrash Metal por inicios de los 80. Formada originalmente en 1981 por el baterista danés Lars Ulrich, quien en busca de un guitarrista puso un aviso en el periódico "Recycler", aviso al que terminara contestando James Hetfield, cantante y guitarrista hasta la actualidad. Para más detalles sobre la historia, formación y primeros trabajos, ver link a continuación - 1986 - Metallica - Reseña/Review de "Master of Puppets"

Luego del éxito de 1986 con "Master of Puppets" y de la tragedia que sufrieran con la muerte de Cliff Burton, Metallica se embarca dos años después a grabar el excelente "...And Justice for All", un disco rústico, denso, con un aire barroco, con temas excelentes como "One" o "Harvester of Sorrow". El sonido de Metallica había cambiado, la voz de Hetfield también; se dejaba entrever la madurez en general de la banda, el abandono de la actitud adolescente para dar paso a una imágen más sobria, tratando temáticas diferentes, con un sonido contundente y oscuro. Un ejemplo, "Eye of the Beholder" de ese mismo disco.

"James Hetfield, Jason Newsted, Lars Ulrich,
Kirk Hamet (Fotografía)". 1991.
De: Old Tendencies (bit.ly/1WR41mo)

Pero no es de "...And Justice for all" del álbum del que nos vamos a ocupar esta vez, sino de su más célebre trabajo hasta la fecha y aquél que les catapultara a la fama: el "Album Negro" de 1991. Si el sonido de Metallica había cambiado de 1986 a 1988, el cambio de cara a 1991 fue masivo. La banda dio un paso comercial muy importante con el álbum negro, sin perder la esencia thrashera y transgresora que les caracterizaba.



Recuerdo el Riff de "Enter Sandman" como si fuera hoy. Escuchar ese tema fue algo que en aquellos años pacatos de la radio uruguaya, fue imposible pasara desapercibido. No, no sólo no podía pasar desapercibido, fue incendiario, demoledor, arrasó con todo. Tanto como "Smells like teen Spirit" de Nirvana. Canciones que fueron más que meras posiciones en rankings radiales, fueron himnos, filosofías de vida para quienes pudimos comprender e identificarnos con el mensaje que había detrás. Recuerdo como si fuera hoy, una mañana que entraba tarde al liceo, allá por 1993. Sonaba "Enter Sandman", en el ranking de la 100.3 en FM. En el silencio de la mañana, mientras me vestía para irme, ese tema me transportó literalmente a otro lugar, me marcó un camino de alguna manera. Pasaron más de 23 años de aquél hecho, y lo que pasó esa mañana me acompaña hasta el día de hoy.

Pero volvamos a aquellos años de 1986 a 1991, cuando por otra parte, Metallica tuvo que audicionar a un nuevo bajista que ocupara el lugar de Cliff. Es cuando en 1986 audiciona a Jason Newsted, quien fuera el responsable de la grabación del bajo de "...And justice for All". Mucho se dijo de ese álbum en relación al bajo, que no se escucha, que es secundario. Y es verdad, no sólo era secundario el bajo, Newsted también lo era para ellos. Metallica le jugó todo tipo de bromas pesadas y le hizo pasar los peores momentos posibles al nuevo integrante. Me resisto a creer que la casi ausencia de bajo en la mezcla de ese álbum estuviera alineada con esa actitud hacia él. Pero en efecto, el bajo es prácticamente inaudible en ese disco, creo yo, producto de una mala mezcla.

"Metallica Live" (Fotografía).
Moscú, Rusia. 1991.
De: Youtube.com (bit.ly/1VFop90)

Luego de una extensa gira de 2 años, la "Damaged Justice Tour", con Jason a bordo, Metallica se redefine. Se redefine en sonido y en actitud, e ingresa a la banda una suerte de quinto miembro: Bob Rock, el hombre responsable de hacer del "Album Negro" el disco más importante de la historia del Thrash Metal de todos los tiempos, al menos comercialmente.

1991 - "Black Album"

Arte de tapa: Metallica (diseño/concepto)
"Portada de Black Album". 1991

El disco más contundente de Metallica a nivel ventas. Vendió más de 500.000 copias en su primera semana en USA, siendo uno de los más vendidos en la historia del metal en general y el que los hizo conocer a la fama. Fue el disco con el Metallica comenzó a trabajar con Elektra Records, y como dijimos, el primero con un productor reconocido como Bob Rock, quien ya venía de trabajar con Motley Crue, Bon Jovi, Cher, entre otros.


Un disco de 12 temas, a cual mejor, de poco más de 1 hora de duración. Eran años esos en que Metallica pasaba por un pico de inspiración y actitud únicas, que jamás volvieron a repetirse.

Fue grabado en "One on One Recording Studios", en California entre Octubre de 1990 y Junio de 1991.

En este álbum Kirk Hammett usó una guitarra "Randy Rhoads", en memoria del fallecido guitarrista de Quiet Riot y Ozzy Osbourne. A nivel  producción, Bob Rock no sólo logró sacarle el máximo partido a la banda, en cuanto a sonido, sino también terminó de definir el estilo vocal de Hetfield, haciéndole destacar esa "a" desgarrada del final de casi todas las palabras, tan característico del cantante.

Lista de temas:

1. Enter Sandman (*) - Escuchar
2. Sad but True (*) - Escuchar
3. Holier Than Thou
4. The Unforgiven (*) - Escuchar
5. Wherever I May Roam (*) - Escuchar
6. Don't Tread on Me (*) - Escuchar
7. Through the Never
8. Nothing Else Matters (*) - Escuchar
9. Of Wolf and Man
10 The God That Failed
11. My Friend of Misery (*) - Escuchar
12. The Struggle Within

El disco comienza con la bombástica "Enter Sandman", poseedora de uno de los mejores riffs de metal jamás creados. Creada por K. Hammet, originalmente el riff tenía dos compases, hasta que Ulrich sugirió tocar el primero tres veces antes del último. Es singular la grabación de este tema, ya que al momento de grabarlo no tenía letra. James tardó casi hasta el final de la grabación del "Album Negro" para finalmente grabarle las voces. Un tema que trata sobre el "hombre de la bolsa" de los niños, el "sandman". Un tema enormemente comercial, responsable en gran medida de situar a Metallica en la cima en aquellos lejanos años 90. El sólo de Hammet, apoteósico.

"Sad bad true", otro tema ya más denso, retorcido. La letra tiene un perfil psicopático, cuando mínimo. "You, you're my mask. You're my cover, my shelter. You, you're my mask. You're the one who's blamed"; no queda clara a quién está dirigida la letra, es un tema que trata sobre el dominio psicológico y la manipulación.

En "Holier than Thou", ya vemos un Metallica que no abandona la agresividad de los comienzos. Este tema, cuyo título significa algo así como "Moralmente superior" es una clara alusión a la crítica destructiva, a los prejuicios, quizás refiera a alguna experiencia personal de alguno de ellos. "Before you judge me take a look at you. Can't you find somethig better to do. Point the finger, slow to understand. Arrogance and ignorance go hand in hand". "Holier than Thou" es un excelente tema, rápido,con un gran riff y estribillos.

La primer balada del disco la marca "The unforgiven", tema del que se hicieran luego parte 2 y parte 3 en discos posteriores, aunque nunca pudieron igualar la magia de esta primera parte. Aparentemente nos cuenta la historia de un hombre muy infelíz, rodeado de la gente equivocada en el momento equivocado, a quienes intentó complacer, que le dieran la espalda luego y le convirtieron en un ser amargado de cara a la muerte. Llama la atención cuando Hetfield dice "That old man here is me", en alusión a sí mismo. Una balada espectacular.


En "Wherever I may Roam" encontramos nuevamente unos Metallica en un pico creativo notable, haciendo uso hasta de sítara eléctrica al inicio, algo completamente inusual en la banda y de hecho en el género, para dar paso al  riff demoledor del que está hecho. El tema trata aparentemente de la vida en la carretera del músico. "and the road becomes my bride. I have stripped of all but pride. So in her I do confide". Durante la gira de Monsters of Rock de 1991, "Wherever I may Roam"  fue la canción elegida para abrir los conciertos.

"Don't tread on me" se asemeja a la mayoría de los temas del "...And Justice for all". Un tema cargado de energía y rebeldía, con un excelente estribillo previo al grito de guerra de "Don't tread on me". El solo de Wah-wah de Hammet, sello característico del guitarrista, da comienzo a un breve puente en el que se puede escuchar más en detalle el riff sobre el que se estructura esta pieza.

"Through the never", vuelve a la carga con un ritmo rápido, casi tanto como en "Holier than Thou". Riff agresivo, que nos muestra a unos Metallica en transición entre su etapa Thrash y su nueva etapa más comercial. Un tema que trata sobre los grandes cuestionamientos humanos, que no conducen a nada. "Time and space never ending. Disturbing thoughts, questions pending. Limitations of human understanding". Cómo si la vida transcurriera a través de una gran nada y no hubiese otra alternativa para el existir humano que esa. Un tema que plantea una reflexión, sin duda. "All that is, ever. Ever was. Will be ever. Who we are. Ask forever. Twisting. Turning. Through the never"

Qué decir de "Nothing else matters" que no se haya dicho ya. Una bellísima balada, que trasciende el género. Es una balada de Rock, que supo anidarse en ese selecto grupo de las mejores escritas de todos los tiempos. Un tema compuesto por Hetfield, mientras hablaba con su mujer por teléfono. Las primeras cuatro notas al aire de la canción, ejemplifican que tenía una de las dos manos ocupadas. Un tema que no iba a ser publicado al comienzo, pero que a sugerencia de Ulrich, se decidió iba a ser una buena idea hacerlo. Y vaya si habrá sido. Un tema que refiere a mantener el amor a pesar de la distancia. "So close no matter how far, Couldn't be much more from the heart. Forever trusting who we are. And nothing else matters"

Luego del remanso de "Nothing Else Matters", Metallica vuelve a la carga con el riff venenoso de "Of Wolf and Man", De hombre y de lobo, la dualidad humana. Un tema rebelde, que incita a la conquista, a salir a buscar lo que es nuestro. Luego del solo de Hammet, un puente apenas hablado que hace necesitar escuchar el estribillo una vez más. Para dar paso a "The God that Failed", un tema un poco más lento y denso, más en la línea de "Sad Bad True" quizás. Un tema cuyo título lo dice todo, anti-cristiano como mínimo. Para un cristiano su dios "no falla", es omnipotente. El dios de Metallica sí, se presenta como un dios humano, un dios que falló. En una palabra, el tema muestra la caída de la figura omnipotente del "creador", y un mensaje detrás de auto-confianza. De abandono del pensamiento mágico. Un gran sólo de Hammet, da paso nuevamente al "I see faith in your eyes. Broken is the promise, betrayal. The healing hand held back by the deepened nail". Buen tema en general.


Ya casi en el cierre del disco, nos encontramos con un muy buen tema, denso, más de medio-tiempo: "My Friend of Misery", con un impresionante inicio de bajo, en el que Newsted brilla y hace gala de sus cualidades. Un tema con un mensaje claro hacia los más jovenes "You insist that the weight of the world. Should be on your shoulders. Misery. There's much more to life than what you see. My friend of misery. ". Un tema que retrata al anti-heroe, muestra la crudeza de la vida, no hay absolutos ni vida perfecta ni un mundo qué salvar.

A ritmo de marcha militar, se cierra el inmenso "Black Album" con "Struggle Within". Con un riff imponente, un tema rápido que muestra cómo Metallica estaba realmente en forma por aquellos lejanos años 90-91, en un pico de creatividad notable. 


En suma, un álbum demoledor, referente para muchas otras bandas, no sólo a nivel musical sino a nivel de producción, que intentaron lograr un sonido similar. Sigue siendo uno de los mejores álbumes en cuanto a sonido de los 90, con vigencia aún al día de hoy. Este disco fue un éxito a nivel internacional, los colocó en la cima de los rankings y les dio un acceso por la puerta grande a la fama, que no habían logrado conquistar en previos trabajos.

Autor: Diego Sendra

e-mail: diebythesword76@hotmail.com

*La referencia al audio de Youtube que se hace de los temas 1,2,4,5,6,8,11 es con fines meramente ilustrativos. La música y letra de los mismos es Copyright (C) 1991 de su(s) respectivo(s) autore(s).

Créditos:

Publicado: 12 de Agosto de 1991
Sello: Elektra Records
Productor: Bob Rock
Música y letras: Metallica
Grabación: Octubre 1990-Junio 1991
Arte de tapa: Metallica (Diseño/Concepto)

Todas las canciones, música y letras, escritas y compuestas por James Hetfield, Lars Ulrich, a excepción de "Enter Sandman", "Unforgiven", "Through the Never", "Of Wolf and Man", Hetfield, Ulrich, Hammett (música y letras), "My friend of Misery", Hetfield, Ulrich, Newsted (música y letras)
Arte de tapa: Metallica (Diseño/Concepto) / Metallica. (C) 1991 Copyright Elektra Records/ Metallica.
 (C) Copyright 1991 Elektra Records/ Metallica. Todos los derechos reservados

The Rolling Stones,sus picos más altos - Cáp.4 : ''Let It Bleed''

Aprovechando la inminente llegada de los Rolling Stones a nuestra ciudad de Montevideo,Uruguay por primera vez en la historia a mediados de febrero,que mejor oportunidad para realizar la cuarta entrega de los picos más altos de la banda.
Desde ya informarles que La Columna del Rock estará presente en dicho evento como no podía ser de otra manera.
Una gran ansiedad y expectativa nos invade a los uruguayos que ya no podemos esperar para presenciar el show de la banda más legendaria de Rock'n Roll del planeta.

Viajemos entonces en el tiempo hasta el año 1969.
Llegaba a su término la década de los sesenta y también la primera etapa de los Stones con la muerte de uno de sus fundadores,el multifacético y creativo Brian Jones.
Paradojicamente y al unísono de la decadencia en la carrera de Jones y su muerte se producía a su vez el momento de más brillo y excelencia del grupo.

El consumo abusivo de drogas y alcohol,su conducta errática y los problemas legales que Brian Jones tenía y que le impedían viajar a los estados unidos llevaron a que fuera separado de la banda.
Brian fue encontrado muerto en su piscina el 3 de Julio de 1969,un mes después de ya no ser más miembro de la banda.
La contribución de Jones en este álbum fue escasa por los motivos explicados anteriormente.de hecho participa solo en dos canciones.

Fue también el inicio de la etapa de Mick Taylor como guitarrista de los Rolling Stones.
Proveniente de la talentosísima banda de John Mayall and The Bluesbreakers.
Taylor llega a los Stones con apenas 20 años en plena gestación del disco y es por esto que toca en tan solo dos de los nueve temas de Let It Bleed.

Let It Bleed fue el octavo disco de los Rolling Stones publicado en el Reino Unido y el décimo en los Estados Unidos.
Publicado el 5 de Diciembre de 1969 bajo la producción de Jimmy Miller quien ya había trabajado en el anterior disco Beggars Banquet.
Sin duda que este trabajo marca la era dorada de la banda iniciada un año antes y que representa de la mejor manera el estilo y personalidad de los Rolling Stones a puro rock'n roll pero con las facetas de blues y country-folk en carne viva.

The Rolling Stones (Fotografía) de izq. a der. Charlie Watts,Mick Taylor,Mick Jagger,Keith Richards,Bill Wayman

El disco se abre con uno de los clásicos de la banda.
''Gimme Shelter'' y sus acordes iniciales abren delicadamente la canción que rápidamente se carga de una fuerza arrolladora como si fuera un huracán de rock'n'roll.
Mick Jagger está a pleno en el tema y encima acompañado por la impresionante voz de Mary Clayton que realiza un solo vocal sublime,memorable.
Con letras alusivas a hechos violentos,escrita por Mick Jagger.
La parte musical la compuso Keith Richards.
El tema hace referencia a la Guerra de Vietnam y al asesinato...''War,Children it's just a shoot away''.
Tema comodín para las presentaciones en vivo,de resultado garantido.
''Love In Vain''es una canción de Robert Johnson,de estilo country.
Con sus hermosos acordes,de base acústica y tintes melancólicos que cuentan una historia mientras el tren deja la estación.

Los Stones se dieron el lujo de dejar fuera de este L.P. al exitosisímo single ''Honky Tonk Woman'' y poner en su lugar la versión country del tema en tono de broma.
''Country Honk '' es entonces la versión incluída para el disco,que no creo le haya hecho mucha gracia a la disquera.
Este es uno de los dos temas en que participa Mick Taylor.
Participa en este tema tocando un violín Byron Berline.

El estupendo bajo de apertura en esta ocasión a cargo de Keith Richards abre la genial ''Live With Me''.
Tema rockero por excelencia que con su riff sucio lleva el sello de los Stones marcado a fuego.
La letra hace referencia al estilo de vida de la banda.
Este es el mejor ejemplo del agregado del saxo en algunas canciones,tal como ocurriría con "Brown Sugar'' que sería lanzado en el siguiente trabajo.
Llega ahora la homónima ''Let It Bleed'',también de base country-folk,con un hermoso piano que sigue el ritmo de la melodía acustíca de la que luego se liberan acordes eléctricos que van reposando suavemente sobre la canción mientras Mick canta con un particular tono de voz.
El tema es acerca del sexo y las drogas.

''Midnight Rambler'' es un clásico absoluto.
Tema blusero por dónde se lo mire,escrita por Jagger y Richards estando de viaje en Italia,acerca de un asesino de la ciudad de Boston.
Keith llegó a decir que ''Midnight Rambler'' es un ''Opera Blues''.
Con el sonido de chicago y plagado de cambios de tiempo este tema también tiene la particularidad de ser uno de los últimos en que participó Brian Jones,quien contribuye en la percusión.
Pocos temas ilustran de mejor manera esta etapa de los Stones.

''You Got The Silver'' es el primer tema de los Rolling Stones cantado en solitario por Keith Richards.
Otro tema con fuertes influencias del country americano.
Keith canta ''You got my heart,You got my soul,You got the silver.....''
''Monkey Man'' es otra gran canción,que lleva el espiritú de la banda en su ritmo,inconfundible.
El inicio con un ritmo de piano inquietante sirve de previa para el riff central de la pieza.

Y que mejor manera de cerrar que con otro clásico,''You Can't Always Get What You Want''.
Tema que juega con la esperanza y la desesperanza,con el ser positivo o ser negativo.
O con simplemente conformarse con lo que tenemos y valorarlo un poco más de lo que lo hacemos.
Comienza con ese maravilloso coro gospel londinense que funciona de intro con su bella melodía a la posterior entrada de la banda.
En este tema el productor Jimmy Miller sustituye en la batería a Charlie Watts.
También contribuye Al Kooper tocando varios instrumentos, piano,órgano y la corneta.
Una anécdota interesante se basa en algunos comenterios que hizo John Lennon sobre esta canción en un tono de broma dada la amistad existente entre ambas bandas.
Dijo que esta canción era otro ejemplo de como los stones copiaban muchas de las ideas de los beatles,y que este tema era la respuesta a ''Hey Jude''.
Cada uno saque su propia conclusión.

Bueno un disco insertado en plena época de oro de la banda y que es un disco infaltable en la colección de cualquier amante del buen rock'n'roll.

Portada de ''Let It Bleed'' 1969

Lista de Temas :

1-Gimme Shelter (*)Escuchar
2-Love In Vain
3-Country Honk
4-Live With Me (*)Escuchar
5-Let It Bleed (*)Escuchar
6-Midnight Rambler (*)Escuchar
7-You Got The Silver
8-Monkey Man
9-You Can't Always Get What You Want (*)Escuchar

Autor: Rodrigo Praderi

e-mail: roprado-8@hotmail.com

*La referencia al audio de Youtube que se hace de los temas 1,4,5,6, y 9 es con fines meramente ilustrativos. La música y letra de los mismos es Copyright (C) 1969 de su(s) respectivo(s) autore(s).

Créditos:

Publicado:5 de diciembre de 1969..
Sello: Decca Recoreds(U.K.),London Records(EEUU),ABKCO Records.
Producción: Jimmy Miller.
Música y letras: The Rolling Stones.
Grabación: 10 de febrero de 1969 al 2 de Noviembre de 1969,Olympic Studios,Londres.
Arte de tapa: Robert Brownjohn.Fotografía ; Don Mc Allester.
Todas las canciones escritas por Jagger/Richards.
(C) Copyright 1969 Decca Records,London Records ABKCO Records. Todos los derechos reservados.

1967 - The Doors - Reseña/Review de ''Strange Days''

La leyenda de The Doors ya había comenzado a escribirse unos meses antes luego del impactante lanzamiento de su álbum debut.
Los veranos de estudiantes en las playas de california fumando hierba al borde del mar ,soñando con ser libres y cambiar al mundo repentinamente se volvieron realidad.
De manera inesperada dejaron de ser una banda más de rock'n'roll y detrás de su aparente timidez en el escenario de los bares de los ángeles cantando de espaldas para no enfrentar al público,surgió de manera espontánea,casi mágica la figura de una estrella vestida de cuero que quería traspasar los límites a través de las puertas de la percepción.
El espiritú de la banda siempre fue Jim Morrison.

Entonces había que seguir escribiendo la historia y de hecho para el poco tiempo del que disponían la estrategia era más que obvia,hacer un álbum con una estructura muy similar al primero.
Quizas por las presiones de la discográfica y el apremio por los tiempos ''Strange Days'' no tiene el mismo espiritú impactante y demoledor del debut,quizás un poco menos espontáneo,menos natural pero no deja de ser otro disco maravilloso.

Se utilizaron muchas de las canciones escritas en el 64 y 65 que no llegaron a ser incluídas en el primer disco.
El productor Paul.A. Rotchild buscó más sofisticación y más trabajo de estudio para Strange Days,con más efectos de sonido creando un paisaje más oscuro,más psicodelico que reflejara de la mejor manera las letras del estilo poético tan particular de Jim Morrison.
Con más repertorio en el sonido del órgano,la inclusión de un bajista para la mayoría de las canciones y la posibilidad de grabar el disco en 12 canales (el primer álbum fue grabado en 4 canales) el sonido de Strange Days tiene un estilo diferente bajo la misma estructura del primer trabajo.
La ingeniería de sonido estaba a cargo de Bruce Botnick.

The Doors en 1967. de izq. a der. Jim Morrison,Ray Manzarek,
Robby Krieger y John Densmore.de unoentremilcristalfm.
wordpress.com (http://bit.ly/1JeKslG)

Grabado para Elektra Records en Hollywood,el álbum llegaría a las tiendas de discos el 25 de Setiembre de 1967.
Con su portada muy original y atractiva,donde se ve un grupo de personajes de circo y ferias en una callejuela de pisos de piedra.

Repasemos sus canciones que nos sumergen en un clima oscuro,misterioso,atrapante y seductor....
El álbum se abre con la homónima ''Strange Days''.
Onírica hasta la médula.
Inicia con el órgano que descarga sus acordes serpenteantes en un ambiente de psicodelia por excelencia.
La voz de Jim Morrison manipulada con efectos de eco le dan más carácter aún a la pieza.
Maravillosa percusión a cargo de John Densmore.

Le sigue ''You're Lost Little Girl'',escrita por Robby Krieger.
El bajo del invitado Douglas Lubahn inicia la melodía de ritmo cansino.
Aunque parezca una contradicción,si bien la voz de Jim Morrison suena depresiva por el clima de la canción,a su vez se aprecia muy clara y transparente.

Uno de los clásicos de la banda es ''Love Me Two Times'',de espiritú blusero,también creación de Krieger.
Sus acordes archiconocidos que suenan como una especie de resorte sonoro,son el sello de este tema.
Toda la sensualidad en la voz de Jim para este clásico de los Doors.
''Unhappy Girl'' con su órgano omnipresente posee una magia especial.
Tema añejo de la banda que ya era interpretado en los tiempos del Whisky A Go-Go y el Matrix.
La letra es acerca de una chica que se encuentra atrapada en sí misma y no logra encontrar la felicidad.

''Horse Latitudes'' es un viejo poema de Jim Morrison escrito en su adolesencia.
La letra trata sobre viejas leyendas de buques españoles.
Los efectos de sonido y la voz tensa generan un clima de caos y miedo,donde en aguas bravias los caballos eran lanzados al agua para que el barco no se hundiera.
Esta pieza sirve de introducción para el próximo tema.
Uno de las canciones más legendarias de la banda es ''Moonlight Drive''.
Que la podríamos considerar como la primera canción de los Doors,cuando Jim se la recitó a Ray Manzarek en su encuentro casual en las doradas arenas de Venice Beach.
Grabada como demo en 1965,y mejorada en 1966 para ser lanzada en el primer álbum,al final quedó fuera y la incluyeron en Strange Days.
Hermoso poema de amor hecho canción con una dulce melodía y esa guitarra slide que despunta sus maravillosos acordes aullantes.

Y seguimos con otra obra cumbre de los californianos,''People Are Strange''.
Letra de Morrison de tinte melancólico y depresivo que habla sobre la frustración de no ser tenido en cuenta o ignorado por las mujeres que se ven malvadas cuando no te desean, como dicen sus letras.
Esta letra sin duda nos habla de la propia personalidad del Rey Lagarto que expresa emociones de forma muy clara y que de forma camuflada nos hablan de los sentimientos y miedos de Morrison.

Un tema bastante subestimado en mi opinión es ''My Eyes Have Seen You''.
Con su gran combinación de guitarra con efecto de palanca,el bajo del inicio y el piano dan a esta canción un excelente sonido.
Con base rockera y aromas psicodelicas este tema es parte del mejor legado de la banda.
''I Can't See Your Face In My Mind'',un tanto apagado,con agregado de marimbas y que con ese órgano distorsionado y la guitarra crean un paisaje un tanto tenebroso.

Aplicando la fórmula del primer disco,que mejor manera de cerrar que con un tema extra-largo de más de diez minutos.
''When The Music's Over'' tiene esa genial apertura de órgano que fluye de los dedos mágicos de Raymond Daniel Manzarek.
Los gritos salvajes de Jim y las guitarras distorsionadas dan paso al estribillo...''When the music's over turn off the Lights''.
A partir de los 3:50 minutos se calman un poco las aguas y aparece el contenido letrístico del tema plagado de metáforas,acerca de la libertad,la religión y el medio ambiente.
El bajo eléctrico de fondo genera un intenso dramatismo,luego sube la temperatura hasta su climax y la célebre frase: We Want The World And We Want It....... Now !!!!!
Explota un orgasmo musical en medio de una noche persa pidiendo a jesús que nos salve !

Portada de ''Strange Days'' - 1967

Lista de temas :

1-Strange Days (*)Escuchar

2-You're Lost Little Girl

3-Love Me Two Times (*)Escuchar

4-Unhappy Girl

5-Horse Latitudes

6-Moonlight Drive (*)Escuchar

7-People Are Strange (*)Escuchar

8-My Eyes Have Seen You

9-I Can't See Your Face In My Mind

10-When The Music's Over (*)Escuchar

Autor: Rodrigo Praderi

e-mail: roprado-8@hotmail.com

*La referencia al audio de Youtube que se hace de los temas 1,3,6,7, y 10 es con fines meramente ilustrativos. La música y letra de los mismos es Copyright (C) 1967 de su(s) respectivo(s) autore(s).

Créditos:

Publicado:25 de Septiembre de 1967
Sello: ELEKTRA Records.
Producción: Paul.A.Rotchild
Ingeniero:Bruce Botnick.
Grabación: Mayo a Agosto de 1967.Sunset Sound Recorders,Hollywood.

Todos los temas escritos por The Doors.
(C) Copyright 1967,Elektra Records.Todos los derechos reservados.

(C) Copyright 1967,Elektra Records. Todos los derechos reservados.

1967 - The Beatles - Reseña/Review de ''Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band''

Poco a poco la invasión musical británica iba quedando atrás en medio de un mundo que por los años sesenta sufría de manera dramática y constante todo tipo de cambios,tanto a nivel social,político así como también religioso.

El año 1967 estaba enmarcado como los años anteriores en un conflicto bélico de gran connotación mundial,la Guerra de Vietnam.
Con esa gran contradicción existencial que surgía por un lado con los movimientos sociales gritando a los cuatro vientos Paz y Amor ! y por otro lado mares de sangre y violencia con lo que eran las guerras y las manifestaciones violentas de protesta.

La música fue por aquellos años una gran revolución no solo desde el punto de vista artístico y creativo,sino también como forma de expresión social y de reclamo a los acontecimientos violentos de esos tiempos.

Pero este excepcional album de 1967 fue para los Beatles una especie de escape a todo lo que ocurría en el contexto mundial,así como también un escape a su propia fama y éxito.
Ya saturados de tantas giras y popularidad los cuatro de Liverpool querían relajarse un poco y disfrutar de su trabajo y porsupuesto poner al límite su genio creativo.
Si bien los cambios en la  estructura musical de la banda ya se empezaban a olfatear en Rubber Soul quedaron explícitamente a la vista y al oído en Revolver de 1966.

Sargent Pepper's fue toda la consolidación de esos cambios y mucho más.
La capacidad creativa estaba a tope en 1967 sumado al remolino sónico de la época que arrastraba a todo grupo de rock incluidos los beatles porsupuesto.
Todas las elucubraciones artísticas de los ingleses buscaban una combinación perfecta entre melodías,psicodelia,pop-rock y todo tipo de efectos e innovaciones sonoras que se consolidaron e incluso se magnificaron con el brillo propio que destella este excelente trabajo.

Sin duda que los Beatles fueron influenciados de muchas maneras desde el otro lado del Atlántico,pero hubo un disco que específicamente atrajo la atención de los ingleses para este trabajo,quienes quedaron absolutamente maravillados hasta su punto máximo por el estilo musical y la perfecta armonía melódica del gran disco de los Beach Boys,''Pet Sounds''.
Excelente disco de pop-rock de los americanos que tuvo como genio creativo a Brian Wilson y que fuera un trabajo que cautivó por completo a los Beatles,incluso llevando al grupo a realizar artimañas tales como demorar el lanzamiento para perfeccionar su trabajo fueron algunas de las estrategias utilizadas por los británicos que por esos tiempos ya no se cocían en el primer hervor.

Este novedoso e innovador trabajo desde donde se lo mire fue el octavo disco de la banda que surgiera a partir de una idea original de Paul mientras viajaba en avión.
Disco revolucionario no sólo por su sonido y estilo propio, sino también por las técnicas de grabación utilizadas que la hacen uno de los discos más representativos e influyentes de la historia del rock.
Innovador en todo,desde los atuendos psicodelicos utilizados por esta banda mitad imaginaria,mitad real,hasta por su portada maravillosa con la banda disfrazada rodeada por todo tipo de personajes famosos,los propios Beatles hechos de cera al lado derecho de los genuinos,algún que otro muñeco y un decorado floral.

Fotografía ( Interior del Album) de izq. a der. Ringo Starr,John Lennon,Paul Mc cartney,George Harrison) 1967

Publicado en Junio de 1967 bajo la producción de George Martin,quien con su voz de mando y su enorme capacidad profesional tuvo la gran responsabilidad de plasmar en el estudio todas las ideas que los artistas le traían.
Una obra ficticia montada sobre un vinilo en la que el personaje del sargento pimienta,líder de la banda bautizado ''Billy Shears'' lleva la batuta de este trabajo encarnado en Ringo Starr.

Repasemos el maravilloso contenido de esta obra.....
La canción ''Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band'' es la carta de presentación de esta banda imaginaria que se presenta al público bajo la conducción de su líder ''Billy Shears'',interpretado por Ringo,que según dice la canción llevaba veinte años enseñando a tocar a la banda.
El tema se abre con el bullicio de varias personas conversando y una orquesta afinando sus instrumentos.
Luego el tema se empieza a desplegar poco a poco con la entrada de la batería y la guitarra eléctrica acompañadas por una mini orquesta formada por un cuarteto de trompas.
Sobre el final de la canción se corea el nombre de Billy Shears (Ringo Starr) que funciona a modo de presentación para que este cante ''With A Little Help From My Friends''.
Tema de exquisita sencillez que John y Paul escribieron para que Ringo cante,como era de costumbre en todos sus discos una canción.
Tema de cuatro notas donde ringo intenta no desafinar como dice la letra.
Apréciese con la suave textura que suena el bajo de Paul,quien usó un Rickenbacker en casi toda la grabación para darle más melodía a la pista de este instrumento.

Llega la primera gran píldora lisérgica de la mano de "Lucy In The Sky With Diamonds''.
La idea original de este tema surgió cuando John vió un dibujo que había hecho su hijo Julian.
En el papel había dibujado a una niña y otros personajes flotando en el aire.
John tomó esta idea y pasó el dibujo a través de su pupila dilatada creando un viaje psicodélico inspirado en alicia en el país de las maravillas.
Una travesía en una barca de papel a través de un río con mandarinos y cielos de mermelada,donde la gente come tartas de malvaviscos.
El sonido del órgano distorsionado crea el ambiente perfecto para esta canción.

''Getting Better'' fue compuesta por Mc Cartney inspirado en la primavera,donde el clima poco a poco iba mejorando.
La guitarra eléctrica de John marca el ritmo con su acorde repetitivo.
También se pueden escuchar algunos instrumentos hindúes introducidos por supuesto por George Harrison.
''Fixing A Hole'' es otro gran tema donde la voz de Paul se luce sobremanera,para allanar las pendientes a la suave y relajada ''She's Leaving Home''.

Llega otra pieza experimental por excelencia, ''Being For The Benefit Of Mr.Kite !''.
Con el estilo de Lennon,estando este en una tienda de antiguedades vio un afiche de feria que decía ''En honor al señor Kite''.
La letra de la canción es la copia de todo lo que el afiche decía.
Lennon le quiso dar a esta pieza un ambiente cirquense que ambientara a las mil maravillas el concepto.
Para esto se utilizaron varios tipos de órganos,un Wurlitzer,un Lowry y un Hammond,además del uso de calíopes y órganos de vapor que dan ese ritmo saltarín tan característico al tema.
También se usaron cintas grabadas con órganos antiguos que fueron montados y algunos tocados al revés.

Llega el aporte de George Harrison,cautivado por el sitar y luego de pulir su técnica para tocar cuando viajó a la India en 1966 para aprender del Ravi Shankar.
Todo el misticismo de la música hindú en ''Within You Without You'',una especie de hermana del ''Love You To'' del Revolver.
Suena también una dilruba que es un tipo de violín indio donde George canta siguiendo el ritmo de este instrumento.

'''When I'm Sixty-Four'' escrita por Mc Cartney en los viejos tiempos de The Cavern,es una ironía al paso del tiempo con un sonido de antaño que le va muy bien.
La dulce ''Lovely Rita'' da paso a ''Good Morning Good Morning'' inspirada en un aviso de cereales de Kellog's.
Fluye un alocado ritmo en una especie de granja psicodélica con los efectos del final con varios animales.

El reprise de Sargent Pepper's da paso a todo vapor al celestial final a cargo de una de las mejores canciones de la historia,''A Day in the Life''.
Un tema que tiene dos partes,una confeccionada por John y la otra por Paul.
Con un puente que las une con ese increíble climax orquestal in crescendo que explota con el reloj cual orgasmo para dar lugar a la segunda parte escrita por Paul.
Un tema atemporal,único,inigualable diría yo.
Con una imponente combinación de instrumentos que han dejado el legado para siempre en este,uno de los mejores discos de la historia del rock.

Portada de ''Sgt Pepper's'' 1967 (Arte de Tapa : Peter Blake,
Fotografía : Michael Cooper )

Lista de Temas :

1- Sgt.Pepper's Lonely Hearts Club Band (*)Escuchar
2- With A Little Help From My Friends (*)Escuchar
3-  Lucy In The Sky With Diamonds (*)Escuchar
4- Getting Better
5- Fixing A Hole
6- She's Leaving Home
7- Being For The Benefit Of Mr.Kite ! (*)Escuchar
8- Within You Without You
9- When I'm Sixty-Four (*)Escuchar
10- Lovely Rita
11-Good Morning Good Morning
12-Sgt.Pepper's (Reprise)
13-A Day In The Life (*)Escuchar

Autor: Rodrigo Praderi

e-mail: roprado-8@hotmail.com

*La referencia al audio de Youtube que se hace de los temas 1, 2,3,7,9 y 13 es con fines meramente ilustrativos. La música y letra de los mismos es Copyright (C) 1967 de su(s) respectivo(s) autore(s).

Créditos:

Publicado:1 de Junio de 1967
Sello: Parlophone,Capitol Records
Producción: George Martin
Ingeniero: Geoff Emerick
Grabación: EMI Estudios y Regent Sound Estudios,Londres,6 de Diciembre de 1966 al 21 de Abril de 1967.

Todos los temas escritos por Lennon-Mc Cartney,excepto track 8,escrito por George Harrison.
(C) Copyright 1967,Parlophone,Capitol.Todos los derechos reservados.

(C) Copyright 1967,Parlophone,Capitol. Todos los derechos reservados.

1992 - Pantera - Reseña/Review de "Vulgar Display of Power"

Banda proveniente de Dallas, Texas, formada en 1981 por los hermanos Abbott "Dimebag" Darrell y Vinnie Paul, Pantera fue poseedora de un sonido único, muy diferente del Thrash metal que se hacía por aquellos años en la bahía de San Francisco, en la que Metallica, Slayer y Megadeth eran sus máximos exponentes. Nada tenía que ver tampoco con la escena británica liderada por Sabbath ni con el Rock n' Roll de Motörhead. El sonido de Pantera supo tener ese color sureño tan característico, conformando un combo original entre Thrash y Groove Metal, subgénero cuya característica es un ritmo machacante, denso, riffs pensados para el vivo, para saltar y poguear hasta quedar inconsciente.

Desde el vamos, esto marcó una diferencia con ese lado oscuro y diabólico tan común de aquellos lejanos años 80. No olvidemos que el primer disco que verdaderamente lanza a la fama a Pantera fue el "Cowboys From Hell", de 1990, año en los que el grunge y el alternative estaban en plena efervescencia. No, no eran años esos de satanismo ni lado oscuro alguno, sino más bien del inicio de la decadencia de valores y de la anti-música en general, salvando contadas excepciones.

Hacia 1981 reclutan a Rex Brown en el bajo y a Phil Anselmo, genio y figura, en 1987, en la voz. Los problemas con Anselmo fueron una constante, debido a sus excesos con drogas y alcohol. Se cuenta que mucho de su comportamiento errático y violento tenía que ver con una importante dolencia en la columna vertebral, causada por tanto head-banging en vivo. A causa de esto, necesitaba ahogar el dolor en el vicio. Y vaya si lo habrá hecho.

"Rex Brown, Phil Anselmo, Vinnie Paul,
Abbot 'Dimebag' Darrel (Fotografía)"
1992. De: Rochkard.de  (http://bit.ly/1IFmNuQ)

Los primeros trabajos de Pantera distaban mucho de la ferocidad presente en discos como "Cowboys from Hell" o el "Vulgar", del que nos vamos a ocupar en esta ocasión. Los primeros trabajos de Pantera fueron Glam/hair metal, entre ellos "Projects In The Jungle y I Am The Night" de inicios de los 80 y luego "Power Metal" de 1988, ya con la voz rasposa y asesina de Anselmo. Es a raíz de la influencia masiva que tuvieran discos como "Reign in Blood" de Slayer de 1986 y "Master of Puppets" de Metallica, del mismo año, que Pantera se decanta por ese sonido, de cara a la grabación del "Cowboys from Hell" de 1990, excelente disco por cierto.


Todo comienza con los hermanos Paul y Abbot, en el estudio de grabación de su padre. Esto influyó en gran medida a los chicos desde la infancia, siempre en contacto con músicos. Black Sabbath y Kiss fueron las principales influencias del Dimebag adolescente de aquellos años. Así, comenzaron tocando covers de Quiet Riot y Van Halen, en clubes nocturnos de Texas. Cabe destacar que Dimebag se iba a convertir luego en un ícono del Metal por su magnífico estilo en las seis cuerdas y por la lamentable noticia de su asesinato en vivo el 8 de Diciembre de 2004, la última presentación de Pantera.

"Abbot 'Dimebag' Darrel" (Fotografía). 1990
De: (http://bit.ly/1YQ9eje)

Hacia 1992 y luego del éxito de su "Cowboys from Hell", con temas increíbles como "Heresy" o la balada "Cemetary Gates", Pantera se embarca en lo que fuera uno de sus mejores discos, el "Vulgar Display of  Power", con el que alcanzaron éxito y reconocimiento masivo.

1992 - Vulgar Display of Power

 

El sonido de este álbum ya desde el inicio de "Mouth for War" indica que va a ser una bomba sónica, de principio a fin. No hay otra manera de definir la brutalidad y el sonido de este disco, muy diferente al sonido de bajo presupuesto de su anterior trabajo. Pantera había venido para quedarse.

Arte de tapa: Brad Guice (Fotografía).
"Portada de Vulgar Display of Power". 1992

El título del álbum fue tomado de una línea de la película de 1973, El Exorcista. Cuando el padre Damien le dice a Regan MacNeil (o al demonio que la posee) que rompa sus cuerdas y se libere usando su poder maligno. Regan le contesta "that's much too vulgar a display of power."

El álbum vendió 2 millones de copias, alcanzando a ser multiplatino. Sentó las bases para definir el género "Groove Metal", brindándole un sónido más denso y pesado.

La revista IGN lo definió entre los 11 álbumes más influyentes de todos los tiempos.

Cómo decíamos, "Mouth for War" da inicio a este excelente trabajo, con una Intro y un Riff memorables. El tema no trata sobre la guerra como pudiera pensarse, lejos de ello, es un tema lleno de energía adolescente y rebeldía. Hacia la mitad del tema, el cambio de ritmo es demencial, cuando recita "There comes a time within everyone to close your eyes to what's real"

El final con "Like a knife into flesh. After life is to death. Pulling and punching the rest of duration. NO ONE can piss on this determination", con ese riff a toda velocidad de Darrel hace que el tema fuera casi que a explotar.

Lista de temas:

1. Mouth for War (*) - Escuchar   
2. A New Level    
3. Walk (*) - Escuchar       
4. Fucking Hostile (*) - Escuchar       
5. This Love (*) - Escuchar   
6. Rise (*) - Escuchar    
7. No Good (Attack the Radical)    
8. Live in a Hole
9. Regular People (Conceit) (*) - Escuchar       
10. By Demons Be Driven (*)        
11. Hollow (*) - Escuchar   

Seguimos con "A New level", un tema original, con un excelente solo hacia la mitad, con unas palabras susurradas de Anselmo luego que dan paso nuevamente al estribillo. La antesala perfecta para la genial, icónica "Walk".

No hay guitarrista de Metal que no haya dado sus primeros pasos tocando el Riff de "Smoke on the water" de Purple o el Riff de "Walk" de Pantera. Un tema simple, simplísimo, pero efectivo, con un "groove" que no da respiro. Lo único que se puede hacer al escuchar el estribillo es mover la cabeza como un enfermo. Punto. Un tema perfecto, con un gran despliegue técnico de Darrel en el solo. El tema habla en apariencia sobre la fama y el respeto, sobre mantenerse alejado del ídolo, sobre lo que molesta ser acosado, imitado.

"Fucking Hostile", un tema con una velocidad demencial, similar al "Dittohead" de Slayer del "Divine Intervention". Con un estribillo que uno espera todo el tema para gritar como enloquecido "Fucking Hostile!". Un tema divertido, violento a la vez, como todo Pantera en general.  Un tema rebelde, otro más, existencialista, que descree de todo, anti religioso. Una declaración de guerra al sistema. "I'd question things because I am human. And call NO ONE my father who's no closer that a stranger. I won't listen"

La balada enferma de "This Love", el primer momento de respiro del álbum. Una canción sobre un amor devenido en odio. "I'd kill myself for you, I'd kill you for myself --" . Una canción que roza lo psicopático. Brillante, pesada, aunque lenta. El estribillo, especialmente cuando repite las palabras "Love, Love, Love", me resultaba demasiado violento y agresivo cuando era un adolescente. Era un tema que solía saltear en el cassette. Un tema enfermizo, es como mejor puedo definirlo hoy.

"Rise", refiere al levantamiento de las masas, quizás un tema político. Las líricas de Pantera están llenas de metáforas, no resulta fácil a veces saber a qué refieren. Un momento más de medio tiempo del disco, un gran tema, un gran estribillo, un gran solo.

"No Good (Attack the Radical)" un tema que aboda el problema racial y la discriminación. El tema está dotado de un excelente Riff. Un gran cambio de Riff hacia el final del tema, que lo hace desvanecer hacia la nada.

"Live in A Hole", otro gran corte del disco. El estribillo es brillante, original. Un gran Riff en general, una letra que refiere a ese micromundo del ser incomprendido, disociado de la realidad. Es claro cuando dice "Live in a hole. But stay close to my kind. Cause they understand what burns in my mind. I still feel incomplete. Friends are few and far between". Ese hoyo, el hoyo en el que vive ya que el mundo le repugna. Un cambio de ritmo da paso a un gran solo de Darrel.

Y si de grandes Riffs hablamos, "Most regular people (Conceit)" no se queda atrás. Excelente comienzo y desarrollo, un tema rápido, en el que Pantera alterna con mid-tempos. Uno de los mejores del álbum. Cuando Anselmo grita "My time, your pain. I reign on you" es, cuando menos, un momento épico. Un tema egocéntrico, desafiante y violento como todos los demás, una especie de himno anti-posers. "You practice in your mirror. To be just like me. But you just can't see. You ain't got the balls, son". El solo de Darrel, apoteósico.

"By Demons by Driven" es un tema extrañísimo, aunque genuinamente "Panteroso". Anti-cristiano, en clara alusión al demonio o a "demonios". La parte casi hablada cuando dice "Beckon the call" es sencillamente demente. Un buen tema, con un Riff aplastante hacia el final .

"Hollow", una balada oscura, que evoca en parte al célebre "Cemetary Gates" del disco anterior. Un tema esencialmente acústico, que trata sobre un amigo que perdió la razón, o que está en un estado de coma, quizás tras un accidente. El "Vacío" al que refiere el título de la canción, refiere a la cáscara de huesos y carne en la que se ha convertido ese amigo. La desolación de su madre, el valor de la amistad, los recuerdos llenos de vida del pasado. El final, lleno de bronca y no aceptación.

En suma un disco esencial, sino el principal de la carrera de esta banda. Un disco de culto de principio a fin.

Autor: Diego Sendra

e-mail: diebythesword76@hotmail.com

*La referencia al audio de Youtube que se hace de los temas 1,3,4,5,6,9,11 es con fines meramente ilustrativos. La música y letra de los mismos es Copyright (C) 1992 de su(s) respectivo(s) autore(s).

Créditos:

Publicado: 25 de Febrero de 1992
Sello: Atco Records
Productor: Pantera/Terry Date
Música y letras: Pantera
Grabación: 1991
Arte de tapa: Brad Guice (Fotografía)

Todas las canciones, música y letras, escritas y compuestas por Rex Brown, Phil Anselmo, Vinnie Paul,
Abbot 'Dimebag' Darrel
Arte de tapa: Brad Guice (Fotografía) / Pantera. (C) 1992 Copyright Atco Records/ Pantera.
 (C) Copyright 1992 Atco Records/ Pantera. Todos los derechos reservados